DELIRIUM NERD

[QUADRINHO] Panini lança o último volume de "Sandman: Prelúdio"

deliriumnerd — Sat, 26 Nov 2016 04:58:53 +0000

Finalmente o último volume da famosa série de quadrinhos "Sandman: Prelúdio" chegou este mês nas lojas pela editora Panini. Para nossa satisfação e alegria, podemos completar a coleção e descobrir o desfecho da história, escrita pelo autor Neil Gaiman (Deuses Americanos).

Sinopse:

Ele é conhecido por incontáveis nomes. Onde quer que exista vida, ele e seus irmãos guiam as forças que a moldam. Ele é Sonho dos Perpétuos e pode ser responsável pelo fim do Universo. Depois de recorrer ao Tempo, seu pai – que lhe negou ajuda – sua última esperança está depositada em outro familiar. Magia, alegria, guerra e mágoa entram em cena no último capítulo da minissérie que narra o maior desafio de Morfeus antes da série Sandman.

Sandman: Prelúdio Volume 3 Neil Gaiman Panini Idioma: Português Capa dura 64 páginas Onde comprar: Amazon

[SÉRIE] "Gilmore Girls": o que não gostaríamos de ver nos novos episódios

leticiagraton — Thu, 24 Nov 2016 21:59:01 +0000

Preparem as xícaras de café, porque após meses esperando, assistindo trailers, vendo fotos e acompanhando todo tipo de novidade, dia 25 de novembro finalmente chegou! Daqui algumas horas a Netflix vai nos levar de volta para Stars Hallow depois de longos 9 anos, com a estreia de "Gilmore Girls: Um Ano Para Recordar", uma temporada especial composta de 4 mini filmes que vão acompanhar um ano na vida de Rory e Lorelai Gilmore.

E enquanto tem muitas coisas que nós queremos e esperamos ver no revival, que já foram comentadas durantes esses meses de espera, decidimos listar aqui algumas coisas que nós definitivamente não queremos ver. Afinal, quando você revê a série em 2016 é possível perceber que, apesar de maravilhosa em vários pontos, ela também comete alguns erros que passaram despercebidos da primeira vez que assistimos, e que podem ficar lá em 2007:

1. Rivalidade feminina

Apesar de todas as características feministas da série, que estava bem à frente do seu tempo quando se tratava de quebrar estereótipos sobre mães solos e retratar amizades femininas, as personagens de Gilmore Girls viviam julgando e se comparando a outras mulheres. Desde as primeiras temporadas vemos uma clara distinção entre Rory - menina inteligente e um pouco tímida que nunca tinha beijado um menino até os seus 16 anos - e as outras meninas mais populares de sua sala, que ela considerava “fúteis” e de certa forma inferiores. Um episódio que retrata bem isso é aquele em que Jess, depois já ter beijado Rory no fim da segunda temporada, é visto ficando com uma menina loira que é claramente o oposto da protagonista, ou seja, uma menina fútil que serve apenas para “pegar” e depois ser descartada.

Infelizmente, essas comparações não se reduzem apenas à adolescência. Lorelai, por exemplo, apesar de ter engravidado com 16 anos, volta e meia julga a vida sexual de outras mulheres, esperando sempre que a sua filha “perfeita” seja diferente das “outras”. Um exemplo disso é quando ela ouve Paris contar para Rory que perdeu a virgindade e descobre que a filha apesar de estar namorando ainda é virgem, e por isso fica feliz dela ser a “filha boa”. Além disso, como foi descrito pelas meninas da Revista Polén, essa distinção entre as protagonistas e as “outras” mulheres fica clara quando temos personagens como Rachel, Nicole, Sherry e até mesmo April, que surgem apenas como plot devices para criar intrigas na história da série.

Esse tipo de comportamento das personagens só serve para intensificar ainda mais os estereótipos presentes na mídia de rivalidade feminina, além de ser extremamente desnecessário para o desenrolar da história em si. Afinal, Lorelai, Rory, Lane, Sookie e Paris são sempre retratadas como personagens inteligentes e independentes, mas será que elas precisavam se mostrar diferente de "outras mulheres" para isso?

2. Falta de diversidade

O elenco de Gilmore Girls é repleto de mulheres de diferentes idades e tipos físicos, entretanto quase todas elas tem algo em comum: são brancas. Tirando Lane e sua família coreana, o único outro personagem regular não-branco que aparece nas 7 temporadas é Michel. E, enquanto Lane até possui histórias próprias e desenvolvimento de personagem, apesar de ter recebido um final que não merecia, e de sempre negar a sua origem coreana, Michel continua sempre o mesmo, servindo como um personagem secundário que nunca foi realmente explorado.

Estamos em 2016, e está na hora de começarmos a questionar essa falta de representatividade, especialmente quando levamos em conta que Stars Hallow é uma cidade fictícia que poderia ter personagens bem mais diversos, que deixariam a série mais interessante. Por que Rory ou Lorelai, por exemplo, nunca namoraram um homem que não fosse branco?

3. Preconceito velado

Tanto o elitismo dos Gilmores, quanto o machismo de todos os homens da série, e até mesmo a homofobia em forma de piadas sutis, aparecem em Gilmore Girls apenas como traços dos personagens, e nunca como algo que deve ser questionado.

Richard e Emily são figuras controladoras que sempre acham que sabem o que é melhor para a vida romântica de sua filha e neta, entretanto não é difícil perceber que esse “melhor” sempre tem relação com dinheiro e status; é só comparar a forma com que eles tratam Dean e Logan, ou Luke e Christopher. E, mesmo assim, esse elitismo sempre é resumido a brigas de família, e depois que todo mundo faz as pazes, ninguém toca mais no assunto.

[caption id="" align="aligncenter" width="625"] "Por favor, arranjem um boy mais decente pra mim"[/caption]

A mesma coisa acontece com o machismo. Assistindo Gilmore Girls em 2016, como feminista, não é difícil perceber que todos os namorados de Rory eram possessivos e ciumentos (cada um da sua forma), e como isso sempre foi retratado como algo “normal” da personalidade deles. Se Jess tratava ela mal, era porque ele era um "bad boy"; se Dean tinha crises de ciúmes, era porque ele "amava Rory de mais"; se Logan agia como um idiota "tudo bem, é só o jeito dele". E isso tem que sim ser questionado, afinal, tem algo de muito errado quando uma personagem tão forte e independente como Rory namora meninos que volta e meia tratam ela como lixo. (#Rorymereceumboydecente)

[DOCUMENTÁRIO] “Audrie & Daisy”: o poder destrutivo da violência sexual e do bullying

rafaelabn — Fri, 25 Nov 2016 21:10:47 +0000

Durante os 16 dias de ativismo na luta contra a violência à mulher, os blogs envoltos pelo #feminismonerd se propuseram a discutir as problemáticas em torno da representação de mulheres como uma matriz que reitera os discursos de violência e ódio, quanto veículos que visibilizam a discussão. Sabemos que apenas a exposição e discussões possibilitam o combate direto, a resolução e identificação do problema. Como reitera a escritora e teórica feminista Audre Lorde : “é preciso transformar o silêncio em linguagem e ação”.

O dia 25 de novembro é considerado o Dia Internacional de Luta pelo Fim da Violência contra a Mulher. A criação da data foi escolhida através da Organização das Nações Unidas no ano de 1999, como uma homenagem às irmãs Pátria, Minerva e Maria Teresa, conhecidas como “Las Mariposas”, que foram brutalmente assassinadas em 1960 pelo ditador dominicano Rafael Leônidas Trujillo. Além de ser uma data triste, é importante para passarmos a refletir sobre essa violência de gênero que as mulheres sofrem diariamente - que além de se manifestar por vários modos (violência física, sexual, psicológica, moral ou patrimonial) constitui um problema enraizado e naturalizado em nossa sociedade.

Hoje falaremos sobre o documentário "Audrie & Daisy", que retrata os sérios danos que a violência sexual e o bullying nas redes sociais causam na vida de mulheres que foram vítimas.

*AVISO DE GATILHO: ESTUPRO E SUICÍDIO*

"Audrie & Daisy" é um documentário dirigido por Bonni Cohen e Jon Shenk e exibido pela primeira vez na edição de 2016 do Festival de Sundance. A obra mostra entrevistas com vítimas que superaram o medo de expor suas histórias e contam como foi e continua sendo lidar com um trauma tão pesado. O documentário aborda as famílias que perderam suas filhas e que não conseguiram suportar o impacto da violência que elas sofreram, cometendo suicídio.

O filme tem duas histórias principais: a de Audrie Pott e Daisy Coleman. Audrie foi abusada sexualmente quando tinha 15 anos de idade, após ficar bêbada em uma festa. Fotos do acontecido se espalharam pela internet e quando chegaram até ela - que não se lembrava de nada - ficou desesperada. Audrie passou a sofrer bullying nas redes sociais e não conseguiu lidar com a situação horrível que estava vivendo. Cometeu suicídio cerca de 1 semana depois.

[caption id="attachment_48213" align="aligncenter" width="588"] Audrie Pott[/caption]

Daisy sofreu violência sexual quando tinha 14 anos, por um rapaz de 17 anos que era amigo de seu irmão mais velho. Daisy tinha bebido com sua amiga Paige e foi convidada por esse amigo de seu irmão para ir até a casa dele beber com outros amigos. As duas decidiram ir até o local e foram abusadas sexualmente. Daisy foi deixada pelos garotos no chão do quintal de sua casa de madrugada e foi encontrada por sua mãe. Paige foi deixada em casa e apagou.

[caption id="attachment_48217" align="aligncenter" width="642"] Daisy e Paige[/caption]

Os pais de Audrie contam em depoimentos emocionados o que a filha passou e a dor pela perda dela, mas boa parte do documentário fala sobre a experiência de Daisy até então, e de como sua família a ajudou a enfrentar todo o trauma sofrido.

[caption id="attachment_48224" align="aligncenter" width="479"] Delaney Henderson[/caption]

A história de Delaney Henderson também é contada no documentário. Delaney foi atrás de Daisy logo após saber de seu caso através das redes sociais, e mesmo não a conhecendo, sentiu a necessidade de prestar apoio por saber que estava passando naquele momento o mesmo terror que já havia sofrido anteriormente, pois tinha sido estuprada aos 16 anos.

As histórias de outras meninas também são apresentadas no documentário.

[caption id="attachment_48227" align="aligncenter" width="2000"] Da esquerda para a direita: Daisy Coleman, Ella Fairon, Delaney Henderson e Jada Smith (todas elas têm suas histórias apresentadas no documentário)[/caption]

"Audrie & Daisy" fala sobre o julgamento perpetrado pela sociedade, sobre o machismo e misoginia, sempre presentes em casos de estupro, e o bullying desencadeado, principalmente, através das redes sociais.

No documentário, trechos de depoimentos dos acusados em ambos os casos são apresentados - um ponto interessante para que se veja como o agressor se comporta quando questionado sobre as acusações do crime cometido. Os argumentos são sempre vagos, e na verdade tudo o que querem é que o julgamento termine logo para se livrarem das acusações.

É um documentário necessário e que serve de alerta para as famílias, para que os pais estejam atentos às atitudes de suas filhas e filhos, evitando com que sofram essas formas de violência e, principalmente, ensinando e conscientizado para que os meninos não cometam crimes como os apresentados no documentário. Em tempos de Bolsonaros e Trumps, a nossa melhor arma é a informação e a luta para que o agressores sejam punidos.

"Audrie & Daisy" está disponível no catálogo da Netflix.

https://www.youtube.com/watch?v=6EeU5KNbn3Y

Textos voltados para a ação nerd pelo fim da violência contra a mulher:

Sites envolvidos nessa campanha:

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deliriumnerd — Fri, 25 Nov 2016 20:58:37 +0000

[QUADRINHOS] "A Gigantesca Barba do Mal": uma crítica ao que é padronizado pela sociedade

isabellesimoes2 — Mon, 28 Nov 2016 05:31:54 +0000

“Na Ilha de Aqui tudo é meticulosamente organizado e certinho. As Ruas são asseadas, a grama é bem aparada e os homens são rigorosamente barbeados. Dave não foge à regra [...]. Num dia fatídico, porém, Dave se vê como a raiz de um gigantesco problema: uma barba que irrompe de seus poros e desafia a lógica e a ciência. ”

Antes de mais nada, indico a leitura ao som de:

https://www.youtube.com/watch?v=PSoOFn3wQV4

O autor

“Stephen Collins é ilustrador e cartunista. Seu trabalho já apareceu em publicações por vários cantos do mundo e seus quadrinhos estão semanalmente na revista Guardian Weekend. A Gigantesca Barba do Mal foi a sua estreia em graphic novels e foi finalista do Waterstone Book of the Year e do Eisner Award (O “Oscar” dos Quadrinhos). Sua coletânea de tirinhas foi publicada pelo selo Jonathan Cape em 2014. Atualmente, Stephen trabalha em sua segunda graphic novel.Ele vive com a esposa, Hannah, em Hertfordshire, nos arredores de Londres.”

Sinopse completa da Editora Nemo:

“Na Ilha de Aqui tudo é meticulosamente organizado e certinho. As Ruas são asseadas, a grama é bem aparada e os homens são rigorosamente barbeados. Dave não foge à regra. Tem um emprego que lhe permite pôr em prática todo o seu senso de organização, bem como distrair a mente de pensamentos indesejáveis, e encontra paz numa rotina totalmente ordeira.

Num dia fatídico, porém, Dave se vê como a raiz de um gigantesco problema: uma barba que irrompe de seus poros e desafia a lógica e a ciência. Logo ela se tornará uma questão de segurança pública e irá abalar as estruturas de Aqui, figurativa e literalmente. Uma fábula arrojada, que faz lembrar Roal Dahl e convida a refletir sobre algumas questões humanas deste século. ”

Crítica

Aqui (Here, no original) é uma cidade totalmente padronizada que fica em uma ilha cercada pelo mar. Além do mar, fica Lá (There, no original). Em Aqui, todos são asseados, comportados, pontuais e todas as vidas são rotineiras e comuns. Nada foge do padrão, não há nada de estranho ou que chame a atenção por qualquer motivo que seja. Todos seguem suas vidas sem interrupções, dia após dia após dia.

Dave, o personagem principal, não é diferente. O ápice de seu dia é quando chega do trabalho, senta em sua mesa com seu caderno de desenhos e ouve The Burning Flame, do Bangles, repetidamente enquanto desenha tudo e todos que passam pela janela. A música ajuda a manter o barulho do oceano (e as ideias do que existe, de fato, Lá) distante. A única coisinha diferente em Dave é um fio de barba, pequeno, praticamente imperceptível, que sempre insiste em crescer rapidamente quando cortado. Depois de diversas tentativas, Dave desiste de eliminar o fio e convive com isso, já que não chama a atenção de ninguém. E essa é, literalmente, a raiz de todos os seus problemas.

[caption id="" align="aligncenter" width="429"] O Fio[/caption]

Durante quase metade da história nós conhecemos Dave, sua rotina, seu trabalho e seu único prazer (ouvir Bangles no repeat e desenhar). Nesse tempo, podemos sentir o vazio da vida de Dave – e, porque não, de qualquer outro morador de Aqui. Falta algo. A rotina, o trabalho, a cidade... tudo é perfeito, mas falta algo. Dave não sabe exatamente o que falta e nem por que se sente assim.

Até que um dia, sem aviso nem motivo, sua barba começa a crescer. E crescer. E crescer. Então o trabalho ordeiro e sempre igual se torna confuso e sem sentido. As pessoas veem a barba e sentem nojo, aversão e medo. Dave corre para cara e passa a noite toda cortando. Mas a barba sempre cresce rapidamente, tornando todos os esforços inúteis. Dave então decide: não cortará mais a barba.

É aí que tudo toma proporções épicas: como um gigantesco monstro, a barba engalfinha tudo pelo caminho: casas, ruas, pessoas e a cidade. Causa o caos e afeta a vida de todos. Aquele caminho que as pessoas pegavam todos os dias para chegar ao trabalho está interditado, pois a barba tomou conta. A visão ordeira e pacífica de Aqui é transformada em uma visão horrenda de uma barba que se contorce e não para de crescer, não importa o que tentem fazer para pará-la.

A barba pode servir de metáfora para dezenas de coisas. As críticas mais óbvias são em relação à sociedade atual e ao que é diferente e como isso é aceito ou não. Ao ler a história isso se torna claro, tanto que é desnecessário se alongar nesse sentido.

Porém, tão importante quanto as críticas e metáforas, é o personagem: como esse acontecimento o afeta? Nossas vidas, geralmente, estão cercadas de projetos, certezas, rotinas e coisas que podemos, de certo modo, prever e controlar. Mas como nos sentimos quando tudo foge ao controle? Quando a sociedade nos vê como alguém estranha, errada, que não se encaixa na realidade em que vive, qual é a nossa resposta em relação a isso? Esteticamente, por exemplo, sabemos que há uma indústria da beleza que padroniza como as mulheres devem ser. Muitas que não se enquadram nesses padrões fazem cirurgias plásticas ou acabam sofrendo algum distúrbio com a bulimia ou depressão. "A Gigantesca Barba Do Mal", nesse sentido, é sobre saber lidar com o diferente (com o que a sociedade julga e condena como diferente, errado, que foge ao padrão), é sobre aceitação. E o modo como Dave lida com sua gigantesca barba é um tanto quanto poético e fantasioso - lembra até o fim do clássico "Willy Wonka E A Fantástica Fábrica de Chocolates". A Gigantesca Barba do Mal é sobre coisas que, em um primeiro momento, podem parecer um obstáculo, mas que, na verdade, te libertam.

A Arte

O traço de Stephen Collins é simples e se comunica perfeitamente com os detalhes pertinentes à trama, como a falta de expressão dos personagens e o visual limpo e impecável da cidade. A falta de cores (toda a história é contada usando-se apenas tons de cinza) também possui esse efeito, de modo geral. Quando a Gigantesca Barba do Mal começa a crescer sem parar, a arte também reforça isso. A barba é a única coisa expressiva de toda a cidade, a única coisa que foge à formalidade, ao igual, ao comum.

As mulheres na obra

Vamos, por fim, ao que interessa: a representação feminina na obra. De um modo geral, as poucas mulheres que aparecem e têm falas são totalmente coadjuvantes. Não que, nesse caso específico, isso seja um problema na obra, porque exceto David e Sua gigantesca barba, não há mais nenhum personagem significativo.

No entanto, vale lembrar que a música chave ao longo da trama é cantada e tocada por mulheres (a já mencionada canção Burning Flame, do Bangles).

A Gigantesca Barba do Mal

Stephen Collins

Editora Nemo

240 páginas

Onde comprar: Amazon

mat-barba

deliriumnerd — Fri, 25 Nov 2016 23:27:40 +0000

[QUADRINHOS] "The Wicked + The Divine" será lançado na CCXP e está disponível para pré-venda

deliriumnerd — Mon, 28 Nov 2016 17:30:40 +0000

Um dos quadrinhos mais prestigiados pela crítica (prêmio de melhor quadrinho no British Comic Awards de 2014), do autor Kieron Gillen e desenhista Jamie McKelvie, chega ao Brasil este mês pelo selo da editora Novo Século, Geektopia. Recheado de referências da cultura pop, "The Wicked + The Divine" traz a história de um panteão de deuses e deusas que reencarnam como humanos e tornam-se celebridades. O quadrinho promete encantar leitores e leitoras que procuram quadrinhos além dos famosos super-heróis e heroínas.

O lançamento do quadrinho ocorrerá durante o maior evento de quadrinhos do Brasil, a CCXP (Comic Con Experience) - que começará nesta quinta-feira (01) e terminará no domingo (04) - e para quem não comparecer no evento, não se preocupe, pois o quadrinho já encontra-se disponível para pré-venda online.

https://www.facebook.com/GeektopiaOficial/posts/369848880031756:0

Sinopse: Século XXI. Deuses caminham entre nós e se assemelham a ícones pop do nosso tempo. Assim se constrói The Wicked + The Divine, uma fascinante alegoria para os jovens de hoje sobre a glória efêmera erigida como valor supremo na sociedade moderna. Fenômeno de público e crítica, a série criada por Kieron Gillen e Jamie McKelvie (criadores de Phonogram e Jovens Vingadores) obteve diversas indicações ao Prêmio Eisner, e agora chega ao leitor brasileiro com exclusividade pelo selo Geektopia.

Já falamos mais detalhadamente sobre o quadrinho anteriormente aqui no site, onde listamos motivos para ler a obra.

The Wicked + The Divine

Kieron Gillen (Autor); Jamie McKelvie (Arte)

Selo Geektopia

160 páginas, capa dura

Onde comprar: Amazon (pré-venda)

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deliriumnerd — Mon, 28 Nov 2016 17:23:12 +0000

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deliriumnerd — Mon, 28 Nov 2016 17:32:21 +0000

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deliriumnerd — Mon, 28 Nov 2016 18:25:01 +0000

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deliriumnerd — Mon, 28 Nov 2016 18:36:54 +0000

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deliriumnerd — Mon, 28 Nov 2016 18:44:33 +0000

emily

deliriumnerd — Mon, 28 Nov 2016 18:45:47 +0000

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deliriumnerd — Mon, 28 Nov 2016 18:45:58 +0000

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deliriumnerd — Mon, 28 Nov 2016 18:46:27 +0000

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deliriumnerd — Mon, 28 Nov 2016 18:46:37 +0000

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natibaseggio — Mon, 28 Nov 2016 21:02:44 +0000

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natibaseggio — Mon, 28 Nov 2016 21:10:23 +0000

[CINEMA] A violência contra a mulher cometida por grandes diretores e o poder da palavra de um homem

isabellesimoes2 — Tue, 29 Nov 2016 03:02:26 +0000

"Uma das grandes traições femininas é quando querem se ver através de um olhar masculino." - Jane Campion no documentário "História do Cinema: Uma Odisseia" (2011)

https://www.facebook.com/plugins/video.php?href=https%3A%2F%2Fwww.facebook.com%2Fespsetar%2Fvideos%2F542414299301949%2F&show_text=0&width=560 https://www.facebook.com/plugins/video.php?href=https%3A%2F%2Fwww.facebook.com%2F193928527671903%2Fvideos%2F270879596643462%2F&show_text=0&width=560 https://www.facebook.com/193928527671903/videos/270879596643462/ http://elmundodealycia.org/bertolucci-confiesa-la-violacion-de-maria-schneider/

capa

titanis451 — Tue, 29 Nov 2016 13:06:46 +0000

[SÉRIE] "Gilmore Girls: Um Ano Para Recordar" - análise com spoilers

isabellesimoes2 — Mon, 30 Nov -0001 00:00:00 +0000

Difícil falar sobre o revival de "Gilmore Girls: Um Ano Para Recordar", recém lançado pela deusa Netflix, sem a influência da nostalgia e da mistura de sensações e sentimentos que essa série me proporcionou ao longo dos anos. Através da paixão de Rory Gilmore por livros e do vício por cafeína de Lorelai Gilmore, sentia que a pequena cidade de Connecticut, Stars Hallow, era o meu segundo lar, um lugar fictício onde eu poderia receber, desde as melhores dicas de leituras, bandas e filmes, até conselhos sobre como enfrentar um dos períodos mais complexos como a adolescência e a transição para a vida adulta, sendo, assim como Rory, uma garota tímida e nada popular, e que considerava (e ainda considera) os livros como o seu "segundo mundo".

Durante os 7 anos que a série foi exibida, sentia que Rory e Lorelai - por final, uma das amizades mais bonitas da cultura pop - eram as minhas melhores amigas, aquelas que eu poderia sentar e conversar por horas sobre tudo, acompanhada de belas xícaras cheias de café.

Um Ano Para Recordar começa com a época favorita de Lorelai Gilmore: o inverno - que também é o título do primeiro episódio. Lorelai desde a 1ª temporada (episódio 8: "Amor e Neve") mencionou o fato de gostar tanto dessa estação do ano, onde, segundo suas palavras tudo fica mais mágico, bonito, e onde presenciou os momentos mais especiais e marcantes da sua vida. Tem coisa mais bonita do que ver a empolgação da nossa querida Lorelai quando ela sente a neve chegando apenas pela respiração? Eis que recebemos o presente e a recepção do retorno de Gilmore Girls justamente nessa estação tão especial e marcada de simbolismos para uma das protagonistas da série.

Rory

Lorelai

Emily

Pontos negativos:

Importante dizer que esse texto foi escrito por altas doses de café e com a trilha sonora da série, que você pode ouvir nos links abaixo:

[LIVRO/CINEMA] Representação feminina nas obras de fantasia épica e a falácia da fidelidade histórica

titanis451 — Tue, 29 Nov 2016 16:16:54 +0000

O dia 25 de novembro é considerado o Dia Internacional de Luta pelo Fim da Violência contra a Mulher. A criação da data foi escolhida através da Organização das Nações Unidas no ano de 1999, como uma homenagem às irmãs Pátria, Minerva e Maria Teresa, conhecidas como “Las Mariposas”, que foram brutalmente assassinadas em 1960 pelo ditador dominicano Rafael Leônidas Trujillo. Além de ser uma data triste, é importante para passarmos a refletir sobre essa violência de gênero que as mulheres sofrem diariamente – que além de se manifestar por vários modos (violência física, sexual, psicológica, moral ou patrimonial) constitui um problema enraizado e naturalizado em nossa sociedade.

E hoje vamos falar da representação feminina nas obras de fantasia épica.

Nenhum outro período da história humana é tão presente na cultura pop quanto a Idade Média. Desde os romances do século XIX, que retratam cavaleiros corajosos salvando donzelas em suas armaduras brilhantes, até Star Wars, com seu código de cavalaria adaptado para as guerras espaciais, a Idade Média ganhou um lugar de destaque no imaginário popular e junto com ela veio a falácia da fidelidade histórica. O argumento da fidelidade histórica normalmente é usado para tentar desmerecer qualquer crítica voltada à falta de representatividade feminina ou ao abuso às personagens mulheres nessas obras. Em 2014, Mark Lawrence, autor da "Trilogia dos Espinhos", respondeu aos críticos dizendo que a falta de personagens femininas em seus livros se dava pelo contexto e pelo gênero literário em que eles se encontravam. Parace que na visão de Lawrence, a presença de uma mulher em um mundo medieval bélico só pode ser justificada nos casos em que essas mulheres sofram violência pelas mãos de seu protagonista, porque na Idade Média era justamente assim que acontecia.

Argumento semelhante já foi ouvido por qualquer pessoa que ousou questionar a razão dos estupros e do racismo no seriado "Game of Thrones", porque é uma obra obviamente baseada na Idade Média inglesa, portanto, tinha que ser assim mesmo. Será? O que as pessoas que usam esse argumento falham em perceber é que como toda obra ficcional (baseada ou não em um período histórico real) todos os elementos ali presentes são frutos de uma escolha pessoal do criador dessa obra. A falta de mulheres relevantes para a história (ou a falta de mulheres em geral na história) na "Trilogia dos Espinhos" foi uma escolha de Mark Lawrence, assim como também foi colocar um garoto que mal atingiu a puberdade como protagonista e o líder de um bando de mercenários. Representar pessoas negras como escravos em "Game of Thrones" foi uma escolha da produção da série, mesmo quando nos livros George Martin claramente descreve muitos desses personagens como sendo brancos de olhos claros. Transformar cenas de sexo consentido em estupro, ou diminuir o papel das mulheres para dar mais força aos homens da série, também foram escolhas muito bem pensadas por parte dos roteiristas e produtores da série, nada está ali por acaso e muito menos para ser fiel ao período histórico no qual foi inspirado, afinal, dragões não existem, elfos não existem e garotos de catorze anos não tomam castelos impenetráveis. Nós somos condicionados a aceitar esses acontecimentos em histórias de Fantasia Medieval pelo bem da trama, mas não a aceitar um negro como um deus nórdico ou uma mulher em papel de destaque, porque isso seria deturpar a "ordem natural das coisas". Evocar a fidelidade histórica em nome dessas escolhas só prova que o público nerd ainda não entende completamente como funciona a criação de um universo fictício, da mesma forma que não entende o que realmente foi a Idade Média. Logo na introdução de seu livro "Idade Média", Umberto Eco nos mostra justamente o que esse período NÃO foi. A Idade Média não foi um período exclusivo da civilização européia, e envolveu pelo menos dois outros continentes; não foi um período de guerras ininterruptas, pois dava tempo de fazer muita arte e música; e não foi sempre misógina.

Mulheres vêm fazendo coisas incríveis e desafiando o status quo de suas épocas desde sempre. Para ficarmos em apenas um exemplo, uma das primeiras auto biografias em língua inglesa foi escrita por uma mulher. Em "The book of Margery Kempe", a autora registrou, entre outras coisas, suas peregrinações a lugares sagrados em pleno século XIV, viagens que muitas vezes ela fez desacompanhada do marido. Nós temos registros de mulheres que desafiaram a autoridade masculina de várias formas, seja liderando exércitos, ou apenas questionando seu papel social. Isso somente para citar acontecimentos do eixo Inglaterra-França, que inspira a maior parte das obras ficcionais que chegam até nós, mas mesmo dentro da Europa a Idade Média foi plural.

Portanto, mesmo que o período medieval tenha inspirado a criação dessas obras, usar apenas homens brancos como protagonistas e relegar às mulheres papéis secundários de vítimas de violência, ou interesse romântico do herói, mostra muito mais uma tendência a agradar o público masculino dos dias de hoje, do que se manter fiel ao retratar o período. Precisamos entender que autores de ficção não são obrigados a ser fiéis à realidade, afinal, quando foi a última vez que você leu sobre a falta de banho e dentes em uma princesa? Ou a morte prematura de um herói devido à sífilis? Tudo é uma questão de escolhas.

Que tal conhecer mais mulheres que desafiaram os costumes de épocas passadas? Visite o site Rejected Princess e se divirta com as histórias ilustradas dessas formidáveis personagens, algumas delas eram até princesas e rainhas de verdade.

Textos voltados para a ação nerd pelo fim da violência contra a mulher:

Sites envolvidos nessa campanha:

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titanis451 — Tue, 29 Nov 2016 13:19:59 +0000

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titanis451 — Tue, 29 Nov 2016 13:22:15 +0000

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titanis451 — Tue, 29 Nov 2016 13:28:01 +0000

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deliriumnerd — Tue, 29 Nov 2016 16:11:53 +0000

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deliriumnerd — Tue, 29 Nov 2016 17:20:12 +0000

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athenabastos — Tue, 29 Nov 2016 18:30:53 +0000

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athenabastos — Tue, 29 Nov 2016 18:31:58 +0000

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athenabastos — Tue, 29 Nov 2016 18:32:49 +0000

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athenabastos — Tue, 29 Nov 2016 18:33:34 +0000

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athenabastos — Tue, 29 Nov 2016 18:36:16 +0000

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athenabastos — Tue, 29 Nov 2016 18:37:11 +0000

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athenabastos — Tue, 29 Nov 2016 18:38:40 +0000

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athenabastos — Tue, 29 Nov 2016 18:40:30 +0000

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athenabastos — Tue, 29 Nov 2016 18:42:20 +0000

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deliriumnerd — Tue, 29 Nov 2016 23:24:16 +0000

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samanthabrasil — Wed, 30 Nov 2016 00:29:34 +0000

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samanthabrasil — Wed, 30 Nov 2016 00:33:17 +0000

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samanthabrasil — Wed, 30 Nov 2016 00:37:22 +0000

[CINEMA] O estupro como arma de roteiro e o Teste Jada

gabsminucelli — Thu, 01 Dec 2016 16:50:52 +0000

Não é de hoje que roteiristas preguiçosos utilizam o estupro como forma de desenvolvimento de roteiro. Se olharmos para a nossa literatura, produções de filmes e séries, conseguimos pensar em diversos casos em que a violência contra a mulher é utilizada para dar alguma motivação à ela ou pior, desenvolver um personagem masculino.

Raras são às vezes que este tipo de situação é utilizada como forma de denúncia, crítica ou para evidenciar de qualquer maneira o quão errada e problemática é a cultura do estupro, e estas cenas (mal) escritas, acabam somando-se à própria cultura defasada.

[caption id="attachment_48169" align="aligncenter" width="500"] cena de "Doce Vingança"[/caption]

Nós sabemos o quão poderosa pode ser uma obra de ficção. Não porque as pessoas vão assistir e sair reproduzindo pura e simplesmente, mas porque conseguimos levantar pontos de debate ou naturalizar problemas que, muitas vezes, não deveriam ser vistos como normais.

A atriz e diretora Jodie Foster, disse em um debate "Mulheres no Cinema" que:

"Uma das coisas que mais me irritava como atriz era ver que, quando os roteiristas homens buscavam uma motivação para a mulher, eles a estupravam."

Os estupros são usados como motivação, redenção, justificativa ou castigo, como em "Verdades Secretas", quando a personagem da Grazi Massafera foi estuprada porque fez coisa errada (que feio!).

Apesar de Game of Thrones ser uma série incrível, os roteiristas são mestres em utilizar o estupro (e o corpo da mulher) da pior forma possível e como objeto de decoração da cena (vide cena na casa do Craster, onde várias mulheres sem nome foram estupradas ao fundo sem acrescentar em nada na história).

[caption id="attachment_48165" align="aligncenter" width="500"] cena de "Game of Thrones"[/caption]

Há formas de retratar o estupro sem ignorar que é um problema ou naturalizar a questão e, principalmente, sem objetificar a mulher. Importante lembrar que não existe sexo com consentimento e sem consentimento. Se não houve consentimento: é estupro.

Como adoramos testes que avaliam roteiro e representatividade, e para complementar a discussão, explicaremos o Teste Jada.

Em uma análise levantada pela Vulture, a autora Jada Yuan adaptou o Teste de Bechdel para analisar a forma que estão retratando os estupros na ficção. Assim como nos casos anteriores, para passar no Teste a obra tem que passar por três critérios:

O estupro ocorre pelo ponto de vista da vítima?
A cena de estupro possui o propósito de desenvolvimento da personagem da vítima em vez da trama da narrativa?
O abalo emocional da vítima é desenvolvido depois?

E como bem disse a Ana Recalde de Collant Sem Decote, seria interessante pensar se "o corpo nu da vítima é mostrado durante a cena como objetivo de sexualização?".

Além destas questões já citadas, temos o problema de percepção. Alguns diretores sequer entenderam que a cena desenvolvida foi de estupro, porque eles eram casados, ou a mulher apenas disse que não, mas não lutou. Vamos repetir um mantra "Não é não" e parar de arrumar desculpas para roteiros preguiçosos? Vamos!

Textos voltados para a ação nerd pelo fim da violência contra a mulher:

Sites envolvidos nessa campanha:

[GAMES] Os games mais esperados de 2017: "Cyberpunk 2077"

natibaseggio — Thu, 01 Dec 2016 03:43:51 +0000

2016 já é quase página virada, e no espírito de novos começos, que chega com a virada do ano, vamos trazer para vocês aqui no site, um apanhado das grandes promessas de games que podem (ou não) chegar às mãos ansiosas dos consumidores em 2017. O primeiro game desta série é nada mais, nada menos que "Cyberpunk 2077".

Devido ao grande sucesso do último game da franquia "Witcher", "Witcher 3 - The Wild Hunt", todos estão prestando atenção no que a modesta desenvolvedora polonesa CD Projekt Red irá apresentar em seguida. A pressão de entregar um produto à altura de seu antecessor certamente é das grandes, e veio de uma maneira até bastante surpreendente. Enquanto alguns esperavam outro game no mesmo estilo medieval, a CD resolveu tomar uma direção totalmente diferente.

http://wpc.4d7d.edgecastcdn.net/004D7D/www/cyberpunk/img/1920x1080_Art.jpg

O game foi apresentado brevemente em 2012, sem muitos detalhes, e ainda não tem data oficial de lançamento. Devido ao longo tempo em que já está em desenvolvimento, as suposições (e esperanças) da internet são de que ele seja lançado ano que vem. O que sabemos até agora é que "Cyberpunk 2077" será um RPG futurista de mundo aberto com pelo menos três vezes o tamanho de "Witcher 3".

Alguns detalhes interessantes referentes à jogabilidade foram anunciados, como a possibilidade de modificação corporal de seu personagem - a essência da cultura cyberpunk, por assim dizer - e a necessidade de se traduzir diálogos dentro do game. Em outras palavras, assim como no mundo real, precisamos aprender outra língua para nos comunicarmos com estrangeiros, o mesmo precisa acontecer no jogo. Tudo facilitado pela tecnologia avançada, é claro. Outra promessa é a possibilidade de pilotar veículos voadores.

[caption id="attachment_48567" align="aligncenter" width="1000"]
Arte conceitual do jogo, por Maciej Kuciara[/caption]

Um dos pontos que mais chamam a atenção na saga do bruxo Gerald são os personagens ricos e bem trabalhados, assim como as histórias envolventes e quests secundárias, que constroem as muitas camadas e que dão a profundidade necessária a qualquer RPG. A maioria delas, porém, se baseiam na série de livros do autor polonês Andrzej Sapkowski. Se a desenvolvedora será capaz de produzir tamanha qualidade de material para o plano de fundo deste universo totalmente novo, ainda é um mistério. Confira abaixo o primeiro - e até agora único - trailer do game:

https://www.youtube.com/watch?v=P99qJGrPNLs

As mulheres em CyberPunk 2077

Como pretendemos abordar nesta série de textos jogos que ainda encontram-se em estágio de desenvolvimento, pouco pode se dizer sobre o resultado final em termos de representação feminina, mas isso não nos impede de especular! Que fique bem claro aqui que estas opiniões se baseiam no que nos foi apresentado até o momento, isso não impede que quando finalmente o jogo for entregue, esta opinião mude.

Primeiras impressões do trailer:

Confesso que fiquei um pouco decepcionada com trailer. O ponto central de toda a ação que vemos acima é na figura de uma mulher. Ela precisava mesmo estar vestida assim? Isso é relevante para sua personagem ou é apenas um chamariz? Como uma fã dos jogos anteriores da CD Projekt Red, não me surpreende nem um pouco esse uso da figura feminina para chamar a atenção do público. Se tem uma coisa que podemos contar é que haverá nudez feminina! Ela vai ser desnecessária? Provavelmente. Haverá pelo menos uma personagem feminina com papel significante e central na trama do jogo? É muito provável que sim. Por enquanto, posso apenas esperar que este mundo futurístico e cheio de possibilidades seja um pouco menos machista do que nos foi apresentado em Witcher 3.

[SÉRIE] “How To Get Away With Murder”: Annalise Keating, a construção da mulher vítima, agente e defensora

athenabastos — Wed, 30 Nov 2016 17:52:36 +0000

Durante os 16 dias de ativismo na luta contra a violência à mulher os blogs envoltos pelo #feminismonerd (confiram os blogs ao fim do post) se propuseram a discutir as problemáticas em torno da representação de mulheres como uma matriz que reitera os discursos de violência e ódio, quanto veículos que visibilizam a discussão. Sabemos que, apenas a exposição e discussões possibilitam o combate direto, a resolução e identificação do problema. Como reitera a escritora e teórica feminista Audre Lorde: "é preciso transformar o silêncio em linguagem e ação".

A personagem escolhida para a abordagem deste post é Annalise Keating, papel de Viola Davis e protagonista da série “How To Get Away With Murder”, produzida pela Shonda Rhymes e transmitida pela ABC. A série de 2014 – que agora está na metade de sua terceira temporada – gira em torno de uma professora de direito penal, Annalise, e de um grupo de alunos que estagiam em seu escritório: Michaela Pratt, Connor Walsh, Asher Millstone, Laurel Castillo e Wes Gibbins. Após o assassinato de uma aluna, as lições apresentadas pela renomada professora não serão importantes apenas para suas notas ou para o futuro profissional deles, mas para a própria liberdade dos alunos.

A cada temporada um novo grande mistério é desenvolvido na trama, envolto por casos menores de alguns capítulos. A maior parte deles trazem grandes dilemas sociais, sobretudo a violência contra a mulher. Ao longo das três temporadas, inúmeros exemplos foram trazidos ao tribunal e abordados também através da história de Annalise, a qual nem sempre pode estar do lado que gostaria de defender. Entre abusos físicos, psicológicos e assassinatos em série, a produção mostrou não temer tocar em feridas abertas e expor os vários cenários desta espécie de violência.

O excelente trabalho de Annalise deve-se, eventualmente, a atitudes não ortodoxas, o que leva muitos personagens a verem seu caráter como antagônico aos preceitos morais. Todavia, em seus discursos e práticas, o que se percebe é uma mulher que teve de lutar por poder e que defende seu poder da maneira que pode, independentemente das feridas que pode causar em uma sociedade dominada por preconceito e hipocrisia.

Annalise não somente é uma mulher, como é negra, de origem pobre e bissexual. Em sua juventude foi abusada por um parente, fato que origina grandes problemas psicológicos no seu presente. Cresceu acreditando na conivência da mãe – que mais tarde revela o extremo a que chegou para defender sua filha – e nas palavras dela de que todas as mulheres sofrem e devem aceitar seu sofrimento. Cresceu com a vontade de lutar contra esta realidade. E, ainda assim, acabou em um casamento abusivo.

Embora forte e aparentemente segura, a Annalise fora dos tribunais apresenta graves problemas de autoestima e acreditava quando seu marido dizia que ela destruía tudo. Antes de se casar com Samuel Keating, um professor branco e renomado que nutria casos com suas alunas, Annalise aceitara sujeitar-se ao papel de amante, na esperança de aquele homem, o “único” capaz de amá-la, a aceitaria em outro papel. Mas os anos mostraram que Sam não era apenas o homem amoroso que se apaixonara perdidamente por ela. Pelo contrário, era um homem que amava mais seus privilégios, que traía e culpava a esposa, que chegava ao extremo de bater nela, com se ela fosse fraca e impotente – algo completamente diverso do que as pessoas viam nos tribunais.

Ninguém no entorno de Annalise foge desta cruel realidade. A protagonista escolhe para estar ao seu lado pessoas que, como ela, conheceram o lado feio de um mundo que prega a justiça. Gays, mulheres negras, mulheres abusadas na infância, mulheres sob o domínio de homens autoritários. Estas pessoas são as selecionadas por Annalise para auxiliá-la em sua batalha cotidiana, demonstrando a aversão da protagonista aos privilégios elitistas.

As práticas e discursos da implacável advogada podem parecer vazios quando confrontados com seus problemas pessoais, os quais envolvem alcoolismo, depressão e problemas em relacionamentos. Todavia, defender uma causa não significa estar imune a ela. Annalise mostra que todos convivemos com a hipocrisia, que todos sofremos alguma espécie de violência. O problema é que alguns grupos sofrem mais do que outros. Alguns grupos são constantemente a vítima do abuso e outros tantos são constantemente os agressores. Alguns possuem a liberdade de agredir, enquanto outros não possuem sequer a liberdade de se defender. E estar exposto à violência não diminui a vítima, mas concede a ela ainda mais motivos para lutar por uma realidade diferente. Annalise não é convencional, não é unânime e tem seus momentos de queda por mãos dos mesmos costumes contra os quais tenta lutar. Porém, são estas quedas que a fazem lutar diariamente por uma justiça diferente daquela imposta por uma elite dominante.

Não se pode falar sobre Annalise Keating sem mencionar a impecável atuação de Viola Davis. A atriz, que constantemente realiza discursos empoderadores em relação às mulheres e aos negros e que já relatou ter sofrido abusos, faz com que esta personagem seja extremamente humana. Viola é capaz de mostrar a fraqueza e a força de Annalise de uma forma única e real, de modo que a torna a grande força motora da série.

“How To Get Away With Murder” tem seus defeitos, como todas as séries. Perde-se em alguns momentos diante tantos mistérios e, muitas vezes, deixa a desejar. Todavia, é uma série que se preocupa em mostrar como o sistema penal está interligado a graves problemas sociais. E a violência contra a mulher, assim como o racismo, é um tema recorrente em seus episódios.

Nestes dias de ação, mas não somente neles, é importante que se veja que as artes (a literatura, o cinema, a televisão, a música, etc.) podem ser utilizadas como instrumentos de incentivo e fortalecimento desta luta, e não somente como meios de reprodução de uma cultura que oprime e machuca. A violência contra a mulher ocorre diariamente e muitos preferem ignorar sua existência. Mas ela existe e precisa ser revelada para ser combatida.

Textos voltados para a ação nerd pelo fim da violência contra a mulher:

Sites envolvidos nessa campanha:

[ENTREVISTA] Sabrina Fidalgo fala sobre cinema, racismo e feminismo

samanthabrasil — Wed, 30 Nov 2016 03:37:59 +0000

O cinema brasileiro, território tradicionalmente dominado por homens, brancos, cis de elite, começa a dar os seus primeiros passos rumo a diversidade e ao reconhecimento daqueles que não fazem parte do padrão estabelecido.

Em junho, o Centro de Artes da Universidade Federal Fluminense, NECINE (Núcleo dos Estudantes de Cinema da UFF) e Departamento de Cinema e Vídeo da UFF junto com o Cineclube Quase Catálogo (capitaneado por Nina Tedesco, docente do curso de fotografia da UFF e Érica Sarmet) homenageou Adélia Sampaio, primeira cineasta negra a dirigir um filme de longa-metragem no Brasil. Dessa vez a homenageada é uma jovem negra carioca, cuja bem sucedida filmografia é permeada por premiados curtas.

O evento Retrospectiva: o Cinema de Sabrina Fidalgo vai exibir cinco dos seis filmes de curta-metragem escritos e dirigidos pela realizadora Sabrina Fidalgo, incluindo a estréia em Niterói de "Rainha", seu último curta recém premiado como melhor filme pelo Júri Popular do Festival Internacional de Curtas do Rio de Janeiro - Curta Cinema e detentor de outros quatro prêmios (melhor atriz, melhor ator coadjuvante, melhor figurino e melhor som) no Festival Ver e Fazer Filmes, de Cataguases, Minas Gerias.

Seus filmes trazem uma narrativa ousada, criativa e empoderada com grande ênfase em questões político-étnico-sociais. O Delirium Nerd conversou com a cineasta sobre a primeira retrospectiva de sua carreira, seus projetos e temas como cinema, racismo e feminismo.

[caption id="attachment_48939" align="aligncenter" width="428"] Foto: arquivo pessoal[/caption]

Delirium - Sabrina, você é uma das poucas realizadoras negras em produção contínua. Como você vê a questão da invisibilidade da mulher e principalmente da invisibilidade da mulher negra no cinema brasileiro?

Sabrina - Eu acho que existe uma tentativa muito grande de apagamento de pessoas que não estão dentro de um perfil específico dentro do status-quo brasileiro. No mundo inteiro o cinema é uma arte que se move em círculos muito fechados, mas no Brasil isso ganha proporções ainda maiores. Aqui os círculos se restringem a grupos que pertencem a mesma classe social, racial e política. Existe um pensamento demagogo muito grande também, porque é preciso concordar com "o grupo", falar sobre as mesmas coisas, ter o mesmo tipo de opiniões, pensamentos e posições políticas. Sem contar que quando esse "círculo" se abre a "corpos estranhos" como mulheres e negras, geralmente isso se dá pelo viés do paternalismo, enxergando nessas figuras "aqueles ou aquelas que tiveram menos chances na vida e que merecem um espaço por eles oferecidos". É a narrativa pós-colonial de sempre, na qual eu nunca me encaixei, até mesmo porque odeio essa generalização do papel do oprimido. Não me sinto oprimida, não sou e jamais serei e sempre me coloquei no lugar de empoderamento intelectual, artístico e social do qual as pessoas aqui não estão muito acostumadas a ver numa mulher negra. Então, por isso, sempre foi muito mais complicado para mim buscar um espaço em meio a essa barreira, que cultua figuras que justifiquem o sucesso através de discursos que cultuam o sofrimento, a pobreza e o isolamento. E como não pertenço a nenhuma espécie de círculo ou grupo do tipo acabo sendo uma outsider do sistema, o que, por um lado é bom, porque tenho liberdade total, mas, por outro, é complicado porque você tem que estar o tempo todo atenta para não ser apagada por esses mesmos círculos que ainda detém, de alguma forma, o poder. E é esse mesmo grupo que também invisibiliza a representação da diversidade no cinema com suas curadorias, programações e escolhas em editais que contemplam sistematicamente narrativas excludentes, por exemplo. Acho que precisamos dar nome aos bois de modo que a situação possa mudar. Não é saudável para a cultura de país nenhum manter paradigmas próximos a um ideal nazi-fascista.

Delirium - Você é uma jovem cineasta e na sua idade é difícil ter um reconhecimento com sua obra em retrospectiva. Como você se sente com essa homenagem?

Sabrina - Para mim foi uma grande surpresa e alegria. Não sou uma veterana, ainda estou num lugar de desenvolvimento de linguagem como artista. Por esse motivo ainda não realizei o meu primeiro longa, porque acho que cinema é uma linguagem que se aprimora por vias do amadurecimento. E sabendo das dificuldades que temos como artistas em projetar nossas obras, para mim, esse reconhecimento é algo muito importante. Recebo com muita alegria esse momento.

Delirium - Você tem uma opinião bem interessante e contundente em relação ao termo "cinema negro" que se diferencia da maioria dos realizadores negros. Fale um pouco sobre isso.

Sabrina - A gente vive em um país altamente racista, cuja cultura e pensamento são baseados no eurocentrismo. É uma sociedade esquizofrênica no sentido de que ela (a sociedade) se enxerga como "branca" quando na verdade não o é, nunca o foi e nem nunca o será. Então me soa muito equivocada essa racialização de um tipo de cinema realizado por pessoas negras em um pais onde 57% da população se autodenomina negra. Para mim o termo é uma forma racista de "engavetar" realizadores que não se encaixam no padrão eurocêntrico estabelecido. Muitas pessoas me dizem: "puxa, mas é importante que nesse momento a gente fale sobre um 'cinema negro' para que possamos seguir". Mas eu acho um equívoco ter que se rebaixar a uma nomenclatura claramente discriminatória, que te separa do todo, somente para ter alguma visibilidade dentro do racismo estrutural. Acho que temos que falar sobre essa leva de realizadores negros que vem surgindo, cada um com suas subjetividades, mas não de um "cinema negro" que nem sequer é uma corrente estética criada por artistas. O que acontece é que existem pessoas como acadêmicos e produtores culturais interessadas nesse termo de modo a se promover ou continuar a manutenção do status-quo.

Delirium - E como você enxerga essa nova leva de mulheres negras realizadoras?

Sabrina - É o caminho natural em um país como o nosso, não tem porque a gente olhar isso com "surpresa" ou algo de outro planeta. Não podemos seguir com uma cinematografia realizada apenas por homens e homens brancos, o público popular quer se ver, quer ver narrativas próximas as suas, mulheres querem se ver, mulheres negras querem se ver, mulheres-trans querem se ver. E, sobretudo, essas pessoas querem ver narrativas de pessoas como elas. E esse público detém poder de consumo, essas pessoas assinam Netflix e podem dar bilheteria. Isso tem muito a ver com as políticas sociais dos últimos 15 anos que abriram as portas do ensino superior para as camadas mais carentes da população e, sobretudo, para a população negra. Essas pessoas tiveram a chance de estudar, de ler, de se informar, e junto a isso, a internet também só veio a agregar assim como o avanço das tecnologias que levaram o fazer cinema para outras paragens para além dos quartos de brinquedos das crianças do Leblon.

Delirium - Seu novo trabalho, "Rainha", acabou de ganhar o prêmio de melhor filme do Júri Popular do Festival Internacional de Curtas do Rio de Janeiro, que é o festival de curtas mais importante do país. O filme aborda questões muito atuais como a imposição de padrões de beleza às mulheres e também sobre o feminismo negro. Fale um pouco sobre o filme.

Sabrina - Eu estava em Belo Horizonte participando do Lumiar - Festival Intercontinental de Cinema Universitário onde fui exibir meu penúltimo curta, "Personal Vivator", e participar de uma mesa sobre mulheres no cinema. Foi uma emoção enorme! O prêmio do publico é o melhor dos prêmios, ainda mais em um festival na minha cidade, ainda mais no Curta Cinema. "Rainha" é um filme sobre sonhos e superação, sobretudo. Quando eu escrevo um roteiro eu não fico pensando em questões políticas, sociais ou raciais, sabe? Essas questões surgem depois do filme pronto, porque são parte das minhas ideias, vivências, observações... E eu sou um corpo político per se, por ser mulher, negra, brasileira e artista. Mas enfim, "Rainha" é um filme sobre tudo isso e conta com a maravilhosa colaboração de pessoas talentosas e queridas como a atriz Ana Flavia Cavalcanti e a diretora de fotografia Julia Zakia, sem as quais tudo teria sido diferente.

Delirium - Você falou que ainda não realizou o seu primeiro longa. Já tem algum em vista? Quais os seus próximos projetos?

Sabrina - Eu estou na fase de desenvolvimento do primeiro longa de ficção e em finalização do "Cidade do Funk", um projeto de longa-documentário, cuja pesquisa começou em 2009 e agora esta em fase de captação final. Tenho projetos para a televisão também e mais uns dois curtas.

Leia também:

[OFERTAS] Geek Fest na Amazon: livros nerds e HQs com desconto progressivo

deliriumnerd — Wed, 30 Nov 2016 19:54:31 +0000

Perdeu a Black Friday? Não se preocupe, a Amazon está promovendo a partir do dia 30 de novembro até dia 06 de dezembro o Geek Fest, um evento promocional que reúne descontos progressivos em livros nerds e HQs, ou seja, tudo o que mais gostamos! Várias obras já estão com preços ótimos na Amazon e com o desconto progressivo, você consegue um desconto maior ainda no carrinho.

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Harry Potter e a Pedra Filosofal - Edição Ilustrada
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samanthabrasil — Thu, 01 Dec 2016 13:40:27 +0000

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[DICAS] Livros de fantasia, terror e ficção científica com descontos de até 69% na Amazon

deliriumnerd — Fri, 02 Dec 2016 03:05:43 +0000

Selecionamos para vocês dicas de alguns livros de fantasia, terror e ficção científica que estão com descontos especiais de até 69% na Amazon. Confira:

Deuses Americanos

História da Sua Vida e Outros Contos

Diário de Uma Escrava

Ed & Lorraine Warren - Demonologistas

Ultra Carnem

Battle Royale

Confissões do Crematório. Lições Para Toda a Vida

O Homem que Caiu na Terra

Star Wars. Alvo em Movimento

Star Wars – Marcas da Guerra

Harry Potter. O Livro dos Artefatos Mágicos

Forrest Gump

As Águas-Vivas não Sabem de Si

Casos de Família. Arquivos Richthofen e Arquivos Nardoni

Livro dos Sith

Doctor Who. Mortalha da Lamentação

O Orfanato da Srta. Peregrine Para Crianças Peculiares

Cidade dos Etéreos – Livro II, Série “O Orfanato da Srta. Peregrine Para Crianças Peculiares”

Biblioteca de Almas – Livro III. Série o Lar da Srta. Peregrine Para Crianças Peculiares

O Hobbit: Edição 75 Anos

Bom Dia, Verônica

Alice Através do Espelho

A Bela e a Adormecida

A Verdade É Uma Caverna nas Montanhas Negras

Jurassic Park

Trilogia Fundação – Caixa

Criaturas Estranhas

Os Pássaros

Contos Peculiares

Neuromancer

O Feiticeiro de Terramar

Grandes Contos

Joyland

O Mágico de Oz – Coleção Clássicos Zahar

O Exorcista + A Nona Configuração – Caixa

Lugar Nenhum

Amityville

Box do Terror. Frankenstein, Drácula e o Médico e o Monstro

As Melhores Histórias de Viagem no Tempo

Evangelho de Sangue

Sob A Redoma

O Silmarillion

Roverandom

O Oceano no Fim do Caminho

Labirinto

O Vilarejo

A Guerra dos Tronos. As Crônicas de Gelo e Fogo – Livro 1

Lobas

Os Senhores dos Dinossauros

O Livro dos Personagens de Harry Potter

Tomb Raider. Os Dez Mil Imortais

Alerta de Risco. Contos e Perturbações

Doctor Who

Contos Inacabados

Mestre Gil de Ham

Misery

Misery (eBook)

Fábrica de Vespas

Harry Potter e a Criança Amaldiçoada

Star Wars – Herdeiro do Império

Star Wars. Um Novo Amanhecer

Contos de fadas: De Perrault, Grimm, Andersen & outros

O Livro das Criaturas de Harry Potter

Pedra no Céu

Caixa Especial Horror – 5 Volumes:

O Iluminado + Doutor Sono – Caixa

O Iluminado

O Iluminado (eBook)

Doutor Sono

Alice – Coleção Clássicos Zahar

Star Wars – Caixa

Trilogia Millennium – Caixa

O Cemitério

O Guia Definitivo do Mochileiro das Galáxias

O Conto da Aia

Coleção Agatha Christie – Caixa 1

Coleção Agatha Christie – Caixa 2

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[LITERATURA]Mulheres escritoras de sci-fi 10: Mary Shelley

carolppsoares — Mon, 30 Nov -0001 00:00:00 +0000

Demorou mas chegou! A saga de indicações de mulheres escritoras de ficção científica foi infelizmente interrompida mas agora, de volta ao site, venho fazer o encerramento com chave de ouro da série de dicas.Claro, ainda existem muitas mulheres que estão aí, escrevendo e produzindo diversas mídias extra-literárias e escreveremos e escrevemos sobre elas por aqui, mas essas dez primeiras são o pontapé inicial pra quem quer adentrar no mundo do sci-fi desenvolvido por elas. Pois nada mais justo que encerrar esta série com a mãe da ficção científica. Isso mesmo, o estilo aclamado, que volta e meia dizem que não é coisa pra mulher é, na verdade, cria literária de uma. [obra] [audiovisual] [clássicos e penny dreadful]

[EVENTO] Debate: Por um cinema negro no feminino

samanthabrasil — Fri, 02 Dec 2016 03:28:15 +0000

Lis Kogan, diretora e curadora da 8ª Semana d_s Realizador_s explica que esta edição foi inspirada na Semana dos Realizadores do ano anterior, refletida pelo debate sobre mulheres realizadoras no audiovisual. Esse debate foi intensificado ao longo deste ano pela experiência de outras curadorias de Festivais com enfoque no cinema independente e experimental, como o CachoeiraDoc na Bahia, o Olhar de Cinema em Curitiba, o Janela Internacional do Recife, além do recorte de mulheres na direção. Para tal, Lis programou uma mesa de debate intitulada Por um cinema negro no feminino que foi realizada no dia 27 de novembro de 2016, durante a 8ª Semana d_s Realizador_s mediado pela pesquisadora doutora Janaína Oliveira, coordenadora do FICINE (Fórum Itinerante de Cinema), ao lado das realizadoras Yasmin Thayná e Adélia Sampaio, que exibiram respectivamente seus filmes Kbela (2015) e Amor Maldito (1984).

Ano passado, a realizadora Yasmin Thayná, que não pôde comparecer à Semana, enviou uma Carta-Manifesto sobre o fato de não haver realizadoras negras exibindo seus filmes naquela edição do Festival. Ressalte-se, neste sentido, que a realizadora não estava fazendo um pedido para que a curadoria dos festivais passassem a observar as fotos da equipe técnica dos filmes antes de analisar o filme em si, mas foi uma chamada para os curadores estarem mais atentos a propostas e abordagens diferenciadas, proporcionadas pela diversidade de realizadora/es de todo o país.

Este ano, em pleno 2016, uma das convidadas da mesa de debate, Adélia Sampaio, primeira mulher negra a realizar um longa-metragem de ficção no Brasil, “Amor Maldito” (1984), passou por um constrangimento de cunho racista, que impediu sua entrada numa aeronave comercial por ter sido barrada pelo detector de metais quando tentava retornar de Porto Alegre para o Rio de Janeiro, cidade onde vive. Adélia possui próteses de metal nos joelhos e este fato foi informado aos operadores do aeroporto que ignoraram a informação e exigiram que a cineasta de 72 anos de idade retirasse toda a sua roupa (inclusive as roupas íntimas) e agachasse para comprovar que não ocultava nada em seu corpo. Trata-se de revista vexatória que não é mais utilizada nem mesmo em presídios no Brasil. Em resposta a este acontecimento terrível, a Semana d_s Realizador_s começou mais uma vez seu debate com o acolhimento à leitura de uma Carta/Moção de Repúdio* ao que aconteceu com Adélia Sampaio no dia 21 de novembro.

[caption id="attachment_49027" align="alignnone" width="960"] Janaína Oliveira lê carta de repúdio ao racismo estrutural[/caption]

As duas Cartas mencionadas foram o gancho para falar do processo de curadoria no cinema negro, com agradecimentos a Amaranta Cesar do CachoeiraDoc, que propôs primeiramente esse encontro, que culminou nesta parceria com a Semana d_s Realizador_s originando esta mesa de debate onde a pesquisadora Janaína Oliveira começou falando da importância de se reunir mulheres com experiência em curadoria e com um pensamento alinhado à dimensão do que é ser mulher e negra, a fim de fomentar consciência de público contra essa invisibilidade que paira sobre realizadoras negras.

Tudo isso, levou a uma conversa ainda mais ampla sobre estereótipos reproduzidos na tela. Mesmo quem nunca passou por qualquer tipo de experiência racista, pode ser sensível a estas questões e à participação das mulheres negras no audiovisual como um todo, uma vez cientes da invisibilidade e de como transformar esse quadro. Este diálogo visa buscar transformações da problemática racial em nossa sociedade e, neste recorte, segundo Janaína, as mulheres negras estariam ainda à margem da margem. Deve-se proporcionar a chance de outras pessoas se verem nas telas, com possibilidades que o cinema hegemônico de padrões eurocêntricos não permite, além de uma formação de público atento a estes deslocamentos de percepção.

[caption id="attachment_49028" align="alignnone" width="960"] Yasmin Thayná, Janaína Oliveira e Adelia Sampaio[/caption]

Janaína passa então a palavra para Yasmin Thayná, realizadora do filme “Kbela” e da plataforma online de filmes realizados e protagonizados por negros, a Afroflix, que também agradece a vivência de mulheres realizadoras e curadorias proporcionadas recentemente por Amaranta Cesar e outras curadoras, e agora por Lis Kogan. Yasmin explica que seu trabalho realizado com “Kbela” tinha a intenção de falar de mulheres negras tendo sido feito por mulheres negras. Ressalta que apesar de toda a repercussão positiva do filme, esta já é sua 7ª produção, e talvez as obras anteriores não tenham ganhado tanta acessibilidade quanto a presente, devido aos poucos espaços dispostos a exibi-los.

Yasmin sempre fez seus trabalhos de forma independente, porém em “Kbela” contou com cerca de 60 pessoas no set de filmagem. O filme foi feito praticamente a custo zero, ainda que cinco mil reais tenham sido coletados pela internet para manutenção básica de alimentação, transporte e outras necessidades sem as quais as filmagens não teriam sido possíveis. Se não bastasse a pouca verba, a equipe ainda foi vítima de um assalto que culminou na perda do 1º material bruto. Yasmin diz que entendeu que às vezes processos como este demoram mesmo, o que acabou lhe proporcionando um maior diálogo com a obra, rendendo-lhe mais conexões e contatos que lhe fizeram refletir. Isto tudo aprofundou a consciência de Yasmin em relação ao trabalho que estava realizando, especialmente após saber sobre pesquisas que diziam que de 2002 a 2012 nenhuma mulher negra havia sido nem roteirista nem diretora dos filmes lançados comercialmente no circuito aberto no Brasil. Números que, contraditoriamente, não refletem a representatividade atestada pelo IBGE, que afirma que a maioria da população brasileira é de pessoas negras e, dentre elas, de mulheres negras.

Yasmin sente seu trabalho atravessado por investigações, cruzando, de certa forma, referências com o trabalho do vanguardista Zózimo Bulbul, pioneiro na identidade negra do audiovisual, referência com seu Alma no olho (1974), sobre performance corporal dentro do cinema como quebra da narrativa tradicional. O filme de Yasmin, porém, vai para além da expressão corporal, pois se passa numa instalação artística, com identidade cultural própria, de tal forma que Yasmin sempre pensou seus filmes como instalações que podem ser transpostas para fora das telas. Como exemplo, ela cita um de seus filmes onde acompanhou seu pai fazendo um quarto na casa da família: "Quais são as relações de afeto a partir de um quarto?" Neste filme, Yasmin filmou um pouco a cada ano por uma década, o que também foi um filme pensado de forma a poder virar uma instalação depois. Desta forma, Yasmin enfatiza que sempre pesquisa, ouve músicas e etc., para consubstanciar de que forma irá "imagetizar" as opressões que se costuma receber na sociedade e que seu trabalho pretende discorrer.

A palavra é passada para a cineasta Adelia Sampaio, primeira realizadora negra de um longa-metragem de ficção no Brasil, que reconhece que apesar de seu filme ser de 1984, a cada dia neste país o tema abordado se mostra mais atual, posto que violento. As motivações para sua filmografia, desde aquela época, já eram ligadas à humanística, e por isso em seu primeiro longa-metragem decidiu acompanhar o julgamento do caso verídico de uma mulher acusada de ter assassinado sua companheira, que na verdade havia se suicidado, apenas por serem homossexuais (apesar de os créditos finais dizerem que qualquer semelhança com a realidade era mera coincidência). Adélia chamou o amigo José Louzeiro pra realizar o roteiro junto com o argumento original que ela havia escrito sobre a violência, que envolvia aquela história no quadro histórico-social (a visão jurídica no Tribunal, na Religião, na esfera doméstica). Apesar de Adelia ter recebido 3 financiamentos pra produzir longas-metragens pela Embrafilme, após o sucesso de seus curtas (lançou curtas exibidos na época com filmes como “E.T.” de Steven Spielberg, “Nosferatu” de Werner Herzog, pois a lei do curta-metragem era embasada pelo percentual do filme estrangeiro que seria exibido junto com o curta), a Embrafilme reduziu o orçamento até chegar ao ponto de vetar por completo o filme alegando que jamais poderia produzir panfletagem à homossexualidade. Foi alegado que pessoas estariam “pregando esta doença" (referindo-se ao relacionamento entre pessoas do mesmo sexo).

Em um elenco hoje em sua maioria falecido, não falar sobre isso seria invisibilizá-los. Maria Leticia, por exemplo, que interpreta a irmã mais nova de uma das protagonistas é também cineasta, e seu trabalho nunca esteve recebendo janelas para poder ser divulgado. E como a Embrafilme havia decidido não mais financiar o projeto, Adelia teve a sorte de encontrar uma mecenas que acreditou no projeto. A Dra. Edi, doutora em uma hidrelétrica de Furnas, conseguiu o financiamento para tornar o filme em realidade, mesmo sendo feito com uma infraestrutura mínima, quase como uma cooperativa. Tanto que Monique Lafond, a atriz principal, aceitou colaborar justamente por causa do custo reduzido, uma vez que era sensível à causa e à história de fundo que deu mote ao filme. Adelia enfatiza que apesar do elenco predominante na época não ser negro, o diretor de fotografia, Paulão (Paulo César Mauro), era negro e tinha experiência em filmar o negro no cinema.

[caption id="attachment_49029" align="aligncenter" width="526"] cena de "Amor maldito"[/caption]

Adelia admite uma sensação de tristeza de não ver essas pessoas que se já faleceram terem seu trabalho finalmente reconhecido, mas ao mesmo tempo se diz feliz em ver que se juntaram ao projeto dela pra realizá-lo e que de certa forma estariam imortalizados, uma vez que o filme vem sendo resgatado e revisto.

A cineasta lembra que naquela época foi muito difícil lançar o filme. A diretora teve que ir pra São Paulo procurar exibidores, onde recebeu indicação do produtor Magalhães que lhe falou sobre a existência de 12 casas exibidoras que talvez se interessassem por seu trabalho. Ele, de fato, gostou muito do filme, mas encontrou um problema. Pediu pra travestir o filme de pornô, pois era o que vendia na época, alegando que filme de arte não vendia. Sugeriu então para driblar esse impasse mercadológico que colocasse a atriz Wilma Dias nua no cartaz, pois a atriz já fazia produções do nicho da pornochanchada na época, e explicou que estava muito difícil lançar o filme sem esse apelo. Wilma falou que, pelo bem do filme e importância do debate necessário que ele trazia, aceitaria aparecer nua no cartaz para que o filme pudesse ser lançado. O crítico Leon Cakoff, na época, em sua crítica, disse que lamentava ver o filme travestido de pornô, e que não tinha nada a ver com o importante tema relacionado na tela, mas foi graças ao texto dele que o filme ganhou vulto e pôde ser exibido no Rio de Janeiro a fim de fomentar o debate do seu conteúdo.

Até hoje Adelia Sampaio manteve o cartaz original de “Amor Maldito” porque naquela época era difícil fazer este tipo de material, mantendo-o, desta forma, como reflexo e marco de um tempo em que fazer cinema no Brasil era bastante difícil. Além disso, Adelia defende a estética utilizada, inclusive as cenas mais sensuais entre as duas protagonistas, pois quando pesquisou o julgamento real, teve acesso a todos os diálogos através de gravações das falas dos advogados do julgamento original. Afirma ainda que quem estava sendo julgada não era ré confesso, nem condenada, mas sim uma mulher completamente comum, porém considerada de alta periculosidade apenas pelo fato de ter se casado com outra mulher. Por conta disso, a personagem sempre aparece nas cenas de Tribunal usando algemas. Adelia conta que após conversar muito com José Louzeiro, corroteirista, acreditava que as angústias da acusada faziam com que buscasse as boas lembranças do que viveu com a pessoa amada, principalmente nas cenas que representavam a espera durante o julgamento, em que a protagonista precisava ficar isolada num cubículo carcerário, tentando buscar boas lembranças em sua memória. Devido a isso, Adelia achava que o filme seria classificado pela censura como exibível somente para maiores de 21 anos, mas acabou sendo classificando para maiores de 18 anos, o que facilitou na distribuição.

Abrindo para perguntas do público, o crítico e professor de cinema, Filippo Pitanga, levanta a questão da necessidade de reconhecimento e estudo do cinema realizado por negros e ainda mais especificamente o recorte das mulheres negras para fins não apenas acadêmicos, como também profissionalizantes no mercado do audiovisual, tema ainda pouco abordado na grade curricular das universidades e cursos de cinema. E, para aproximar a questão da filmografia das realizadoras ali presentes, perguntou também sobre a identidade cinematográfica com o uso da expressão corporal como forma narrativa, que ambas apresentam, Adélia e Yasmin. Mais especificamente aborda o uso de planos detalhes de Adelia, como close nas pernas, pés e mãos como expressão do que as personagens estavam sentindo, uma espécie de consciência do sentimento psicológico do corpo que ia até na contracorrente da objetificação do corpo da mulher no período da pornochanchada. E, no caso de Yasmin, o uso de cores expressivas, da dança e dos cenários como reflexos das emoções da história contada sem precisar de palavras, e da reivindicação de identidade na cor. Finalizou ainda, perguntando como Yasmin pretende passar esta identidade para seu primeiro longa-metragem.

Yasmin começou respondendo que de fato teve a intenção de dar bastante ênfase ao corpo, à direção das atrizes, à memória do corpo e a forma que se apresentam como um elemento de ativação da memória, inclusive através do uso de som e trilha sonora, do que ouvimos no extracampo, como o som do pente quente passando pelos cabelos, da chapinha, do secador, do alisante usado nos cabelos das mulheres negras. Todos arquétipos de muita familiaridade, não só para a diretora, como para as atrizes. Sons que disparam a história que o corpo das mulheres negras vive e do que cada pessoa do elenco já tinha experimentado. Afirma ainda que tudo começou como uma adaptação do conto que a própria Yasmin escreveu, sobre descobrir o que é ser negra através do racismo, pois a pessoa se descobre negra (parafraseando a famosa citação à Simone de Beauvoir, “Ninguém nasce mulher: torna-se.”), e só depois vem a adquirir a percepção para ver que não é um problema ser negra. Todas no elenco se reconheciam nas situações do roteiro, era uma questão coletiva e opressiva, como se descobrir negra nos primeiros anos de vida, não encontrar parceiro para dançar na festa junina do colégio e, neste sentido, segundo Thayná, o cabelo coleta o que reproduz o corpo, te identifica, é identidade. O que a encenação te lembra é o que está na sua memória. Para Yasmin, performance é vida, é um pouco de você.

Sobre seu primeiro longa-metragem, Yasmin diz que é a primeira vez que trabalhou com 60 pessoas na equipe, e estava por isso fazendo dois filmes simultaneamente, o curta “Kbela” e um longa, onde pretendia ter ficado no set fazendo o “Kbela”, e os assistentes de direção seriam codiretores entrevistando quem fez o “Kbela”, pra criar uma espécie de documentário que se comunicava com o curta e as histórias por trás de cada um. Mas acabou desistindo deste plano inicial pra escrever uma narrativa mais clássica, uma história de amor entre duas meninas negras. Porém, Yasmin ainda pretende lançar um site contando toda a pesquisa de realização do “Kbela” e experiências coletadas, disponibilizando online todas essas vivências que lhe foram narradas quando da elaboração do filme, talvez até em um formato de série, dividida em capítulos.

Voltando a falar sobre a importância da parte sonora em seu filme, Yasmin diz que apreendeu muito a partir da própria experiência que ouvia ao circular pela cidade. Morava em Nova Iguaçu, depois Praça Seca em Jacarepaguá, após se mudou para o Campinho e enfim Santa Teresa onde hoje vive. Como trabalha na FGV e estuda na PUC (Gávea), saia de casa muito cedo e voltava apenas muito tarde ficando muito tempo dentro de meios de transporte coletivo o que a motivou a começar a gravar os sons, gritos e coisas até mais violentas que aconteciam neste percurso diário. Foi anotando e escrevendo textos dos sons de agressão, num inventário sonoro do que ouviu e sofreu nesses percursos. Tudo isso acrescentado à inspiração da música de John Coltrane, que também é a trilha do já referido filme “Alma no Olho”, de Zózimo Bulbul, ajudaram na composição da trilha original gravada ao vivo com sax e bateria, trilha feita em 4 horas de gravação. A diretora diz que foi um verdadeiro transe cênico a composição desta trilha. Informa ainda que as bocas que aparecem em “Kbela” foram inspiração em uma peça de Beckett que foi toda encenada apenas com uso de bocas. Foram muitos os detalhes que foram se agregando até chegar ao resultado final do filme. Thayná acrescenta ainda a decisão do montador que fez uma brilhante composição reversa de imagens em uma cena em que aparece a atriz portuguesa Isabel Martins Zua Mutange pintando o rosto de branco e logo em seguida a retirada dessa tinta branca sobre a pele negra, rebobinando a imagem, como forma de resistência, mostrando o processo de “desembranquecimento”, para enfim retornar as suas raízes.

[caption id="attachment_49031" align="alignnone" width="1280"] cena de "Kbela"[/caption]

Já Adelia responde à pergunta original, sobre identidade negra no audiovisual e expressão corporal, falando que a coisa mais gratificante para um realizador é quando alguém na plateia percebe tudo o que o cineasta pensou ao fazer um plano como aquele que mostra os pés e as mãos dos atores ao invés de focar na espetacularização do suicídio em si. Adelia revela que os planos detalhes de seu filme “Amor Maldito” vieram muito do fato dela própria ver a vida através dos pés, mãos e olhos, ainda mais em um filme sobre sexualidade, que é uma coisa muito delicada e que lida com psicológico das pessoas. Para Adelia é necessário lidar com a sexualidade de forma delicada, senão há um “estupro” da cena. A personagem da irmã da Miss é um exemplo da consequência de tudo isso, de tudo o que de pior os pais delas tinham a passar para suas filhas, pois pior que virar Miss, é o fato da irmã mais nova provavelmente acabar em um hospício.

Sobre não haver referência negra acadêmica, nem para os negros, nem para os brancos, que também são privados da diversidade cultural e referencial, Adelia acrescenta que são poucos fotógrafos que realmente sabem iluminar os atores negros, por exemplo. Antigamente havia toda uma técnica, inclusive uma lâmpada importada, mas hoje em dia como não se usa mais película, esse cuidado se perdeu. A facilitação dos meios de produção no audiovisual com o digital acabou por mudar o foco para iluminar a cena e não mais a figura e muita gente nem sabe disso. Adelia, por exemplo, diz que tudo o que aprendeu foi no set de filmagens, com a própria experiência de vida. Sobre a estética em si, de um cinema negro, ela cita como exemplo uma cena em que o cineasta Cacá Diegues foi muito criticado por Zezé Motta, por ela ter sido fotografada nua no filme “Xica da Silva”, numa cena sobre o discurso da escrava abusada que, apesar de ser uma bela cena, tem de se debater cuidadosamente como ela vai ser feita, em um diálogo bem grande com a atriz antes de começar a filmar, a fim de se decidir qual foco vai ser dado, para não parecer abusiva ou mal interpretada a sua exposição.

Yasmin, por outro lado, também realça que não fez universidade de Cinema, e sim jornalismo, mas se inseriu nos meios acadêmicos de cinema como ouvinte nas aulas de professores como Cezar Migliorin da UFF, aulas na Escola de Comunicação da UFRJ, a fim de pensar os sentidos da imagem, a semiótica. Além disso ingressou na Escola Livre de Cinema de Nova Iguaçu, para entender a imagem e ter referências, principalmente pelo fato do corpo docente e discente ser, em sua maioria, de pessoas negras. Apesar de, infelizmente, a Escola Livre de Cinema de Nova Iguaçu atualmente estar fechada por falta de verba, Yasmin a considera como a sua principal referência, pois esta foi a única escola em que entrou porque realmente quis, e não pra escapar de outros problemas sociais, pois nela viu a possibilidade de ser alguma coisa. Se não fossem lugares alternativos como estes proporcionados pela Semana dos Realizadores, contribuições notáveis como a de Zózimo Bulbul e da própria Adelia Sampaio, não seriam nem mesmo citadas. Ruth de Souza, por exemplo, também sequer é mencionada academicamente na história de Televisão Brasileira como primeira protagonista negra do país.

Como resposta positiva, Yasmin cita a criação do Coletivo Nuvem Negra e parcerias com alguns departamentos dentro da própria PUC. Aliás, a contrario sensu do que algumas correntes afirmam, Yasmin não acredita na desculpa de que a mistura cultural nas artes seja a solução ou que transforme o país numa mistura mais democrática, a falsa ideia do mito da democracia racial tão propalada. Segundo ela, o que se deve fazer é entender como se compõe essa mistura. Entender quem somos e de onde viemos. Como fazer uma troca entre todas estas identidades. Criar redes como a Afroflix, por exemplo, é uma das muitas formas de resistência. Mas, afirma que para isso é necessário atravessar o túnel Rebouças e ir pra Baixada Fluminense, conhecer os outros lados da cidade e da própria história. Pensar quem está fazendo o filme, nas escolhas técnicas e estéticas de quem está atrás e na frente das câmeras.

Janaína Oliveira aproveita e pede para acrescentar que a reflexão sobre a parte acadêmica em questão, é sim necessária, mas também preocupante. A própria Janaína fez todas as etapas acadêmicas existentes, mas afirma que elas continuam funcionando dentro de “caixinhas” pré-estabelecidas. Quanto ao cinema, diz que há um desconhecimento muito grande, pois ele ainda é eurocêntrico; todos os currículos de escola ainda o são, e não existe uma disciplina, por exemplo, só de cinema africano sendo ensinado nas escolas de cinema. Alega que quando um aluno quer estudar temas fora do status quo estabelecido, os professores, geralmente, desqualificam o estudo. E apesar de Janaína ser formada em História, e ter estudado cinema posteriormente a isso, sabe que ganha-se outra dimensão vendo filmes estes filmes. Diz que quando você chega para alguém e pergunta se a pessoa já viu determinado filme, porque ele exemplifica um estudo ou uma diversidade que a pessoa deveria conhecer, não é necessariamente com o intuito de constranger a pessoa, mas ao mesmo tempo acaba sendo, porque gera desconforto e o desconforto gera a necessidade de procurar o desconhecido. É importante estar atento não só ao diálogo que está na tela e seus estereótipos, mas, principalmente, o que está fora da tela.

Adélia arremata afirmando que sente que precisou ser uma mulher abusada, ousada, especialmente quando olha para trás e vê o reconhecimento tardio de sua obra por ter sido a primeira mulher negra a dirigir um filme no Brasil, pois desde que viu filmes no cinema quando criança e pensou que era aquilo que queria fazer da vida, entrou no meio dizendo para si mesma que ia se debruçar nesta janela e que iria chegar lá, fazer o seu cinema e deixar seu recado. Sente que deixou mensagens cifradas de avó para neto, assim como antigamente deixava para os filhos também, e esta é uma comunicação que só o cinema poderia ter lhe proporcionado. Todo esse resgate e trabalho de desinvibilização só foi possível porque somente na década de 2010 uma pesquisadora da UNB veio a descobrir que Adelia havia sido a primeira mulher negra a dirigir um longa metragem de ficção no país, quando numa projeção de filmes no subúrbio os curadores queriam chamar a primeira cineasta negra pra debater filmes da periferia, e desta pesquisa chegaram a ela e ao reconhecimento do fato que nem a própria Adélia tinha conhecimento. Aos 13 anos, Adelia disse pra si mesma que faria cinema. Preta, pobre e filha de empregada doméstica, teria que ser louca, mas ao invés disso, conseguiu virar cineasta.

Yasmin encerra o debate agradecendo a tantos aliados que contribuíram com esta nova geração de reconhecimento e inclusão, como negros precursores como Adélia e Zózimo, o Governo Lula, a Escola livre de cinema de Nova Iguaçu, produtoras como a Filmes de Plástico e Preta Portê Filmes com foco em realizadores negros, Editais afirmativos voltados para este reconhecimento, movimentos como o Curta Afirmativo, e todo um momento pra (re)construir narrativas.

Um momento que nem é pra se ter muitas certezas, mas sim para pensar, refletir. Um momento em que foi criada a Associação dxs Profissionais do Audiovisual Negro (APAN), para perpetuar o território para as próximas gerações e um esforço para que tudo isso não acabe com este governo. E mesmo que ainda haja bem mais homens em um meio que precisa das mulheres e sua visão criativa, a verdade é que precisamos ocupar espaços que não são ocupados por negros, não só ocupar como criar novos espaços.

* CARTA ABERTA AO RACISMO ESTRUTURAL OU REFLEXÕES SOBRE ADELIA SAMPAIO EM PORTO ALEGRE:

"Na manhã de segunda-feira (21/11/16) falávamos com Adelia Sampaio sobre sonhos. Adelia, a primeira cineasta negra a dirigir um longa-metragem no Brasil, nos lembrou a graça de sonhar, fez piadas com isso e nos instigou. Estávamos em um carro rumo ao aeroporto. Ela voltaria pra casa ainda naquela manhã. Infelizmente, a realidade de uma mulher negra brasileira ainda é muito distante da sonhada. Adelia Sampaio foi impedida de voltar pra casa como planejado.

Ela retornaria ao Rio de Janeiro em um vôo no aeroporto Salgado Filho, às 10h39. Nos despedimos às 10:00 na entrada da sala de embarque, ainda digerindo o encontro potente e inspirador que aconteceu na noite anterior. Mas logo após, em torno de 11h, recebemos uma mensagem de Adelia dizendo não ter embarcado pois se recusou a tirar a calcinha em uma revista vexatória e, que naquele momento, estava na Delegacia de Polícia para o Turista (DPTUR), sem passagem para retornar a cidade onde reside.

Nossa primeira reação foi de profunda perplexidade. Aos 72 anos, Adelia tem próteses nos dois joelhos e 17 pinos na coluna. Há anos viajando, nunca havia enfrentado problemas para embarcar, tanto no Brasil, quanto no Exterior, visto que avisa com antecedência sua condição para os funcionários do equipamento detector de metais. Dessa vez, porém, foi levada a uma sala fechada por uma Agente de Proteção da Aviação Civil (Apac), que a obrigou a tirar a roupa e agachar-se.

Ironicamente, Adelia veio a Porto Alegre receber uma homenagem. Convidada e acolhida por mulheres negras para segunda edição do cineclube que leva seu nome, exibiu seu icônico filme, Amor Maldito, de 1984. O evento ocorreu no dia 20 de novembro (Dia da Consciência Negra), na Cinemateca Capitolio, data extremamente significativa para nós, que carregamos em nossos corpos a cor da resistência e da luta pela igualdade racial.

Escrevemos este manifesto ainda violentamente atingidas. Sequer nos foi dado o direito de guardarmos na memória esse encontro com a primeira mulher negra a fazer um longa-metragem no Brasil, sem que esse evento fosse atravessado pelo racismo.

Passamos hoje por um processo de resgate, de tentativa de enegrecimento de nossas memórias, de retomada. O Cineclube Adelia Sampaio surgiu desse momento. Era urgente, para nós do Coletivo Criadoras Negras, enegrecer a memória e a história do nosso cinema, trazer e homenagear trabalhos de mulheres negras que fazem audiovisual, para dar visibilidade a nossa narrativa. No meio desse processo mais uma vez fomos barradas e obrigadas a revisitar um lugar de dor.

Nossos desejos se chocam frequentemente com essa barreira, com o preconceito. Como se não nos fosse permitido o direito ao sonho. Mas como seguir sem sonhar? Para quê?

Reencontramos Adelia Sampaio mais uma vez pela manhã. Voltamos imediatamente ao aeroporto depois de seu contato, acompanhadas dessa vez de nossa advogada Luana Pereira. Encontramos a cineasta sozinha em frente a Polícia Federal, sem nenhuma assistência, nem da companhia LATAM Airlines, nem da Infraero. Ficamos quase 5 horas com ela tentando garantir seu bem-estar e contatando a imprensa. Foi preciso resistência psicológica e física, projeção midiática e o engajamento de duas advogadas para Adelia retornar sem custos adicionais para casa. Ela tinha os olhos marejados, estava abatida mas seguia forte… ainda conseguiu nos falar novamente de sonho. Rimos!

A felicidade de uma mulher negra, apesar de todas as barreiras colocadas pela nossa sociedade, é uma das maiores possibilidades de transgressão e transformação do status quo. Somos 49 milhões de mulheres negras, isto é 25% da população brasileira, e ainda vivenciamos a face mais perversa do racismo e sexismo. É necessário hoje, mais que nunca, construir uma rede de apoio que permita a partilha e o afeto para nós e conosco.

Enquanto coletivo, queremos manifestar nossa solidariedade e apoio a Adelia, que merece ser tratada com dignidade e respeito em qualquer lugar que frequente. Reiteramos que o ocorrido no aeroporto ontem foi um ato agressivo, fruto do racismo estrutural de nossa sociedade. Racismo esse que faz com que se ache suspeito uma mulher negra pegar avião, que faz com que se ache natural uma mulher negra ser submetida a uma revista inconstitucional (proibida atualmente até mesmo dentro de presídios), onde se ache regular pedir para ela abrir as pernas como se abre um objeto, uma mala… e a vasculhar por dentro.

Sim, uma mulher negra ainda é vista como objeto e se reclamar desta condição pode ser acusada de desacato, como aconteceu com nossa renomada cineasta.

É importante dizer que o que vivenciamos ontem é apenas mais um exemplo dos milhares de relatos diários sem nomes e sem rostos. Adelia tem o privilégio de ser uma artista reconhecida e de ter sido pauta para a imprensa, mas incontáveis outras negras - como nós - passam por constrangimentos e agressões preconceituosas no anonimato. Por elas lutamos, por elas seguimos, com elas sonhamos. Nós por nós. Seguimos!"

Escrevem a carta: Criadoras Negras RS (22/novembro/2016)

Subscrevem esta Carta:

Mulheres do Audiovisual Brasil (grupo no Facebook com 9305 integrantes)
Mulheres Negras no Audiovisual Brasil (grupo no Facebook com 304 integrantes)
MAPE – Mulheres no Audiovisual de Pernambuco
Cineclube Delas
Elviras – Coletivo de Mulheres Críticas de Cinema
FEMINA – Festival Internacional de Cinema Feminino
FICINE - Fórum Itinerante de Cinema Negro
Coletivo Tela Preta
APAN – Associação dxs Profissionais do Audiovisual Negro

frank6

carolppsoares — Thu, 01 Dec 2016 20:08:46 +0000

frankenstein

carolppsoares — Thu, 01 Dec 2016 20:08:48 +0000

frankenstein-its-alive

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[DICAS] Quadrinhos e mangás com até 67% de desconto na Amazon

deliriumnerd — Sat, 03 Dec 2016 00:17:04 +0000

Selecionamos pra vocês uma lista com dicas de alguns quadrinhos e mangás nacionais e importados que estão com descontos especiais na Amazon. Confira:

Mangás

The Ghost in the Shell

Os Cavaleiros do Zodíaco. Saintia Shô – Volume 1

Nijigahara

Coleção Chobits – Volume 1 a 8

Os Cavaleiros do Zodíaco. Kanzenban

Coleção Sailor Moon – Caixa com Volumes 1 a 12

Coleção Orange – Volume 1 a 5

Resenha aqui.

Fullmetal Alchemist – Volume 1

Fullmetal Alchemist – Volume 2

Fullmetal Alchemist – Volume 3

Fullmetal Alchemist 4

Fullmetal Alchemist - Volume 5

The Wedding Eve

O Jardim das Palavras

Coleção Death Note – Volume 1 a 6

Coleção Guerreiras Magicas – Caixa com Volumes 1 a 6

Já falamos sobre aqui.

O Outro Cão que Guarda as Estrelas

Resenha aqui.

Helter Skelter

Quadrinhos nacionais e importados

Lumberjanes. Cuidado com o Sagrado Gatinho

Elektra Assassina

Gaviã Arqueira. Vingadora da Costa Oeste

Mulher Maravilha. Direito de Nascença

Morte – Edição Definitiva

Edição Definitiva Sandman – Volume 1

Sandman: Prelúdio - Volume 3

Batman. Terra Um - Volume 2

Dora

Resenha aqui.

Preacher – A Caminho do Texas – Volume 1

Guardiões da Galáxia. Vingadores Cósmicos

Graphic MSP Mônica. Força

Graphic MSP. Bidu. Juntos

Repeteco

Dossiê Negro. A Liga Extraordinária

Frankenstein. Entre o Céu e o Inferno

Sandman Apresenta – Destino

The Sandman: Overture Deluxe Edition

Ghost World

This One Summer

Nimona

Resenha aqui.

Desconstruindo Una

Liga da Justiça. O Trono da Atlântida

Aquaman. Os Outros

Jane, a Raposa e Eu

Saga – Volume 1

Já falamos sobre aqui.

Saga – Volume 2

Já falamos sobre aqui.

Saga - Volume 3

The Wicked + The Divine

Uma Noite em L’ Enfer

The Little Book of Wonder Woman

The Answer

Doutor Estranho. Shamballa

Doutor Estranho. O Juramento - Volume 1

O Despertar de Cthulhu em Quadrinhos

O Legado de Júpiter

Pogando

A Última Tentação

Batman. A Morte da Família

Lizzie Bordello e as Piratas do Espaço

Lizzie Bordello e as Piratas do Espaço – Volume 2

A Liga Extraordinária. Século-Integral

Os Pequenos Perpétuos a Festa de Delirium

January Jones: Corrida contra a Morte

Paper Girls, Volume 1 (Kindle)

Paper Girls, Volume 1 (impresso)

Resenha aqui.

Carolina

Ms. Marvel – Volume 2

Já falamos sobre aqui.

Y – O Último Homem

Já falamos sobre aqui.

Y. O Último Homem – Volume 2

Já falamos sobre aqui.

As Aventuras de Wonder Woman na Super Hero High

Gavião Arqueiro. Pequenos Acertos

Você É Um Babaca, Bernardo

Xampu - Volume 1

Rat Queens – Volume 1

Já falamos sobre aqui.

Bulldogma

Aya De Yopougon – Volume 1

Resenha aqui.

Aya De Yopougon – Volume 2

Resenha aqui.

Criminosos do Sexo – Vol. 1

Criminosos do Sexo. Dois Mundos, Uma Polícia – Volume 2

X-men. A Saga da Fênix Negra

Soppy

Hora de Aventura – Volume 2

Hora de Aventura – Volume 3

Batman – Ano Um

Batman. Faces da Morte

Habibi

Crise Final

Demolidor – Revelado – Volume 1

Mafalda – 10 Anos com Mafalda

Scott Pilgrim – Contra O Mundo – Box

Frankenstein

Entre Umas e Outras

Resenha aqui.

Uma Morte Horrível

Resenha aqui.

Peter Pan – Volume 1

Peter Pan – Volume 2

Príncipe Valente. Nos Tempos do Rei Arthur

Guerra Civil

O Quinto Beatle

Hora de Aventura – Marceline: 1

Os Novos Vingadores. A Busca Pelo Mago Supremo

Contos de Natal

Bear – Volume – 1

Resenha aqui.

Bear – Volume – 2

Resenha aqui.

Bear – Volume 3

Resenha aqui.

O Mundo de Aisha

Resenha aqui.

Bordados

Os Supremos – Vol. 1

Os Supremos – Volume 2

Os Supremos. Vol. 3

Nova York

Louco – Fuga

João & Maria

Coraline (graphic novel)

Laços

Batman – A Piada Mortal

Coringa

Gavião Arqueiro – Vol. 1

Do Inferno

Pílulas Azuis

Resenha aqui.

Mate Minha Mãe

Já falamos sobre aqui.

Orgulho e Preconceito

Resenha aqui.

Azul é a Cor Mais Quente

A Princesinha de Vader

Na Vida Real

Resenha aqui.

O Fantasma de Anya

O Escultor

Peanuts Completo. 1950 a 1954

Peanuts Completo 1955 a 1958

Peanuts Completo: 1959 a 1962

Peanuts Completo. 1963-1964 – Volume 7

O Muro

A Gigantesca Barba do Mal

Promethea Edição Definitiva Vol. 1

Já falamos sobre aqui.

Olympe de Gouges

Resenha aqui.

Persépolis Completo

Já falamos sobre aqui.

Lições

Lanterna Verde - Hal Jordan

A Princesinha de Vader

Darth Vader e Filho

Boa Noite, Darth Vader

Star Wars – Academia Jedi

V de Vingança

Maus

Batman – O Cavaleiro das Trevas

Demolidor

Demolidor. O Rei da Cozinha do Inferno

Demolidor por Frank Miller & Klaus Janson – Volume 3

Quando Tudo Começou

Resenha aqui.

O Mundo de Dentro

Batman – Vitória Sombria

Kiki De Montparnasse

Placas Tectônicas

Resenha aqui.

HQ's Crônicas de Gelo e Fogo - Caixa

Outras ofertas da Amazon

Saldão Natal Literário: até 80% de desconto em HQs e livros

Livros de J. R. R. Tolkien com até 50% de desconto

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Universo Harry Potter

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Links úteis da Amazon

Ofertas do dia – Loja Ebooks – Fantasia, Horror e Ficção Científica – Loja Neil Gaiman

Mulheres Autoras – Loja Darkside – Loja Marvel – Loja Star Wars – Loja Alan Moore

Nova Literatura Brasileira – Literatura Jovem – Loja de Quadrinhos

Loja J. R. R. Tolkien – Loja Neil Gaiman – Loja Stephen King

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[LIVROS] "Millennium": Lisbeth Salander e a violência de gênero institucionalizada

leticiagraton — Sat, 03 Dec 2016 04:17:39 +0000

Escrita pelo sueco Stieg Larsson, a série Millennium teve seu primeiro livro: “Os homens que não amavam as mulheres” lançado em 2005. O segundo e o terceiro livros foram lançados respectivamente em 2006 e 2007, já o quarto, escrito por David Lagercrantz após a morte prematura de Larsson, foi lançado em 2015.

A série, que também foi adaptada para o cinema sueco e americano, começa acompanhando a história do jornalista Mikael Blomkvist que investiga um possível assassinato, mas logo se torna muito mais complexa quando a história de Mikael se cruza com a de Lisbeth Salander. E, assim nós passamos a conhecer uma heroína diferente de quase tudo que já havíamos visto antes.

(CONTÉM SPOILERS)

*AVISO DE GATILHO: ESTUPRO*

Já falamos aqui no blog sobre Lisbeth, e sobre como a sua história ao longo da trilogia representa tipos diferentes de abusos sofridos por nós mulheres. Lisbeth é uma hacker super inteligente, que leva uma vida reclusa e possui problemas para se relacionar com os outros. Considerada um sociopata que precisa de tutela pelo Estado, ela não confia em instituições e em quase ninguém, agindo sempre sozinha e fazendo o que poderia ser chamado de “justiça com as próprias mãos”. Entretanto, o que parece uma atitude radical a princípio, logo se explica como a reação de uma mulher que foi vítima do sistema a vida toda.

Ao longo dos 3 primeiros livros da série é possível notar que a história de Lisbeth não é apenas marcada por violência masculina, mas também por um descaso do governo e da autoridade. Afinal, seu pai era um espião protegido pelo governo sueco que podia participar de esquemas de tráfico de mulheres e bater diariamente na esposa quando chegava em casa, tudo sem sofrer consequência nenhuma.

Dessa forma, diferente da maior parte das representações de estupro e abusos na cultura pop que são praticadas por "vilões maus" (alguém lembra do Ramsay de "Game of Thrones"?) ou por "mocinhos", quando o roteiro não reconhece a prática do estupro (estilo Jaime Lannister), em Millennium, o abuso sexual é uma violência sistemática e institucional, praticado por diferentes tipos de homens. Não existe um motivo específico para o tutor de Lisbeth estuprar ela no primeiro livro, ou para seu pai bater todos os dias em sua mãe, eles fazem isso simplesmente porque assim como qualquer homem na nossa sociedade, eles podem.

Além disso, as cenas de violência sexual não são usadas como armas de roteiro e também não são jogadas no meio da história como algo gratuito, elas existem com o propósito de representar uma sociedade que, assim como indica o título, é composta por homens que odeiam mulheres. Isso fica muito claro quando Lisbeth descreve Martin Vanger, o culpado pelo assassinato que Mikael investigava:

“…ele estuprava e matava e gostava disso. Teve as mesmas chances que nós. Escolhemos o que queremos ser. Ele não era uma vítima, era um desgraçado que odiava as mulheres”.

Lisbeth é portanto uma heroína diferente, pois além de ser vítima da violência, ela também resiste além das autoridades. Ela não se preocupa em ser um modelo a ser seguido, e não quer créditos quando salva vidas. Sua ética pode sim ser questionada, mas nunca a sua racionalidade ou inteligência. Em um mundo repleto de homens que odeiam mulheres, Lisbeth Salander surge como a heroína justiceira que todas nós em algum momento já sonhamos em ser.

Textos voltados para a ação nerd pelo fim da violência contra a mulher:

Sites envolvidos nessa campanha:

[EVENTO] CCXP: Primeiras impressões

rafaelabn — Sat, 03 Dec 2016 04:01:31 +0000

[caption id="attachment_49250" align="aligncenter" width="5184"] Estande da Turma da Mônica na CCXP (Foto por Rafaela Bitencourt)[/caption]

Começou na quinta-feira (01) a terceira edição da Comic Con Experience em São Paulo, que termina no próximo domingo (04). Terceiro ano e o evento só vem crescendo, estandes de várias empresas, desde editoras, estúdios de cinema, lojas de produtos geek, lojas de livros e histórias em quadrinhos.

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O Artists' Alley desse ano está enorme e isso é incrível! Significa que mais artistas vem ganhando espaço para apresentar sua arte para quem ainda não conhece, e para que os fãs de seus trabalhos possam comprar e ver pessoalmente os artistas, pedir autógrafo, tirar fotos.

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Dentro do evento a organização está bem melhor, mesmo estando ainda maior do que os anos anteriores.

Os preços em muitos lugares estavam favoráveis, como em todos os anos a Panini tinha boas promoções e a Comix também.

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Com o aumento da quantidade de atrações comparado com anos anteriores, é preciso pensar em ir em dois dias ao evento: um pra compras e outro para aproveitar o evento em si (já estou pensando nisso para o ano que vem, rs).

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Mas nem só de coisas boas vive a CCXP...

Vou dividir uma situação particular que vivi assim que cheguei ao local do evento:

Comprei o ingresso no meio de novembro, como é um período já próximo da data do evento não entregam mais em casa a credencial, por isso tem que retirar no local. Você pode fazer isso uns dias antes ou no dia do evento mesmo. No ano passado retirei no dia, e não demorei nem 5 minutos pra pegar minha credencial, porque também fui durante a semana.

Esse ano vi uma fila enorme, entrei e vi que ia esperar bastante, só não imaginei que a demora seria tão grande. Fiquei cerca de 1 hora aguardando. A fila era dividida por grades e começou a andar mesmo quando bateu cerca de 50 minutos. Foram 6 ou 7 fileiras de grades passadas nesse período, caminhamos até a área onde depositam os livros para doação e entramos na área do São Paulo Expo, porque estávamos na parte de baixo do estacionamento. Ali fomos informados que iríamos entrar sem credencial mesmo, ou seja, dava pra alguém que nem pagou o ingresso entrar normalmente. Faltou organização, já que eles sabem a quantidade de pessoas que ainda não retiraram a credencial, então dava pra se programar e organizar tudo isso da melhor forma possível, o que não aconteceu.

A Panini precisa começar a pensar em uma área maior de caixas para efetuar o pagamento. O local ainda é pequeno e sempre tem bastante gente, por ser onde tem os maiores descontos em histórias em quadrinho, então sempre tem fila pra entrar e fila pra pagar no caixa.

[caption id="attachment_49286" align="aligncenter" width="472"] BMO no estande da Panini (Foto por Rafaela Bitencourt)[/caption]

Os preços na praça de alimentação ainda são salgados, muitos optam por levar por conta pra não ter que depender somente dos restaurantes no local.

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Mas no geral, o evento está cada vez melhor. Fiquei feliz de ter mais estandes variados, já que ano passado tinha muita coisa voltada para Star Wars e isso gerou algumas reclamações, porque acabava sendo um tanto quanto repetitivo. Eu sou fã de Star Wars, mas nem por isso vou para a CCXP pra ver apenas sobre isso. Foi uma experiência muito bacana e acredito que os outros três dias serão ainda melhores.

[caption id="attachment_49282" align="aligncenter" width="257"] Jake e Finn na CCXP (Foto por Rafaela Bitencourt)[/caption]

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[CINEMA] 100 melhores filmes dirigidos por mulheres no século XXI (parte 2)

samanthabrasil — Mon, 05 Dec 2016 16:12:20 +0000

O Cineclube Delas inspirado por inúmeras listas (como a da télérama) que são divulgadas a fim de elencar os melhores filmes da História do Cinema, listas estas em que figuram pouquíssimos filmes realizados por mulheres, fez, em contraponto, uma lista dos 100 MELHORES FILMES DIRIGIDOS POR MULHERES NO SÉCULO XXI. Para compor a lista as curadoras Camila Vieira e Samantha Brasil elegeram apenas filmes lançados após os anos 2000 e optaram em selecionar apenas um filme por cineasta.

A primeira parte da lista você poderá visualizar aqui.

51) Tempestade de areia (2016) de Elite Zexer

Durante uma festa de casamento em uma vila de beduínos em Israel, Jalila se vê na embaraçosa posição de ser anfitriã da união do marido com uma segunda mulher muito mais jovem. Durante a celebração, ela descobre o envolvimento da filha mais velha, Layla, com um garoto da universidade - uma relação proibida, que envergonharia a família. Jalila tenta conter a situação, reprimindo a garota, mas Layla quer uma vida diferente para si.

52) Monster - Desejo Assassino (2003) de Patty Jenkins

Vítima de abusos durante a infância, Aileen Wuornos tornou-se prostituta ainda na adolescência. Ela está prestes a acabar com a própria vida quando conhece Selby, uma jovem lésbica com quem acaba se envolvendo. Certa noite, depois de ser agredida por um cliente, Aileen acaba matando o sujeito. O incidente desencadeia uma série de outros assassinatos, que faz com que ela fique conhecida como sendo a primeira serial killer dos Estados Unidos.

53) Lobo e ovelha (2016) de Shahrbanoo Sadat

Na zona rural do Afeganistão, o pastoreio é feito por crianças, que dominam as montanhas e, apesar de não haver adultos por perto, conhecem todas as regras. Sabem, por exemplo, que meninos e meninas não podem ficar juntos. Enquanto os garotos praticam com estilingues para acertar lobos, as garotas fumam escondidas e brincam de casamento, sonhando em encontrar o quanto antes um marido. O grupo de crianças acredita que Sediqa, de 11 anos, seja amaldiçoada. Qodrat, da mesma idade, também se torna motivo de boatos quando sua mãe se casa novamente com um homem velho, que já tem duas esposas. Qodrat vaga sozinho nas partes mais isoladas das montanhas, onde conhece Sediqa, e os dois se tornam amigos.

54) Na escuridão (2011) de Agnieszka Holland

Leopold Socha, um trabalhador de esgoto e ladrão em Lvov, cidade ocupada pelos nazistas na Polônia, um dia encontra um grupo de judeus que tentavam escapar da exterminação do gueto. Ele os esconde por dinheiro no labirinto de esgotos da cidade. O que começa como um acordo direto e cínico se transforma em algo muito inesperado. A improvável aliança entre Socha e os judeus se torna uma relação que se infiltra mais profundamente na consciência de Socha. O filme é também uma extraordinária história de sobrevivência de como estes homens, mulheres e crianças tentaram enganar a morte certa durante 14 meses de perigo cada vez mais intenso.

55) Uma vida em segredo (2001) de Suzana Amaral

Após a morte de seu pai, a jovem Biela, de 17 anos, passa a morar com Conrado, seu primo, que a leva para viver junto com sua família em uma pequena cidade. Constança, esposa de Conrado, busca adaptar Biela a uma vida social de acordo com as posses da família e para tanto encomenda vestidos ricos e a ensina a se portar como uma jovem educada e rica. Entretanto, Biela apenas se sente bem ao lado dos empregados da fazenda onde mora, com quem passa a conviver após uma grande desilusão amorosa.

56) El ultimo verano de la Boyita (2009) de Julia Solomonoff

Década de 1980, uma garota começa a descobrir seu próprio corpo e o dos outros. O filme mostra como nem tudo se resume a XX ou XY.

57) Pariah (2011) de Dee Rees

Alike é uma garota de 17 anos de baixa autoestima que vive no Brooklyn, em conflito com sua identidade sexual. Ela tem que esconder sua homossexualidade de sua família por medo de ser um fracasso como filha, enquanto sua incapacidade de se assumir entre seus amigos gays faz dela uma decepção igual a eles. Como ela esta mais perto de aceitar a sua identidade, sua vida se torna cada vez mais caótica e assim ela terá que enfrentar suas próprias verdades e se defender por conta própria.

58) Era o Hotel Cambridge (2016) de Eliane Caffé

Uma criação coletiva entre o MSTC (Movimento Sem Teto do Centro), o GRIST (Grupo Refugiados e Imigrantes Sem Teto) e a Escola da Cidade, o filme narra a trajetória de um grupo de refugiados que divide com os sem-teto uma ocupação no centro de São Paulo. Na tensão diária pela ameaça de despejo, revelam-se pequenos dramas, alegrias e diferentes visões de mundo dos ocupantes.

59) A Escola de Babel (2013) de Julie Bertuccelli

Quando um grupo de imigrantes chega à França buscando recomeçar, seus filhos precisam se adaptar à nova vida. Eles não falam francês e por isso passam a estudar em uma classe iniciante para aprender a língua. Nas aulas esses jovens com idades entre 11 e 15 anos conversam sobre as relações com suas famílias e sobre o futuro, além de suas diferenças.

60) Mate-me por favor (2015) de Anita Rocha da Silveira

Na região da Barra da Tijuca, no Rio de Janeiro, a rotina de Bia, uma jovem de quinze anos, e de João, seu irmão de 25 anos de idade, é alterada por uma série de assassinatos sombrios. Este caso acaba ilustrando alguns dos principais problemas enfrentados pela juventude atual.

61) Minha amiga do parque (2016) de Ana Katz

Enquanto o marido viaja a trabalho para o Chile, Liz luta para cuidar sozinha do filho pequeno. Sentindo-se deslocada em meio ao grupo fechado de pais no parque, ela se aproxima de Rosa, operária e mãe solo. A diferença social cada vez maior entre elas, assim como rumores estranhos sobre a família de Rosa, fazem Liz suspeitar que sua nova amiga seja uma influência negativa em sua já frágil vida. Uma apreciação honesta dos lados público e privado da maternidade, o filme joga luz sobre as inseguranças e exaltações de uma amizade entre duas mulheres.

62) Em minha pele (2002) de Marina de Van

Após um acidente que rasga violentamente sua pele, Esther vai adquirindo uma obsessão cada vez maior pelo seu corpo.

63) She’s beautiful when she’s angry (2014) de Mary Dore

Documentário que conta a história das mulheres que criaram o movimento feminista nos anos 1960, focando no cenário norte-americano, fazendo uma revolução em todos os âmbitos sociais.

64) Uma vida simples (2011) de Ann Hui

Baseado numa história verídica, o filme centra-se na vida de Ah Tao, uma serva e ama que trabalhou para a família Leung durante quatro gerações. Ela cuida de Roger, um produtor de cinema, que é o único membro da família Leung que ainda permanece em Hong Kong. Um dia, Roger volta para casa e encontra Ah Tao inconsciente, depois de ter sofrido um derrame. Embora não completamente convencido de que ela tenha se tornando um fardo, Roger resigna-se e a muda para um lar de idosos. Mas mesmo depois da mudança, ela continua a ter a atenção de Roger, que se percebe o quão importante é Ah Tao na sua vida.

65) Ralé (2015) de Helena Ignez

De origem aristocrática e ex-viciado em heroína, Barão (Ney Matogrosso) decide fundar uma seita ligada aos rituais com ayahuasca, o chá alucinógeno do Santo Daime. Uma investigação sobre a alma brasileira, com reflexões sobre questões existenciais, individualidade sexual e direito de liberdade.

66) Lixo Extraordinário (2010) de Karen Harley, Lucy Walker e João Jardim

Documentário que faz uma análise sobre o trabalho do artista plástico Vik Muniz no Jardim Gramacho, localizado na cidade de Duque de Caxias (RJ), que é um dos maiores aterros sanitários do mundo.

67) Alba (2016) de Ana Cristina Barragán

Alba tem 11 anos. Uma tarde, sua mãe é internada no hospital e ela, então, passa a viver com Igor, o pai que ela mal conhece. Os esforços de Igor para se aproximar de Alba, as meninas do colégio e o primeiro beijo são estímulos que marcam sua entrada na adolescência e a aceitação de sua família.

68) Girimunho (2011) de Clarissa Campolina e Helvécio Marins Júnior

Esta é a história de duas mulheres que observam os redemoinhos no rio, em pleno sertão mineiro. Uma delas perdeu o marido, e sofre em silêncio, tendo apenas as novidades dos netos como consolação. A outra carrega consigo um tambor, e marca o ambiente com seus sons.

69) A chave para a lavanderia (2013) de Floriane Devigne e Fred Florey

O proprietário de um imóvel em Lausanne incumbe Claudina de organizar e limpar sua propriedade. Tradicionalmente situada no porão, a lavanderia compartilhada pelos habitantes, fica aqui em um minúsculo quarto no hall da propriedade. O subsolo é reservado para a prostituição...

70) Hora do chá (2014) de Maite Alberdi

Uma vez por mês, religiosamente, há 60 anos, um grupo de velhas amigas se reencontra, sem se perder de vista desde o final da escola secundária, num colégio católico. O tempo, que inevitavelmente passa, e transformou suas fisionomias e histórias pessoais, parece infiltrar-se com delicadeza entre a passagem de xícaras de chá, pedaços de bolo e outros quitutes. Ainda que tenham vivido por tempos de duras transformações históricas e políticas no Chile, essas turbulências parecem nunca vir à mesa, ou abalar sua amizade. Suas conversas giram em torno do passado, mas também incorporam discussões eternas sobre a fidelidade dos homens e a mudança dos costumes.

71) A vingança de uma mulher (2012) de Rita Azevedo Gomes

Roberto é um “bon vivant” entediado, que busca um sentido para sua existência. Mas depois de uma cortesã lhe revelar um segredo muito importante, tudo parece mudar em sua vida.

72) Divinas (2016) de Houda Benyamina

Em um gueto, uma comunidade verdadeiramente carente, o tráfico local se confunde com a religião. Dounia, uma jovem que mora na comunidade, decide tentar vencer na vida, seguindo os padrões do lugar onde mora: ou seja, ela pretende se tornar uma traficante tão reconhecida e poderosa quanto Rebecca. Para isso, ela terá a ajuda de Maimouna, sua melhor amiga. No entanto, a verdade é que Dounia não sabe onde está se metendo.

73) Amor, plástico e barulho (2013) de Renata Pinheiro

Shelly é uma jovem dançarina que tem o grande sonho de se tornar cantora de música Brega. Ela entra para o show business em busca de fama e fortuna mas, inserida em um mundo onde tudo é descartável, incluindo o amor e as relações humanas, ela vai encontrar grandes dificuldades para atingir a fama. Seguindo os passos de Jaqueline, sua companheira de banda e musa inspiradora, ela pretende virar uma grande cantora de música Brega.

74) Hoje (2011) de Tatá Amaral

Vera é uma ex-militante política que recebe uma indenização do governo, em decorrência do desaparecimento do marido, vítima da repressão provocada pela ditadura militar. Com o dinheiro ela consegue comprar um apartamento próprio, além de enfim poder ser reconhecida como viúva. Só que, quando está prestes a se mudar, recebe uma visita que altera sua vida.

75) Linha de passe (2008) de Daniela Thomas e Walter Salles

São Paulo. Reginaldo é um jovem que procura seu pai obsessivamente. Dario sonha em se tornar jogador de futebol mas, aos 18 anos, vê a ideia cada vez mais distante. Dinho dedica-se à religião. Dênis enfrenta dificuldades em se manter, sendo também pai involuntário de um menino. Os quatro são irmãos, tendo sido criados por Cleuza, sua mãe, que trabalha como empregada doméstica e está mais uma vez grávida, de pai desconhecido. Eles precisam lidar com as transformações religiosas pelas quais o Brasil passa, assim como a inserção no meio do futebol e a ausência de uma figura paterna.

76) A alma da gente (2013) de Helena Solberg e David Meyer

Em 2002, o coreógrafo Ivaldo Bertazzo coordenou um projeto de dança com adolescentes moradores da Favela da Maré, levando à apresentação do espetáculo "Dança das Marés". O documentário mostra a rotina de treinos e a interação entre os participantes, revelando os sonhos destes jovens para o futuro. Dez anos mais tarde, em 2012, os diretores procuraram os dançarinos para compreender o impacto deste evento em suas vidas, e para ver se conseguiram conquistar os desejos de infância.

77) Barba azul (2009) de Catherine Breillat

Catherine adora assustar a sua irmã mais nova, Marie-Anne, lendo a história do Barba Azul, rei que mata as três esposas, no clássico conto de Charles Perrault. Na França dos anos 50, as duas irmãs brincam no sótão de casa, e Catherine faz encenações no papel de Marie-Catherine, a quarta e última esposa, que escapa do destino trágico ao conquistar o coração do marido. Por ser uma bela virgem, ela faz o nobre hesitar e sucumbir. Nesta versão, o Barba Azul é baseado em Gilles de Rais, soldado francês contemporâneo de Joana d’Arc e famoso assassino de crianças.

78) O pai das minhas filhas (2009) de Mia Hansen-Løve

Grégoire Canvel é casado, pai de três filhas e produtor de cinema. Entre um telefonema e outro, ele fuma um cigarro e tenta conciliar projetos difíceis, apaziguar egos inflados e resolver problemas financeiros de sua produtora, que não pára de acumular riscos. Em meio a tudo isso, ainda precisa arranjar tempo para dedicar à família. Sua mulher o convence a passar o feriado na Itália, mas ao voltar a Paris, Grégoire se depara com a situação mais difícil de sua carreira, e se vê ameaçado pelo cansaço.

79) Inverno da alma (2010) de Debra Granik

Ree Dolly tem 17 anos e quer encontrar seu pai, um homem de meia idade que sumiu após usar a casa da família como fiança. Ela começa a seguir rastros deixados por ele e descobre uma rede de mentiras e conspiração.

80) Minhas mães e meu pai (2010) de Lisa Cholodenko

Joni e Laser são dois irmãos adolescentes, filhos de um casal de lésbicas, que foram concebidos através de inseminação artificial através de um doador anônimo. Quando Joni completa 18 anos, vai atrás do direito de descobrir quem é seu pai biológico.

81) Psicopata americano (2000) de Mary Harmon

Patrick Bateman jovem, branco, bonito e sem nada que o diferencie de seus colegas de Wall Street. Protegido pela conformidade, privilégio e riqueza, Bateman também um serial killer, que vaga livremente e sem receios em busca de uma nova vítima. Seus impulsos assassinos são abastecidos por um zeloso materialismo e uma inveja torturante quando ele encontra alguém que possui mais do que ele. Após um colega dar-lhe um cartão de visitas melhor que o seu em tinta e papel, a sede de sangue de Bateman surge e ele aumenta ainda mais suas atividades homicidas, tornando-se um perigoso e violento psicopata.

82) Lugar nenhum na África (2001) de Caroline Link

Em 1938, pouco antes de estourar a 2ª Guerra Mundial, a família Redlich foge da Alemanha e se instala no Quênia, na África. Lá o advogado Walter Redlich passa a trabalhar numa fazenda, enquanto sua mulher Jettel, filha de uma família burguesa, tenta se adaptar à nova vida. Regina, a filha do casal, cresce e aprende a língua e os costumes locais, encontrando no cozinheiro Owunor um amigo. Quando a guerra está acabando Walter recebe uma proposta para atuar como juiz em Frankfurt. Depois de tantos anos em que aprenderam a amar o novo país, Jettel e Regina começam a duvidar se voltarão para a Alemanha com ele.

83) O lar (2008) de Ursula Meier

Marthe, Michel e seus três filhos moram tranquilamente em uma casa isolada no meio do nada, em frente à qual uma larga estrada permanece vazia, fechada desde sua construção. No início do verão, ela é finalmente inaugurada. A família tenta manter sua rotina, mesmo com o estresse causado pelo barulho incessante de centenas de carros. Mas os efeitos a longo prazo do incômodo com a constante perturbação instauram um clima crescente de tensão familiar. Ainda assim, eles se recusam a deixar o lar construído com tanta dedicação.

84) A cortina de Açúcar (2005) de Camila Guzmán Urzúa

Reflexão sobre a Revolução Cubana a partir do retrato íntimo da primeira geração de cubanos nascidos depois de 1959. A diretora volta à Havana, onde viveu a infância, e traça uma radiografia dos tempos áureos do regime e da posterior desilusão provocada pela crise econômica e política, pós-queda do Muro de Berlim. Nas ruínas da sua ex-escola, ela procura pistas dos antigos colegas de classe, os mesmos com quem dividiu os sonhos de infância e que, como ela, saíram do país depois de verem os seus ideais arruinados.

85) Beleza adormecida (2011) de Julia Leigh

Lucy é uma jovem universitária que vive precisando de dinheiro. Para isso, divide o apartamento com outras duas pessoas e possui uma série de pequenos empregos. Através de um anúncio de jornal, entra em contato com uma inusitada agência, que a contrata para prestar um trabalho estranho chamado beleza adormecida. Ela adormece. Ela acorda. E homens mantém relação sexual com ela enquanto está dormindo.

86) Attenberg (2010) de Athina Rachel Tsangari

Numa pequena cidade, Marina, de 23 anos, mantém uma relação excepcionalmente próxima com seu pai, que está morrendo de câncer. O único conhecimento que ela tem sobre sexualidade vêm do contato com sua amiga, chamada Bella, com quem pratica beijos. Uma das coisas que gosta é assistir programas sobre comportamento animal. Enquanto se prepara para a morte de seu pai, ela descobre mais sobre vida sexual com um engenheiro.

87) Olmo e a gaivota (2014) de Petra Costa e Lea Glob

Um mergulho poético e existencial na mente de uma atriz durante os nove meses de gravidez.

88) Um Casamento à Indiana (2001) de Mira Nair

Após um relacionamento fracassado, Aditi, a noiva, aceitou casar-se com Herman, um engenheiro texano, e encontra-se apreensiva com a mudança para os Estados Unidos. Lalit e Pimmi, seus pais, enfrentam o desafio de manter as tradições familiares enquanto Dubby, o responsável pelo cerimonial, apaixona-se pela empregada da família. E há também a presença da independente Ria e da adolescente Ayesha, primas de Aditi.

89) Encantadora de Baleias (2002) de Niki Caro

No leste da Nova Zelândia a tribo Maori acredita ter descendências diretas com Paikea, um domador de baleias. Paikea, há milhares de anos, virou com a canoa em cima de uma baleia e, através dela, cavalgou e liderou seu povo até um local para viver. O primeiro chefe da tribo teria descendências diretas com Paikea, mas após a morte do líder, quem assume é sua irmã. Pai, a nova líder, terá que enfrentar as pressões do seu avô por não concordar que uma mulher assuma a liderança.

90) Precisamos falar do assédio (2016) Paula Sacchetta

O documentário é resultado de um experimento social onde, durante a semana da mulher, uma van-estúdio parou em nove locais em São Paulo e no Rio de Janeiro para coletar depoimentos de mulheres que já foram vítima de algum tipo de assédio. Ao todo, foram 140 relatos de mulheres de 15 a 84 anos, de zonas nobres ou periferias das duas cidades, que nada têm em comum além de terem sofrido alguma violência.

91) Câmara de Espelhos (2016) de Dea Ferraz

Através de entrevistas realizadas com vários homens moradores da Região Metropolitana de Recife, este é um retrato aprofundado sobre o universo masculino e sobre como os homens enxergam o papel das mulheres na sociedade ocidental, tradicionalmente patriarcal e machista, e uma exploração minuciosa sobre a identidade feminina, sobre as violências sofridas pelas mulheres no Brasil e até mesmo sobre o cenário social e político do país.

92) Noite n.1 (2011) de Anne Émond

Nicolai é um homem de 31 anos que leva uma vida simples. Ele tem grandes projetos e grandes ideias, mas perde a visão antes de eles se realizarem. Clara, como Nikolaï, não parece ser feita para esse mundo. Ela leva uma vida dupla: durante o dia, trabalha com uma professora de terceira série e à noite é baladeira compulsiva. Clara e Nikolaï se conhecem numa rave. Voltam para o apartamento de Nikolaï e transam. Logo depois, ao invés de se despedirem, os dois amantes contam seus maiores segredos um ao outro.

93) Farol (2006) de Mariya Saakyan

Uma volta ao lar. A heroína é uma jovem que retorna para sua casa, depois de quatro anos. Lá, ela não encontra nem velhos discos nem fotos de família e sim uma verdadeira tragédia. A vida na sua cidade caucasiana ficou perigosa. Ela quer partir imediatamente e levar seus avôs consigo. Mas sua avó não quer partir e largar sua casa, seu trabalho em uma escola de música e seus pupilos. A heroína não consegue ir embora sozinha – não há mais trens para partir.

94) Respire (2014) de Mélanie Laurent

Charlie é uma menina de 17 anos. A idade das paixões, das emoções, das convicções. Tímida e comportada, é atraída imediatamente por Sarah, carismática e rebelde nova aluna da escola. As jovens logo passam a dividir intimidades e segredos, mas o relacionamento ganha ares estranhos quando verdades vêm à tona.

95) O diário de uma adolescente (2014) de Marielle Heller

Minnie Goetze é uma adolescente da década de 1970 que busca amor, aceitação e um senso de propósito no mundo. Ela começa um complexo relacionamento com o belo namorado de sua mãe e vive suas primeiras experiências envolvendo drogas e sexo.

96) Virgem Juramentada (2015) de Laura Bispuri

Hana Doda não se conforma com o destino arcaico que todas as mulheres das montanhas da Albânia tem que tomar: serem esposas e empregadas de um marido. Movida pela indignação, ela consegue fugir e apelar para a antiga lei do Kanun, jurando eterna virgindade. Em troca de seu sacrifício, ela não só passa a receber os mesmos direitos dos homens, mas decide se tornar um, sendo agora chamada de Mark Doda. Acompanhada apenas de seu rifle, ela vive mais de 10 anos em plena solidão nas montanhas, rejeitando toda forma de amor. Mas algo ainda irá despertar sua vontade de mudar de vida.

97) Aos treze (2003) de Catherine Hardwicke

Tracey é uma adolescente normal como qualquer outra - veste-se como as meninas de sua idade, possui bichinhos de pelúcia e ainda tem aquele ar angelical. Mas ao se sentir inferiorizada na escola por garotas moderninhas e mais "descoladas", acaba se aproximando da mais popular delas, Evie, uma garota que acaba levando a inocente Tracey para um mundo envolvendo drogas, sexo e pequenos crimes.

98) Caramelo (2007) de Nadine Labaki

Em Beirute, no salão de beleza Sibelle, cinco mulheres se encontram regularmente. Layale é amante de um homem casado e espera que um dia ele deixe a mulher. Nisrine é muçulmana e vai se casar, só que não é mais virgem e não sabe como contar ao noivo. Rima sente atração por mulheres. Jamale não quer envelhecer. Rose abdicou de sua vida para cuidar da irmã mais velha. No salão, entre cortes de cabelo e depilação à base de caramelo (receita oriental tradicional: açúcar, limão e água), homens, amor, sexo, casamento, maternidade e amadurecimento estão no centro de suas conversas mais íntimas.

99) Minha vida sem mim (2003) de Isabel Coixet

A jovem Ann descobre que está com câncer e tem dois meses de vida. Ela resolve não contar para sua família, e faz uma lista de coisas que deseja fazer antes de morrer, entre elas visitar seu pai na prisão, fazer outro homem se apaixonar por ela e gravar mensagens para suas filhas ouvirem em seus aniversários.

100) Jovem aloucada (2012) de Marialy Rivas

Daniela tem 17 anos e vive em Santiago com sua restritiva família evangélica. Com uma rebeldia reprimida e sem nenhuma válvula de escape para expressar seus desejos sexuais, ela cria um blog onde divide com outros adolescentes suas descobertas, pensamentos e incríveis feitos eróticos.

Acesse a lista no site Filmow contendo todos os 50 filmes mencionados nesse texto.

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libros

deliriumnerd — Tue, 06 Dec 2016 21:43:09 +0000

books

deliriumnerd — Tue, 06 Dec 2016 21:44:09 +0000

sandman_death_by_chomikprogramista

deliriumnerd — Wed, 07 Dec 2016 15:41:21 +0000

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deliriumnerd — Wed, 07 Dec 2016 15:57:26 +0000

[OFERTAS] O melhor da Black Friday na Amazon: obras com até 60% de desconto

deliriumnerd — Wed, 07 Dec 2016 15:58:54 +0000

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deliriumnerd — Thu, 08 Dec 2016 15:59:54 +0000

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[LIVRO] "Lobo de Rua": Os lobisomens paulistanos de Jana P. Bianchi (resenha)

titanis451 — Thu, 08 Dec 2016 14:54:31 +0000

A maldição do lobisomem é um tema recorrente na ficção fantástica e este talvez seja o monstro mais icônico da cultura pop depois dos vampiros.

A representação do humano que pode se transformar em lobo é perfeita analogia para os medos e loucuras que habitam o interior de todos nós, e, seja na forma de um animal irracional, ou na de uma alma atormentada pela maldição, os lobisomens sempre renderam ótimo material para livros e filmes, que vão desde os clássicos do terror até obras de teor erótico.

Sendo uma das lendas mais populares do nosso país, os Lobisomens parecem muito à vontade em território brasileiro e geram ótimos trabalhos na ficção nacional, como a HQ independente “A ordem de Licaão”, do quadrinista Rodney Buchemi; o romance “Lobas”, de Rafael Campos Rocha (já resenhado aqui no Delirium); e também o elogiado “Exorcismos, Amores e uma Dose de Blues”, de Eric Novello.

“Lobo de Rua”, o mais recente lançamento da editora Dame Blanche, vem se juntar ao time e nos traz mais um ótimo exemplo de como se explorar o mito do lobisomem em uma fantasia urbana com mitologia própria que quebra muitos dos estereótipos com os quais estamos acostumados. No livro, conhecemos Raul, um menino de rua que vê sua vida miserável ser piorada quando durante a lua cheia começa a passar por uma terrível transformação na qual seu corpo e também sua mente são rasgados de dentro para fora para libertar uma fera com sede implacável de sangue.

Com um jeito de prólogo, “Lobo de rua” nos mostra, em suas oitenta e poucas páginas, uma São Paulo fantástica, desconhecida aos olhos dos meros mortais e habitada por criaturas mágicas de toda espécie. Acompanhamos os tormentos de Raul que é guiado por Tito, um lobisomem centenário, nos dias que antecedem a chegada da próxima lua cheia e a derradeira transformação.

"– Ah , não, garoto, acho que cheguei a tempo desta vez. Quando senti você no mês passado, tratei de monitorar a Folha, o Estadão, a Globo.com. Não saiu nada muito óbvio, fica tranquilo, você foi até que bem discreto. E, de todo o modo, não temos mais nenhum grande caçador residente em terras brasileiras. O último, Onofre Fagundes, morreu no início da década de oitenta, em uma expedição de caça na Floresta Amazônica, mordido por uma das mais malditas criaturas dos infernos. – Por um lobisomem? – Perguntou Raul. – Não… – Vampiro, então? – Não, pô. Por um mosquito – disse Tito, dando uma risada amarga e rouca. – Malária, vê se pode. Uma ironia dos caralhos, não?”

Jana P. Bianchi faz um excelente trabalho nessa apresentação do universo fantástico da Galeria Creta e nos deixa curiosos para saber o que vem a seguir. O livro foi lançado em formato e-book, mas estará disponível em formato físico em breve. Lobo de Rua

89 páginas Jana P. Bianchi Editora Dame Blanche Compre o e-book aqui: Amazon

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titanis451 — Thu, 08 Dec 2016 14:08:07 +0000

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deliriumnerd — Fri, 09 Dec 2016 15:32:12 +0000

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natibaseggio — Sat, 10 Dec 2016 16:42:16 +0000

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karolborges32 — Mon, 12 Dec 2016 23:33:37 +0000

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karolborges32 — Mon, 12 Dec 2016 23:50:47 +0000

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karolborges32 — Mon, 12 Dec 2016 23:53:32 +0000

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laisfernandes — Tue, 13 Dec 2016 14:40:28 +0000

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laisfernandes — Tue, 13 Dec 2016 14:47:04 +0000

[GAMES] Lara Croft GO: Game Review

natibaseggio — Tue, 13 Dec 2016 17:10:08 +0000

O lançamento surpresa do jogo, no começo deste mês, para PlayStation 4 e Playstation Vita durante a PlayStation Experience chamou a minha atenção para um gênero de game que não costumo dar muita bola, puzzles. Lara Croft é o segundo game da Square Enix a receber uma versão “Go”. Eles foram criados com o intuito de trazer as franquias mais bem sucedidas da empresa com design minimalista e estilo quebra-cabeça.

Desenvolvido por: Square Enix Montral Plataformas: Android, iOS, Windows, Windows Phone, PlayStation 4 e Playstation Vita Site Oficial: Lara Croft Go

Jogabilidade

Nada nesse jogo é desnecessário, não existe nem ao menos um "tutorial", você mesmo aprende rápido e facilmente como cada um dos elementos - e novos são introduzidos conforme a dificuldade aumenta - funciona. Na tela do celular, em um tablet, ou com um controle, ele vai funcionar da mesma maneira. Facilidade é a palavra chave aqui. Não é a toa que "Lara Croft Go" recebeu inúmeros prêmios por seu design e jogabilidade, inclusive foi o vencedor do Iphone Game of The Year em 2015 e do Apple Desigh Award em 2016.

Design

A simplicidade e beleza dos gráficos é um dos pontos positivos de "Lara Croft Go". Muita gente por aí pode aprender com eles. Quem nunca encontrou jogos supostamente desenvolvidos para celular com tantos detalhes e cores que serviam apenas para poluir visualmente um campo de visão já limitado? Nota dez!

Também é importante ressaltar como aspectos chave das aventuras de Lara Croft foram traduzidos de uma forma muito fluida para o puzzle. Como é o caso das relíquias, peças chave nos games e filmes da personagem, estão à sua espera aqui. O formato é diferente, mas o espírito da franquia permanece inalterado.

Vale a pena comprar?

Se você é um fã da franquia "Tomb Raider" ou quem sabe, um aficionado por games deste estilo, não perca tempo! A experiência certamente vai ser agradável. Por mais que a dificuldade aumente conforme chegamos ao final da aventura de Lara, em nenhum momento você se irritará, muito pelo contrário, este é um jogo leve e divertido.

O único ponto negativo é o preço. Um pouquinho salgado se levarmos em consideração o tamanho do game. São apenas cinco aventuras - uma sexta foi adicionada recentemente - o que me tomou um total de quatro horas de jogo. É claro que existe a possibilidade de retornas às fases anteriores, principalmente para procurar uma ou outra relíquia que tenha ficado para trás. Ainda sim, fiquei na expectativa de que o game fosse durar um pouco mais.

Você vai encontrar "Lara Croft Go" por R$19.90 na Steam. US$4.99 na App Store, R$16.90 na loja da Microsoft e, R$30.90 na PlaySation Store.

[QUADRINHOS] Mulher Maravilha: os Reboots da DC

karolborges32 — Tue, 13 Dec 2016 16:24:52 +0000

Os anos oitenta na indústria de histórias em quadrinhos trouxeram novos horizontes e perspectivas, com histórias mais "realistas" e sombrias dentro da DC Comics, como é o caso de "Batman, o Cavaleiro das Trevas" e "Watchmen". Para se entender essas mudanças, é necessário entender o contexto da produção em que todas as revistas da editora estavam inseridas, ou seja, a proposta iniciada com o reboot de 1986.

Anos 80: George Pérez e a retomada da identidade amazona

O reboot aconteceu através de uma saga denominada "Crise nas Infinitas Terras", um evento crossover entre todas as "terras" da editora, e, por consequência, envolvendo todas as suas revistas, que teve como figura principal da narrativa o Flash, que na época tinha como identidade secreta Barry Allen.

A proposta dessa saga era apagar o múltiplo e confuso universo criado ao longo dos anos pela DC, tendo, assim, a possibilidade de reordená-lo e, ao mesmo tempo recriar as origens de seus personagens.

Fica clara, então, a existência de uma tentativa de se alcançar um novo público além do comum, ou seja, crianças e adolescentes do sexo masculino, que estavam migrando para outros meios de comunicação como vídeo games e fitas VHS. As publicações da revista da Mulher Maravilha seguiram a mesma ideia, mas diferente das outras, que tinham como objetivo de público homens adultos, a nova equipe criativa de Mulher Maravilha, iniciada em 1987, optou por ir além desse alvo e tentar alcançar o público feminino.

[caption id="attachment_49801" align="aligncenter" width="300"] Capa da primeira edição sob o comando de George Pérez - fevereiro de 1987[/caption]

É importante, então, comentar sobre o time responsável pela publicação dessa nova fase das histórias, que incluía Karen Beger, conhecida hoje em dia por seu trabalho junto ao Selo Vertigo e que foi a editora da revista de 1987 até 1992; Greg Potter e Len Wein, que colaboraram como escritores de algumas edições; e George Pérez, principal responsável por desenho, argumento e roteiro durante esses cinco anos. Segundo D.R. Hammontree em seu capítulo no livro "The ages of Wonder Woman: Essays on the Amazon Princess in Changing Times", Karen Beger foi a responsável pela decisão de se ir atrás de leitoras para a revista da Mulher Maravilha, decisão acertada pois foi nesse período, sob o comando de Berger, a única vez que as revistas da heroína bateram constantemente recordes de vendas. Esse é um fato importante de ser salientado pois demonstra a ideia das decisões editoriais que formaram o rumo tomado pela publicação.

Nesse contexto, a personagem e toda a sua mitologia passaram por uma reformulação, sendo contada uma nova origem para a heroína e para suas companheiras amazonas, que são reintroduzidas nas revistas. Além disso, Pérez tem uma preocupação em estabelecer bases psicológicas, políticas e sociais para a sociedade amazona dentro da ilha de Themyscira, mostrando desde o primeiro número em quais ideais são baseadas as decisões tomadas pelo grupo.

Não somente as amazonas ganham importância novamente, as deusas gregas e alguns poucos deuses têm significativas participações no decorrer da narrativa, as primeiras como criadoras e conselheiras das guerreiras amazonas, enquanto os últimos aparecem, muitas vezes, como seus vilões, em especial, Ares, o deus da guerra.

Essa polarização entre as figuras femininas e masculinas acontece durante todo o período comandado por Pérez e Berger, contando com a exclusão de figuras masculinas no processo de formação e evolução de Diana, nome agora utilizado sem o sobrenome Prince, mas relacionado ao título de princesa. São retirados, por exemplo, as figuras paternas para a heroína e seu interesse amoroso, já que, por um lado, ela nasce da junção da vontade da deusa Ártemis e da mãe de Diana e rainha das amazonas, Hipólita, que a criam a partir de uma escultura de barro; por outro, Steve Trevor, que tradicionalmente aparece como seu par romântico, deixa de sê-lo.

Obviamente o trabalho de Pérez ainda mantém contato com o consumidor usual de histórias em quadrinhos, tendo elementos típicos das histórias para esse público, como muita aventura, lutas e o traço típico dos anos 80, com personagens masculinos musculosos e as femininas sendo retratadas com grandes cabelos cacheados e roupas pequenas e apertadas, mas a temática de sua narrativa e sua interpretação da Mulher Maravilha conseguiram abrir portas para um novo público.

Anos 2010: Os Novos 52 e Rebirth

[caption id="attachment_49818" align="aligncenter" width="471"] Ilustração feita por Cliff Chiang para a capa de primeira edição de Mulher Maravilha dos Novos 52 - novembro de 2011[/caption]

Recentemente a DC Comics passou por um novo reboot iniciado em maio de 2011 e encerrado em setembro daquele ano. Feito através da saga conhecida como "Flashpoint" ou, no Brasil, "Ponto de Ignição", tendo mais uma vez como início o velocista da DC, o Flash, dessa vez na figura de Wally West e marcando o retorno de Barry Allen, que estava fora da posição de Flash desde 1986. A linha das revistas da editora dessa vez recebeu um nome para seu conjunto inicial de cinquenta e dois novos títulos: “Os Novos 52”.

Assim como na década de 80, as mudanças trazidas pelo reboot foram gigantescas, apesar da escolha por manter a cronologia das histórias de alguns personagens, como foi o caso Batman (manutenção de acontecimentos marcantes das histórias do Batman e do restante dos personagens criados em torno dele, como por exemplo a referência aos acontecimentos passados na famosa HQ de Alan Moore e Brian Bolland, "A Piada Mortal" na série mensal da Batgirl). Mulher Maravilha recebe um misto dessas escolhas, pois ao mesmo tempo que tem sua história recontada, ela, em sua revista, já aparece como uma heroína estabelecida e é reconhecida por outros personagens que aparecem.

O destaque dessa vez na produção do título "Mulher Maravilha" ficou a cargo do roteirista e do desenhista, Brian Azzarello e Cliff Chiang, respectivamente. Enquanto Chiang deu um novo visual à personagem, como a pele mais morena, o nariz mais proeminente, os olhos mais redondos, ombros um pouco mais largos, seios menores e um uniforme mais prático, dentro é claro das possibilidades de modificação do uniforme, usando recursos como a diminuição do decote e a retirada dos saltos da bota; Azzarello, mais conhecido por seu trabalho junto a Vertigo, se preocupou em acrescentar novos elementos à origem da heroína, dando a ela uma ligação mais forte com o panteão grego, tornando-a filha de Zeus e, no decorrer da história, como deusa da Guerra, após a morte do deus da Guerra anterior que era seu amigo e mentor.

[caption id="attachment_49822" align="alignnone" width="1920"] Detalhe da capa feita por Chiang, mostrando Diana e Guerra - edição 17, fevereiro de 2013[/caption]

Além disso, os vilões apresentados por Azzarello são relacionados à mitologia grega, ficando, assim, à altura de enfrentar uma personagem com tantas habilidades e tão forte como é o caso da Mulher Maravilha. Essa foi, na verdade, uma das maiores preocupações do autor, estabelecer uma base de vilões que pudessem ser identificados como sendo arqui-inimigos da amazona, já que, apesar dela ser um dos personagens mais importantes da editora e fazer parte de sua famosa “Trindade” junto com Batman e Superman, Diana não conseguiu emplacar uma galeria de vilões.

Um dos elementos que colaborou para a liberdade que Azzarello teve ao trabalhar a mitologia da Mulher Maravilha foi a separação da série do restante das revistas dos “Novos 52”. Isso possibilitou uma uniformidade na narrativa que não ficou entrecortada pelos eventos das grandes sagas crossover da editora, com exceção da edição 23.1 que faz parte da saga “Forever Evil” e não foi escrita por Azzarello nem ilustrada por Chiang. Dessa maneira a narrativa de Azzarello e Chiang teve o espaço, contando as edições 0 e 23.2, de trinta e sete edições praticamente ininterruptas para ser trabalhada e aprofundada, o que, além de colaborar com a qualidade da história, atraiu um novo público de leitores que, muitas vezes, nunca tinha lido uma história solo da Mulher Maravilha, ao mesmo tempo que deu algo de novo ao público que já lia as histórias da personagem, ainda que, obviamente, a série não tenha tido uma crítica unânime.

Em novembro de 2014, Meredith e David Finch assumiram a revista respectivamente como roteirista e desenhista. O casal declarou que iria começar uma nova abordagem à personagem, deixando-a “mais humana”. A tentativa era de se aproximar mais das outras revistas em que a Mulher Maravilha aparece, tanto psicologicamente, quanto fisicamente, já que Finch tem a estética de seu traço bem próxima à de outros desenhistas da editora; e também na questão da narrativa, fazendo com que a revista mensal da amazona se encaixasse na história maior da editora.

No começo desse ano a DC realizou o evento "Rebirth" (que, segundo a editora, não se tratava de um reboot e sim de um relançamento de seus títulos) e "Mulher Maravilha" ficou a cargo de Greg Rucka (roteiro) Nicola Scott (arte das edições pares) e Liam Sharp (arte das edições ímpares). A história agora é lançada quinzenalmente, e foi divida, como mencionado acima, entre as edições pares e ímpares para acertar a cronologia da Amazona, sendo contados o passado e o presente, respectivamente; a intenção é "consertar" a história da personagem e inserir personagens importantes em seu canon (como Steve Trevor e Etta Candy). Com 11 edições publicadas até o momento (nos EUA) é necessário esperar para ver como, a longo prazo, a nova equipe (especialmente Rucka) vai desenvolver a nova fase da heroína.

[LIVROS] "A Arte de Pedir": as conexões cotidianas de Amanda Palmer

laisfernandes — Wed, 14 Dec 2016 14:27:01 +0000

“A Arte de Pedir: Ou como aprendi a não me deixar preocupar mais e a deixar as pessoas ajudarem”, de Amanda Palmer, teria todas as características de um livro de autoajuda biográfico banal, se julgado apenas pela sinopse que a editora fornece, mas passa a anos luz de ser um mero entretenimento barato: a autora é, ao mesmo tempo, brutal e sutil em sua narrativa, mas, acima de tudo, verdadeira. O livro exala realidade pelos poros das quase trezentas páginas escritas por Palmer, levando o leitor a refletir violentamente sobre todos os aspectos relativos ao seu universo particular e sobre as trocas que realiza diariamente, desde a primeira página até às últimas palavras do parágrafo que o encerra.

A arte de pedir pode ser aprendida, estudada, aprimorada. Os mestres do pedido, tal como os mestres da pintura e da música, sabem que essa área é composta essencialmente de improvisações. Ela viceja não na criação de regras e de uma etiqueta, mas na quebra dessa etiqueta.

Isto é: não há regras.

Ou melhor, há montes de regras, mas que imploram de joelhos para serem quebradas. (A Arte de Pedir, pág. 52)

Cantora, feminista e ex-integrante da banda de punk cabaret The Dresden Dolls, Amanda Palmer já passou por diversas experiências boas e ruins antes da fama, em diversos empregos, como garçonete, striper e estátua viva; e é a este último que a autora se prende inicialmente para contar sua jornada pelo ato de pedir.

Munida de um vestido de noiva comprado em um brechó, peruca chanel preta, maquiagem branca por todo o rosto e uma coragem infinita, Palmer subia em uma pilha de engradados de leite e dava vida à A Noiva de Dois Metros e Meio (do inglês, “Eight Foot Bride”), no centro da Praça Harvard, Cambridge. Ao colocar qualquer valor em dinheiro no chapéu que A Noiva deixava timidamente no chão à sua frente, o espectador era agradecido com uma flor pequenina e um olhar teatralmente meigo vindo da artista.

Quando você é olhada, pode ficar de olhos gloriosamente fechados. Você suga a energia, rouba os holofotes. Quando é vista, precisa estar de olhos abertos, pois está vendo e reconhecendo sua testemunha. Você aceita energia e gera energia. Você cria luz.

Um é exibicionismo, outro é conexão.

Nem todo mundo quer ser olhado.

Todo mundo quer ser visto. (A Arte de Pedir, pág. 181)

As apresentações de Amanda, em tese e sem obrigações formais, poderiam se resumir a apenas isso: você me dá o dinheiro de que preciso, eu te dou uma flor simbolicamente, você vai embora e eu volto a esperar mais dinheiro da próxima pessoa que passar, porém aquela troca significava muito mais. Tanto espectador quanto artista saíam de suas zonas de conforto. O primeiro, por sentir-se envergonhado ao arriscar chegar perto de uma mulher vestida de noiva e dar-lhe algo, e a segunda por estar terrivelmente vulnerável ao que pudesse acontecer (vindo dos desconhecidos que passavam) e também por, implicitamente, estar pedindo (ato que por si só não é fácil e também demanda coragem, como ela mesma relata). Neste processo Amanda também notava, fora a timidez de muitos que a observavam, pessoas realmente fragilizadas, que doavam dinheiro apenas para ter aquele minuto singular de contato humano. Foi através disso que ela passou a enxergar sua arte não apenas como um “gerador de renda” para sua futura carreira de musicista profissional (nessa época em que se equilibrava entre o emprego de estátua viva e atendente em uma sorveteria, Amanda já contava com um acervo de inúmeras composições, além de saber tocar piano há anos), mas essencialmente como um compartilhamento de momentos, conexões profundas que existiam diariamente: eu estou aqui. Você é importante para mim.

O que eu não previra eram os contatos súbitos e intensos com certas pessoas – principalmente as solitárias, que pareciam não ter contato com ninguém fazia séculos. Eu ficava fascinada com os momentos íntimos do contato visual demorado acontecendo na calçada cheia de gente, entre o barulho do trânsito, o som das buzinas, os gritos dos vendedores ambulantes anunciando seus artigos e os panfletos que os ativistas entregavam a cada um que passava, enquanto alguns temporários encardidos tentavam vender o jornalzinho da comunidade de desabrigados às pessoas que corriam para pegar a condução... calçadas onde geralmente é proibido trocar com desconhecidos um olhar direto e silencioso por mais de um ou dois segundos.

Meus olhos diziam:

Obrigada. Estou vendo você.

E os olhos deles diziam:

Nunca ninguém me vê.

Obrigado. (A Arte de Pedir, pág. 37)

Ao passo que Amanda fascinava-se com as apresentações, sempre era surpreendida pelas indagações: isso é justo? Estar tirando algo de uma pessoa em troca de uma mísera flor não me torna uma megera sem coração? Pedir é um ato egoísta e desesperado? Mas, bem lá no fundo, a resposta era: não. Não há egoísmo, desespero, imaturidade ou oportunismo em pedir. Pedir demanda doação, e estar aberta a doação significa que outra pessoa receberá algo valioso em troca, mesmo que por poucos instantes.

A troca é a base da convivência humana e, acima de tudo, demanda confiança mútua, a mais pura forma de reciprocidade. Pede-se uma carona quando se está sem carro em um dia de chuva, pede-se a um amigo que revise um trabalho, pede-se amor (o tempo todo), e isso é que move cada ser a continuar nesta imensa jornada rumo ao desconhecido.

A primeira parte do livro encerra-se quando Amanda encontra o Cloud Club, uma espécie de república para artistas de diversos gêneros, e a segunda inicia-se quando ela conhece Brian Viglione, que viria a ser o baterista da The Dresden Dolls, em uma das festas organizadas por Lee Barron, fundador do local. A banda, constituída apenas por Amanda nos vocais e piano e Brian na bateria, foi crescendo aos poucos e conseguiu chegar à notoriedade graças à enorme entrega de ambos, tanto nos palcos de bares, casas de show e residências aleatórias quanto (e especialmente) aos fãs. Amanda nunca teve medo de se jogar, literalmente, no público. Segundo ela, esta é a sua maneira fundamental de dizer confio em vocês.

Os primeiros CDs, as primeiras experiências de shows oficiais, as primeiras fotografias e videoclipes da banda, e até os lugares para dormir entre um show e outro foram conseguidos por meio do pedir. Essa proximidade entre artista e público foi o que moveu (e move até hoje) Amanda a continuar na estrada interminável das trocas humanas e artísticas (em todos os seus shows ela chama artistas variados para se apresentarem com ela antes, durante e após o espetáculo). Desta forma, ganhando aos poucos a confiança dos amigos e dos fãs, que logo se tornaram íntimos da cantora, Palmer criou um exército de pessoas solidárias, que não só ajudavam a ela, como também uns aos outros. Todos fazem parte da mesma teia.

Mas, mesmo sabendo que as trocas feitas por ela e o mundo eram de total autenticidade e livre vontade de ambos, Palmer viu-se muitas vezes a ponto de enlouquecer com o fato de apenas cogitar pedir algo a alguém, como quando entrou em desespero às vésperas de seu casamento com o autor britânico Neil Gaiman. Amanda estava prestes a lançar uma campanha de financiamento online (mais conhecida como “crowdfunding”) na plataforma Kickstarter para seu novo álbum, mas ficou apavorada com a ideia de não arrecadar o suficiente para cobrir os gastos com a equipe e a produção do CD. Neil se propôs a ajudá-la, caso precisasse, mas Amanda tinha medo de a) não conseguir ressarcir o marido, caso o plano falhasse e ela tivesse que pegar seu dinheiro emprestado e b) de Gaiman, em alguma briga futura, lembrar-lhe que a ajudou quando ela estava em apuros. Apesar de aparentar ser extremamente segura, forte e inabalável, a autora mostra-se exatamente como todas as pessoas existentes no planeta: temerosa por, em algum momento de sua vida, hipoteticamente falhar e decepcionar quem ama, e esse é apenas um dos fatores que tornam Amanda um reflexo de seu público. A empatia e a identificação autor-leitor são imediatas.

No entanto, a cantora conseguiu arrecadar mais de um milhão de dólares em sua empreitada pelo árduo terreno do crowdfunding e, finalmente, o álbum Theatre Is Evil (em parceria com a The Grand Theft Orchestra – ela e Brian separaram-se alguns anos depois do início da The Dresden Dolls, por conta do desgaste emocional e físico que ambos sofreram na antiga gravadora da qual faziam parte) foi lançado, o que gerou uma discussão tamanha na internet sobre quem tem o direito de pedir financiamentos online e até onde um artista pode ir em prol de sua carreira. Amanda foi crucificada por esse ato e, até hoje, quem a enxerga de fora não consegue ver que esse valor exorbitante arrecadado (o valor estipulado na campanha era de duzentos mil dólares) é apenas reflexo da confiança e admiração do público para com a cantora e seu trabalho.

Pedir propaga e absorve conhecimento, e toda forma de aprender é válida, mas para isso necessita-se arriscar. Amanda é a prova viva de que isso dá certo: em suas turnês, em diversas partes do mundo, tenta sempre imergir na cultura e na vida de quem a recebe calorosamente, mesmo não conhecendo totalmente a pessoa. Em uma dessas visitas, mais precisamente em uma das suas experiências com couchsurfing (expressão que significa, literalmente, um “surf por sofás”), Palmer e mais quatro amigos (a dupla The Danger Ensemble, uma garota responsável pela venda de ingressos e um homem encarregado de ajustar o som na hora do show) encontraram-se em um bairro pobre de Miami rumo à casa de uma fã que lhes ofereceu hospedagem por uma noite. Ao chegar à casa humilde e aconchegante, Jacky, uma garota de apenas dezoito anos, os recebeu com bastante alegria e tratou de apresentá-los à família. Eles eram imigrantes ilegais de Honduras e Jacky era a única que sabia falar inglês, mas, mesmo assim, todos trataram de receber o grupo de braços abertos e contar-lhes um pouco de suas histórias. Quando foram se recolher, descobriram que a família havia cedido os quartos em que dormiam para eles pernoitarem. Ao deitar na cama do quarto de Jacky e imaginar a garota e a família dividindo o espaço apertado da sala por conta dela, mais uma vez Amanda se questionou: isso é justo? Não conseguia encontrar um motivo para tal atitude daquelas pessoas tão adoráveis, porém, ao se levantar pela manhã, teve uma conversa esclarecedora com a mãe de Jacky; ela agradeceu inúmeras vezes Amanda pela música que fazia, pois ela ajudava sua filha e a deixava imensamente feliz. A cantora percebeu então que sua música era metaforicamente a flor que entregava nos tempos d’A Noiva: a gratidão que sentia naquele momento transbordou e ela finalmente entendeu que o que fazia era uma dádiva mútua.

A narrativa do livro é atemporal e em cada página o leitor se depara com pequeninos capítulos nos quais Amanda relata as diversas histórias vividas por ela, mostrando que sua carreira e vida pessoal são meticulosamente intrínsecas. Algumas pessoas importantes para Amanda e seus respectivos relacionamentos com elas também são relatados, como é o caso do marido Neil Gaiman (os fãs do escritor poderão ter um vislumbre de como Gaiman age fora dos mundos ficcionais que cria, mostrando-se uma pessoa tímida, insegura, mas com um enorme coração compreensivo) e Anthony, seu mentor e pseudo pai adotivo, dono dos melhores conselhos que foram acatados pela cantora durante toda sua vida, e que são levados pelo leitor mesmo depois do fim da obra.

Amanda não escreve simplesmente: ela conversa com cada pessoa que tem o livro em mãos. Cada leitor sente-se visto por ela, como os espectadores d’A Noiva, e a leitura flui não só pelo fato de ser acessível a diversas faixas etárias, mas por ser a vida de muitos pessoas contada em cada linha, em cada apuro, em cada choro e conquista da autora.

Tem que começar pela arte. As músicas precisavam tocar as pessoas, em primeiro lugar, e ter algum significado para elas, para que as coisas funcionassem. É essencialmente a arte, não o artista, que faz nascer a rede. Aí a rede se reforçava e se fortaleceria com um conjunto de trocas e interações que eu mantinha pessoalmente, em shows ou pela internet, com os integrantes da minha comunidade.

Não dava para terceirizar isso. Eu podia contratar ajuda, mas não para fazer as outras coisas fundamentais que criam conexões emocionais: fazer a arte, sentir junto com outras pessoas num nível humano. Ninguém pode fazer isso por mim – nenhuma empresa de marketing pela internet, nenhum empresário, nenhum assistente. Tem que ser eu. (A Arte de Pedir, pág. 112 - 113)

Em um mundo no qual a competição e a soberba reinam incansavelmente, Amanda é uma raridade. A maioria dos artistas preocupa-se apenas com os lucros vindos de sua arte (se é que se pode chamá-la assim) e não se esforçam o mínimo para agradar ao público como a cantora faz. Não há entrega. A relação pessoa-pessoa transcende o nível artista-espectador, e é isso o que torna Amanda única: saber ouvir, olhar nos olhos de quem precisa, abraçar e amar simplesmente move-a a um patamar grandioso, tanto como cantora quanto como ser humano.

“A Arte de Pedir” é um manifesto para que todos saiam de suas nossas zonas de conforto e passem a se arriscar, não sós, mas com a ajuda de outros que estão na mesma belíssima luta diária. A arte, sendo ela um quadro, um texto, uma música, uma comida ou uma programação de computador (como citado pela mãe de Amanda, que foi programadora nos anos 80), deve ser exposta, pois alguém no mundo precisará dela. Como elucidado pela autora, de acordo com o trecho do livro “The Gift”, de Lewis Hyde: “a energia das dádivas de um artista pode despertar as nossas”. Esta resenha é fruto da conexão autor-leitor antes, durante e após a leitura.

Portanto, que a dádiva de Amanda circule.

Aceitem a flor.

A Arte de Pedir Editora Intrínseca Ano de publicação: 2014.

300 páginas

Onde comprar: Amazon

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spiderisa — Wed, 14 Dec 2016 19:17:35 +0000

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spiderisa — Wed, 14 Dec 2016 19:20:18 +0000

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spiderisa — Wed, 14 Dec 2016 19:24:55 +0000

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deliriumnerd — Wed, 14 Dec 2016 19:47:10 +0000

[CINEMA] "O Último Tango em Paris": estupro, silenciamento da mulher e a ausência de punição para agressores

rafaelabn — Thu, 15 Dec 2016 02:00:30 +0000

"O Último Tango em Paris" é um filme de 1972 e já na época ele gerou muito burburinho por conta de seu conteúdo erótico/sexual. Anos depois o filme ficou em meio a uma polêmica, quando a atriz Maria Schneider revelou que houve uma mudança no roteiro e que a famosa cena da manteiga foi inserida no roteiro sem o seu consentimento. Maria acusou Bernardo Bertolucci e Marlon Brando de terem planejado a sequência, mas foi desmentida durante anos, e muitos a trataram como uma jovem atriz desesperada por fama. Maria sofreu de depressão, foi usuária de drogas pesadas, teve que lidar com a lembrança sempre presente de uma cena que ela tanto repudiou ao longo de sua vida e que definiu toda a sua carreira. Maria tinha 19 anos, era o seu primeiro trabalho como atriz, inexperiente, não sabia como se impor diante de um diretor como Bertolucci - já consagrado no cinema - e de um ator como Marlon Brando - cujo nome carregava um enorme peso.

Maria faleceu em 2011 em decorrência de um câncer. Em 2013, Bertolucci em uma entrevista a um canal de TV holandês confirmou o que Maria dizia, mas só em 2016 esse vídeo se popularizou e vem gerando muita revolta. Mesmo assim, vozes em defesa de Bertolucci são muito comuns, a exemplo do diretor espanhol Pedro Almodóvar, que declarou seu apoio recentemente.

https://www.youtube.com/watch?v=Y55GUynuuHY

Durante anos as pessoas me disseram pra assistir a esse filme, justamente por ser uma amante do cinema. Diziam que era um clássico, o tipo de filme que muita gente acredita ser uma “obrigação” assistir. Bom, ano passado resolvi pegar o DVD emprestado e conferir.

Até então eu não sabia sobre a polêmica da cena da manteiga, muito menos do que a Maria Schneider disse a respeito ao longo dos anos, apenas sabia o que tinham me dito vagamente a respeito da obra, mais nada. Comecei a ver o filme sem nenhuma expectativa, apenas sabendo que se tratava de um “clássico do cinema”.

De início, um incômodo: a história do filme demonstra-se um tanto quanto limitada. Um homem, que perdeu a esposa decorrente de um suicídio, e uma mulher, que procura por um apartamento para morar em Paris. Os dois se conhecem, quando ela, Jeanne, vai visitar um apartamento, e ele, Paul, está lá. “Instantaneamente” eles sentem um desejo incontrolável um pelo outro e dão início a uma tórrida relação sexual. Um não sabe o nome do outro, como combinado, é apenas sexo.

A semelhança com as histórias de diversos soft porn é inegável, e esse, porém detém o status de "cult". Algumas cenas depois, mais incômodo: Nudez, mas apenas da atriz. Maria Schneider passa boa parte do filme com alguma parte de seu corpo exposta, na maioria das vezes os seios, enquanto isso, pouco se vê de Marlon Brando, no auge de seus 48 anos. Se foi um filme feito para chocar também, esperava pelo menos que a questão da nudez fosse explorada em ambos os personagens, mas não é isso que acontece e sabemos bem porquê.

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Mesmo incomodada com isso, não dá pra não destacar a beleza de Maria Schneider no filme. Não se vê um grande roteiro, nem diálogos bem elaborados, o filme é mais uma exploração do sexo de diversas maneiras.

Chega então a tal cena da manteiga. Alguns minutos antes, enquanto conversava com algumas amigas, me falaram um pouco sobre a sequência em questão, o que não me preparou inteiramente para o que vi. A forma como tem início já é bem grosseira. Paul nem sequer questiona Jeanne sobre sexo anal, ele segura ela e força o ato usando a manteiga como lubrificante. No rosto dela vemos desespero que causa desconforto, mas não é o tipo de desconforto comum de quando assistimos algo que nos obriga a refletir e aquilo te impacta, foi diferente. Achei a cena pesada e pausei. Comentei com essas mesmas amigas que estava me sentindo mal após assistir a cena, e que achei ela horrível. Uma delas me mandou um texto, e nele tinha o relato de Maria Schneider a respeito da sequência.

Mas espera aí! Sexo sem consentimento é estupro! Não precisa haver penetração, a partir do momento em que o corpo de alguém é usado sem consentimento é considerado como tal. Fiquei enojada. Uma clara cena de estupro romantizada, e não só isso, dois homens planejaram tudo aquilo e acharam que estava tudo bem, que a arte compensa tudo. De forma alguma.

[caption id="attachment_49941" align="aligncenter" width="478"] Marlon Brando e Bernardo Bertolucci durante as filmagens de "O Último Tango em Paris"[/caption]

O filme tem duas horas de duração, pausei tantas vezes que se estendeu para quatro horas. Não conseguia assistir mais depois de ver e saber de tudo aquilo, acabei acelerando várias cenas até chegar no final. Nenhum filme até então tinha me causado tanto asco e nem me impactado tanto de forma negativa.

Maria, tão jovem, iniciante, foi tratada apenas como um objeto cênico que poderia ser utilizada do jeito que o diretor quisesse. Ela era uma mera desconhecida, e para a indústria cinematográfica era "ninguém", comparando-se com Bernardo Bertolucci e Marlon Brando. Bertolucci sabia que qualquer coisa que ela falasse surtiria pouco efeito, e que a grande maioria dos profissionais da área iria apoiá-lo porque ele já conhecia o meio e como as coisas funcionam dentro dele. Por anos Maria foi silenciada, mesmo indo a público dizendo que se sentiu violada ninguém acreditou nela, óbvio. Até sua morte ela repetiu isso e nunca foi levada a sério.

Bertolucci esperou Maria morrer para então confirmar o que ela dizia: que ela não sabia da cena e que ele havia combinado tudo apenas com Marlon Brando. O diretor ainda tentou se fazer de coitadinho ao dizer que chegou a pedir desculpas à Maria Schneider, mas que ela nunca aceitou.

Oportunismo, sim ou com certeza?

Mas não basta falar apenas no Bertolucci porque Marlon Brando também tem grande parcela de culpa nesse caso, até porque o diretor propôs, mas ele podia muito bem recusar fazer, mas não o fez, tornando-se cúmplice da atitude tomada por Bertolucci. Brando não era nenhum iniciante, era um grande astro de Hollywood e podia sim se impor rejeitando, porém achou a ideia do diretor interessante e seguiu adiante.

Triste saber que Maria Schneider passou por tanta coisa e morreu sem receber nenhum tipo de apoio, sem conseguir provar que era verdade tudo o que dizia como acontece todos os dias com mulheres ao redor de todo o mundo, que são silenciadas e desacreditadas quando reportam uma agressão. É ainda mais revoltante ver pessoas achando que essa história é uma grande bobagem, com a defesa de Bertolucci por tratar-se de um diretor premiado e influente, e ainda chamar o caso de sensacionalismo.

Sabemos que o Bertolucci não é o único diretor envolvido em casos polêmicos como esse, a lista é extensa. Citando dois dos mais famosos temos Woody Allen e Roman Polanski, que continuam sendo tratados como grandes profissionais e a indústria simplesmente ignora os atos criminosos que cometeram e as vidas que arruinaram.

Não, não dá pra separar a obra da pessoa. É preciso entender que eles cometeram crimes, não pagaram por eles e continuam por aí, impunes, trabalhando e recebendo prêmios.

Como dizer que luta pelo fim da impunidade, mas não se importar em continuar contribuindo com obras como dos homens citados acima? Será que a vida das mulheres que esses astros arruinaram valem menos do que um Oscar?

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rafaelabn — Wed, 14 Dec 2016 20:59:23 +0000

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rafaelabn — Wed, 14 Dec 2016 21:17:51 +0000

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rafaelabn — Wed, 14 Dec 2016 21:17:52 +0000

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rafaelabn — Wed, 14 Dec 2016 21:19:48 +0000

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rafaelabn — Wed, 14 Dec 2016 21:26:44 +0000

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rafaelabn — Wed, 14 Dec 2016 21:28:07 +0000

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rafaelabn — Wed, 14 Dec 2016 21:31:14 +0000

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deliriumnerd — Thu, 15 Dec 2016 02:18:45 +0000

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naizalves — Thu, 15 Dec 2016 19:29:44 +0000

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naizalves — Thu, 15 Dec 2016 19:29:49 +0000

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naizalves — Thu, 15 Dec 2016 19:29:51 +0000

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naizalves — Thu, 15 Dec 2016 19:29:54 +0000

[QUADRINHOS] Preparem suas katanas e feitiços, que começou a guerra em "Mayara & Annabelle - vol. 3"

naizalves — Thu, 15 Dec 2016 21:59:00 +0000

Mayara & Annabelle estão de volta!

Entre mortos e feridos depois da batalha em Lavras de Pedra Branca, Mayara e Annabelle continuam sua jornada em Aracorós do Sul. Peraí! Você não conhece Mayara Souza e Annabelle Feitosa? Já falamos sobre os dois primeiros volumes aqui, mas vamos recapitular.

Sinopse dos primeiros volumes

Com roteiro de Pablo Casado, desenhos de Talles Rodrigues e cores de Brendda Lima, "Mayara & Annabelle" conta a saga dessas duas funcionárias públicas, que trabalham na Secretaria de Atividades Fora do Comum do Ceará. Após ser quase demitida, a ninja Mayara é transferida a contragosto de São Paulo para Fortaleza, onde as ocorrências de atividades fora do comum são tão baixas que só precisam de 2 funcionários: Miguel, o secretário, e Annabelle, assessora técnica em magia, que se torna sua parceira.

Embora não tenham nada em comum, o trabalho exige que Mayara e Annabelle unam forças para investigar ocorrências inesperadas no estado, o que as leva à Lavras de Pedra Branca. Annabelle então conta a Mayara sobre O Acordo, uma aliança entre famílias de magos e demônios do interior, que mantém a região sem muitas ocorrências, mas esse acordo está por um fio. As duas enfrentam Catarina Ramos, herdeira de uma poderosa família que quer comandar O Acordo e descobrem que as coisas estão mais fora de controle do que imaginavam.

[Aviso: Contém alguns spoilers de contexto, mas nada que comprometa a experiência de leitura.]

Que comecem as tretas familiares

Pois bem, é justamente depois da batalha dura contra Catarina Ramos que começa o volume 3 de "Mayara & Annabelle". E dá uma olhadinha nessa capa, que coisa maravilhosa! Nem vou comentar do vestidinho gótico de Mayara, porque eu tô rindo dele até agora! ♥

[caption id="attachment_49971" align="aligncenter" width="547"] Além dos criadores, dessa vez a capa também traz o nome de Brendda Lima, que assina as cores dos volumes 2 e 3[/caption]

É nesse volume que vamos conhecer a família Feitosa, vulgo pais de Annabelle, que estão metidos até a alma n'O Acordo. Muito fracas e feridas, Mayara e Annabelle se deparam com Adolfo Fontes, herdeiro da família de demônios que comanda O Acordo. É ele que sequestra a dupla e as entrega aos Feitosa em Aracorós do Sul. Ou seja, agora Annabelle precisa enfrentar os demônios reais e seus próprios demônios psicológicos que a levaram a fugir de casa muitos anos antes.

[caption id="attachment_49972" align="aligncenter" width="627"] Antunes e Rafaela Feitosa, também conhecidos como "painho" e "mainha"[/caption]

O volume 1 de "Mayara & Annabelle" é uma introdução para que todos conheçam as meninas e no que elas trabalham. É muito divertido e por isso dá vontade de ler mais. Não por curiosidade de saber como continua, mas por vontade de se divertir mais com as protagonistas. E então nos volumes 2 e 3, Pablo Casado nos entrega um contexto tão bem construído com cidades do interior, brigas de família, tradições e rebeldia, que agora sim vem a curiosidade com força.

O desenvolvimento da série está cada vez mais interessante e tomou um rumo que surpreende, porque não esperamos que a história se aprofunde e ganhe um contexto tão cheio de cuidado. Quando pensamos que a história ficaria no divertido para sempre, mesmo achando maravilhoso, demonstra-se que está divertido ainda!

O desenho de Talles Rodrigues está inspiradíssimo! Parece que ele mesmo foi conhecendo melhor a própria história e enriquecendo os detalhes. O jeitão de mangá continua mais que presente no volume 3, o desenho é pura ação e movimento. E uma novidade desse volume é a presença de vários flashbacks de Annabelle, que apesar de aparecerem em cortes bruscos, não causam nenhuma estranheza ou dúvida, muito por causa do desenho como também das cores. E por falar nas cores...

Vamos apreciar essas cores, por favor! As cores dos volumes anteriores já são incríveis, amamos, somos. Mas quando você acha que não dá pra melhorar, Brendda Lima simplesmente começa a dar seu recado com o nome na capa, porque quando você abre o quadrinho sabe que nada podia fazer mais sentido que isso. Dessa vez, as cores estão um pouquinho mais frias que nos primeiros volumes, com tons de magenta. E como sempre, compõe incrivelmente bem com os traços e estilo do quadrinho. Está tudo lindo nesse volume!

E não podemos deixar de citar o trabalho de George Schall também, que coloriu e diagramou as capas de todos os 3 volumes, além de fazer a arte de um dos pôsteres de recompensa do financiamento coletivo. Os outros 3 pôsteres das recompensas foram criados por Priscilla Tramontano, Talles Rodrigues e Brendda Lima (respectivamente nessa ordem da imagem, começando por George Schall). E todos vão estar à venda logo mais para quem não pôde adquiri-los no Catarse.

[gallery ids="49975,49976,49977,49978" type="rectangular"]

Quanto aos quadrinhos, o volume 3 ainda não está nas lojas, e os volumes 1 e 2 estão esgotados. NÃÃÃÃOOO!!! Mas você pode acompanhar as novidades sobre as vendas na página oficial de "Mayara & Annabelle". E quem apoiou o projeto no Catarse e ainda não recebeu os volumes, não temam! O de vocês está garantido e à caminho.

Enquanto isso, ficaremos aqui imaginando um episódio de Casos de Família, com a família Feitosa e sua filha rebelde, de Aracorós do Sul. Eita, treta!

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naizalves — Thu, 15 Dec 2016 19:29:56 +0000

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naizalves — Thu, 15 Dec 2016 19:30:03 +0000

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naizalves — Thu, 15 Dec 2016 19:30:05 +0000

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naizalves — Thu, 15 Dec 2016 19:30:08 +0000

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naizalves — Thu, 15 Dec 2016 19:30:12 +0000

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deliriumnerd — Thu, 15 Dec 2016 21:54:58 +0000

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camillelegrand24 — Fri, 16 Dec 2016 18:08:21 +0000

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camillelegrand24 — Fri, 16 Dec 2016 18:16:47 +0000

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camillelegrand24 — Fri, 16 Dec 2016 18:24:18 +0000

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camillelegrand24 — Fri, 16 Dec 2016 18:26:38 +0000

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camillelegrand24 — Fri, 16 Dec 2016 18:28:11 +0000

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camillelegrand24 — Fri, 16 Dec 2016 18:30:12 +0000

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camillelegrand24 — Fri, 16 Dec 2016 18:48:51 +0000

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camillelegrand24 — Fri, 16 Dec 2016 18:48:51 +0000

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camillelegrand24 — Fri, 16 Dec 2016 18:48:52 +0000

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camillelegrand24 — Fri, 16 Dec 2016 19:16:35 +0000

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deliriumnerd — Sat, 17 Dec 2016 04:01:33 +0000

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deliriumnerd — Sat, 17 Dec 2016 04:01:44 +0000

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deliriumnerd — Sat, 17 Dec 2016 05:19:59 +0000

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deliriumnerd — Sat, 17 Dec 2016 05:34:35 +0000

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camillelegrand24 — Sat, 17 Dec 2016 17:42:50 +0000

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camillelegrand24 — Sat, 17 Dec 2016 17:42:51 +0000

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camillelegrand24 — Sat, 17 Dec 2016 17:42:51 +0000

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camillelegrand24 — Sat, 17 Dec 2016 17:42:53 +0000

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camillelegrand24 — Sat, 17 Dec 2016 17:42:55 +0000

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camillelegrand24 — Sat, 17 Dec 2016 17:42:56 +0000

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camillelegrand24 — Sat, 17 Dec 2016 17:49:09 +0000

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camillelegrand24 — Sat, 17 Dec 2016 18:02:18 +0000

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deliriumnerd — Sat, 17 Dec 2016 22:53:56 +0000

[CINEMA] "Rogue One": estamos com a Força e a Força está com todas nós!

laisfernandes — Sun, 18 Dec 2016 22:20:42 +0000

No último dia 15 de dezembro estreou nos cinemas brasileiros "Rogue One: Uma História Star Wars" (Gareth Edwards) e, se você está aqui, cara leitora (ou leitor) pode ficar despreocupada com spoilers. No máximo encontrará algumas frases mega empolgadas, já que o filme em questão tirou meu fôlego em diversos momentos (cadê ar depois de uma sequência de explosões e de lutas logo no começo?), mas nada que comprometa a sua experiência com a obra quando também chegar seu momento de apreciá-la na telona.

Fui introduzida de fato ao universo de Star Wars um pouco tarde, mais precisamente no ano passado quando "O Despertar da Força" estreou. Sempre me senti um pouco "peixe-fora-d'água" por saber o mínimo do mínimo sobre cada personagem e encarei a maratona que fiz com todos os episódios como algo sagrado e sério. E não me arrependi em nenhum minuto em ter passado uma semana inteira mergulhada nesse mundo tão plural e fantástico - e consegui compreender a magnitude de tal história e o impacto que causa no coração de cada um de seus fãs (e no meu também, que foi fisgado já nas primeiras cenas de "O Império Contra-Ataca" ).

E ontem foi dia de contemplar um novo filme, com novos personagens, mas com a mesma essência e "carão" da velha guarda de Star Wars. Rogue One não decepciona: tem aventura, ação, intrigas e representatividade na medida certa. Jyn Erso, interpretada por Felicity Jones (A Teoria de Tudo), é extremamente ativa do início ao fim e cumpre com maestria o nosso desejo de ver personagens femininas fortes entrando em cena e mandando ver num cenário predominante masculino - e machista. Particularmente, consegui me arrepiar mais em suas cenas de luta do que nas de Rey (Daisy Ridley) no Episódio VII (e olha que eu também me empolguei MUITO neste último).

E, ainda falando sobre representatividade, o elenco apresenta uma pluralidade étnica que me deixou verdadeiramente orgulhosa (fator este que se sobrepõe aos demais filmes da franquia).

Outros dois personagens novos também me cativaram e ganharam meu coração: K-2SO e Chirrut Îmwe (Donnie Yen). Este primeiro, fazendo parte do "Núcleo dos Robôs Maravilhosos que Amamos Amar" e, o segundo, o guia espiritual que entra em cena não apenas para lutar e resolver a problemática central da trama, mas também para relembrar o tempo inteiro a importância e a necessidade d'A Força dentro de cada um dos personagens (e de cada espectador).

Confesso que estava preocupada com a aparição de Vader (muito se questionou acerca de sua participação no filme, se apenas para agitar os fãs ou se haveria algo relacionado a ele que fosse realmente importante), mas devo dizer que uma das melhoras sequências no final (e a que mais me deixou aflita e com um sorriso imenso estampado no rosto, por conta da beleza da dinâmica envolvida) é total e inteiramente dele. Obrigada por tudo, mas especialmente por isso, Gareth Edwards!

Em tempos como o que vivemos hoje, nos quais lutamos diariamente para sermos salvadores de nossas próprias causas, "rebeldes" dentro de nossos próprios mundos, ver estampada em cada cena a mensagem clara de que nenhuma luta é em vão e que se ainda há esperança, há salvação, é no mínimo emocionante e reconfortante. O filme não é feito apenas para fãs, mas para todos aqueles que também buscam tão arduamente seu lugar de direito neste planeta azul.

E, por último, mas não menos importante:

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laisfernandes — Sun, 18 Dec 2016 22:04:55 +0000

[LIVROS] "João e Maria": Neil Gaiman e a abordagem didática na literatura infantil

laisfernandes — Mon, 19 Dec 2016 04:42:50 +0000

Atualmente, inúmeras são as obras que buscam resgatar clássicos da literatura infantil, em uma nova roupagem que transcende o imaginário coletivo, porém sem perder a magia dos enredos originais. Utiliza-se, para tanto, efeitos visuais (tanto na tela do cinema, quanto nas páginas de uma HQ, por exemplo) e narrativas que chamem a atenção não apenas da criança que, em tese, seria o único público alvo, mas também dos adultos.

Ao comparar o conto João e Maria (ou Hänsel und Gretel, no original), dos aclamados irmãos alemães Jacob e Wilhelm Grimm (Hanau, 4 de janeiro de 1785; Berlim, 20 de setembro de 1863), com suas diversas releituras contemporâneas, vemos claramente a crescente preocupação em adaptar a estória, aparentemente infantil, para um universo mais crítico e criativo, porém cumprindo o mesmo papel de outrora: levar aos lares a moral da luta entre os arquétipos de bem e mal e sua importância na construção da personalidade da criança.

No conto original, somos apresentados a João e Maria, filhos de pais muito pobres, que são deixados pelo pai, a mando da mãe (ora madrasta, em algumas versões), em uma floresta para que se percam e sejam encontrados por alguém (ou talvez devorados pelas feras que lá habitavam), devido à perversidade no coração da mulher ambiciosa, que vê nas crianças um obstáculo para a possível ascensão financeira do marido. O homem, contrariando o instinto de proteger as crianças, cede aos caprichos da mulher e as abandona aos perigos do desconhecido. Tem-se, portanto, o primeiro embate da narrativa: como é possível um pai, com bom coração, fazer mal aos próprios filhos? A resposta para tal questionamento é simples: cada ser possui o bem e o mal dentro de si, agindo de maneira correta ou inapropriada, de acordo com o contexto em questão.

Ao ver-se desesperado pela situação precária em que ele e a família se encontravam, o homem viu no abandono a promessa de uma vida melhor para os filhos, porém não ponderou as possíveis consequências de tal ato. O ensinamento de que os humanos são psicologicamente dicotômicos foi pouco abordado em diversas estórias infantis, pois cada personagem, em sua maioria, possuía apenas uma característica marcante em sua personalidade, não podendo transparecer ser, por exemplo, bom e ruim ao mesmo tempo, em diferentes situações (um exemplo claro de tal aspecto nota-se facilmente nos sete anões de Branca de Neve; cada um deles personifica um sentimento, não havendo espaço para outros – o Feliz é apenas feliz, o Zangado, apenas zangado, etc.).

A velha fingia ser muito boa, mas na verdade era uma bruxa muito má, que atraía as crianças; para isso havia construído a casinha de pão-de-ló. E, quando caía em suas mãos alguma criança, ela matava-a, cozinhava-a e comia-a, e esse dia era para a bruxa um dia de festa. (João e Maria, Jacob e Wilhelm Grimm)

Após ficarem sozinhas na floresta, João e Maria percorrem um longo trajeto até encontrarem uma casa feita de doces. Famintas como estavam, os dois prontamente começam a devorar a casa, o que desperta a ira da bruxa malvada que nela mora. Convidadas pela senhora, aparentemente amorosa, as crianças adentram o local e se deliciam com mais guloseimas, mas demoram pouco para descobrirem a verdadeira face da mulher, que as aprisiona para seu jantar.

O segundo embate ocorre quando Maria vê no forno da cozinha o seu maior aliado para escapar com o irmão das garras da bruxa. A garota pede que a velha ensine-a a entrar no forno, pois não sabia como fazê-lo. Assim, a vilã é trancafiada e morre queimada, possibilitando que as duas crianças fujam. A coragem que Maria, uma simples menina, obteve para matá-la surgiu de uma extrema necessidade de proteger o garoto que seria assado logo em seguida. Ela teve de abdicar de toda bondade e inocência naquela hora, para em legítima defesa conseguir a liberdade. Logo, mostrou um lado inadequado que também faz parte de todas as pessoas, se colocadas em situação de risco, ainda mais quando esta envolve um ente querido, evidenciando que a concepção da condição humana é incontrolavelmente mutável.

O conto termina com os irmãos reencontrando o pai, o que difere do filme "João e Maria: Caçadores de Bruxas" (Tommy Wirkola, 2013), cujos protagonistas têm suas vidas mudadas drasticamente após o episódio. Na adaptação cinematográfica não existe o viveram felizes para sempre. Irmão e irmã passam a caçar bruxas cada vez mais cruéis em troca de recompensas, ao passo que vão perdendo aos poucos a inocência de antigamente, tornando-se, assim, personagens extremamente fortes.

Na trama, os irmãos, interpretados por Jeremy Renner e Gemma Arterton, são contratados pelo prefeito de um vilarejo para investigarem o desaparecimento de várias crianças, supostamente sequestradas por um grupo de bruxas. Com o desenrolar da estória, o espectador descobre que a própria mãe dos protagonistas era uma Bruxa Branca, e foi queimada na mesma noite em que o pai os abandonou na floresta (este enforcado junto à esposa, acusado igualmente de heresia – faz-se então um gancho histórico ao período da Inquisição). A motivação para o abandono, nesta versão, surge por Maria também ser uma Bruxa Branca como a mãe, e seu coração ser requisitado para um feitiço feito por Bruxas Negras em um sabá negro. Novamente, apresenta-se ao público a dicotomia entre bem e mal, porém por meio de argumentos religiosos, visto que a religiões neo-pagãs (como a Wicca, por exemplo) são formadas por bruxas que procuram praticar o bem e a harmonia com a natureza. Outro fator importante fica explícito na autoaceitação de Maria, que, por se descobrir bruxa, passa a não odiar por completo as criaturas que outrora combatia e pelas quais possuía repugnância (tem-se então a transição da condição humana da personagem, uma das peças importantes em uma adaptação contemporânea de contos clássicos).

O filme inteiro apresenta aos espectadores artefatos que fogem ao seu tempo, a Idade Média. João e Maria combatem bruxas com armas muito avançadas, enaltecendo o steam punk, um subgênero da ficção científica. A ação presente nas cenas de caça às bruxas é proposital para chamar a atenção do público mais adulto, bem como as mortes sangrentas que permeiam toda a trama.

Já no livro infantojuvenil João e Maria (Editora Intrínseca, 2015), do autor britânico Neil Gaiman, em parceria com o ilustrador italiano Lorenzo Mattotti, vemos uma brutal e assustadora estória que remonta aspectos da realidade de muitas famílias ao redor do mundo atual: a pobreza como consequência da exploração das classes financeiramente elevadas.

Quando a guerra veio, os soldados vieram com ela – homens esfomeados, furiosos, entediados e assustados que, ao passarem, roubavam os repolhos, as galinhas e os patos. A família do lenhador nunca soube muito bem quem estava brigando com quem, e muito menos o motivo da briga. (João e Maria, Neil Gaiman, pág. 10)

Tal abordagem formula na mente do leitor o senso crítico acerca da sociedade em que vive, pois ao contrário do conto original, que apenas mencionava o fato de a família ser pobre, o livro de Gaiman nos mostra o porquê. Há, portanto, a aproximação criança-mundo, tão importante para o seu desenvolvimento como ser pensante e transformador do espaço em que vive (e, quem sabe, além).

Enquanto na obra dos Grimm há apenas descrições de ações, Gaiman busca dar vida às características psicológicas das personagens, como no trecho a seguir, no qual Hansel acorda no meio da noite com fome e vê no retorno ao sono uma solução para o seu problema:

As crianças dormiam em montes de feno. Os pais, em uma cama antiga que pertencera à avó do lenhador. João acordou no meio da noite com uma dor aguda e vazia na barriga, mas não disse nada, porque sabia que tinha pouca coisa para comer. Ele manteve os olhos fechados e tentou voltar a dormir. Quando dormia, não sentia fome. (João e Maria, Neil Gaiman, pág. 13)

Gaiman consegue captar fielmente a dureza de uma vida precária, principalmente pelos olhos de duas crianças que são privadas até mesmo dos estudos e que, desde pequenas, observam o mundo triste e obscuro em que vivem, comprovado não apenas por trechos como o citado acima, mas também pelas incríveis ilustrações de Mattotti, o qual buscou aguçar o imaginário do leitor e passar a claustrofóbica sensação de vazio e desespero das personagens por meio de ilustras negras, sem nenhum resquício de cor ou felicidade (a grande floresta, citada no começo do livro, serve também como metáfora para a condição social da família, uma vez que este espaço tenebroso os afasta geograficamente do resto do mundo, sendo que eles são encontrados e saqueados apenas quando a guerra se instaura por perto – uma clara alusão à luta de classe que constantemente subjuga os mais fracos).

João e Maria não iam à escola, pois as escolas ficavam muito longe da floresta onde viviam, e ir à escola custava dinheiro, algo que o lenhador não tinha em quantidade suficiente, já que não dá para ganhar muito dinheiro cortando árvores e transportando lenha. (João e Maria, Neil Gaiman, pág. 9)

A simbologia criada por Gaiman nas entrelinhas do texto é de encher os olhos de qualquer leitor de poesia e tristeza. Em certo trecho, o autor utiliza a metáfora de “uma chuva que não parava de cair”, que inundava os campos e matava tudo o que serviria de alimento para os moradores locais, para intensificar a solidão, o luto e a perda, pois este mesmo evento pluvial seria o choro dos vencidos pela guerra.

As crianças seguiram o pai até as profundezas da floresta, passando por árvores de galhos entrelaçados que pareciam mãos cruzadas, com dedos que se cutucavam e se arranhavam. (João e Maria, Neil Gaiman, pág. 20)

As imagens verbalmente formadas mostram quão aterrorizadas as crianças estavam ao saberem que seriam abandonadas pelo pai (João acorda em uma noite e escuta a mãe arquitetando o plano). Quanto mais fundo adentravam a floresta, mais densa e assustadora a paisagem se tornava. Nota-se, portanto, o poder da imaginação das crianças que, já fragilizadas, projetam no ambiente que os cerca o medo e a dor que há muito os perseguia. O próprio local, hostil por excelência, deu a eles uma prévia do que estava por vir:

Chegaram a um rio, e o pai mostrou a eles como atravessá-lo, cruzando por onde o rio era mais raso e as pedras despontavam da água. Os três tiraram os sapatos e os carregaram até chegarem à margem oposta, onde as árvores eram grossas e antigas, retorcidas em formas que pareciam gigantes furiosos, congelados no tempo.

Foram tão fundo na velha floresta que a luz do sol ficou tingida de verde pelas folhas. Abriram caminho em meio aos arbustos, e os espinhos se enroscaram nas roupas deles como se dissessem: “Fiquem aqui! Fiquem aqui!”. (João e Maria, Neil Gaiman, pág. 22)

Gaiman foge ao padrão das narrativas primordiais ao caracterizar a bruxa malvada não como uma mulher de idade avançada com aparência assustadoramente decrépita, e sim como uma velhinha de voz doce e amável, para que haja quebra de expectativas na imaginação do leitor em contato com o texto. Porém, o interior da casa dela é tão aterrador quanto o de outros enredos, por ser ainda mais obscuro, evidenciado mais uma vez pelas ilustras de Mattotti (o local em que João é aprisionado, o celeiro, é o ponto crucial do terror psicológico ao qual as crianças são submetidas: há, por todos os cantos, restos de ossos já mastigados).

Havia apenas um cômodo na casinha. Um imenso forno de tijolos ficava em um dos cantos, e havia uma mesa cheia de delícias de todo tipo: compotas de frutas, bolos, tortas, bolachas, pães e biscoitos. Mas não havia carne, e a velha senhora pediu desculpas, explicando que estava muito velha, e seus olhos já não eram mais os mesmos de quando era jovem, então não conseguia mais apanhar os animais da floresta como antes. Agora, armava uma isca para a presa e esperava, e era comum a armadilha passar o ano inteiro vazia. Os poucos animais que apanhava eram magros demais e primeiro tinham que ser engordados. (João e Maria, Neil Gaiman, pág. 27)

O canibalismo, peça comum em todas as adaptações deste conto, é explicado mais à frente no posfácio do livro (outras estórias também abordavam o tema em sua raiz, como é o caso de "'Branca de Neve" e a rainha má que desejava se banquetear com os pulmões e o fígado da enteada, e "Bela Adormecida", na qual outra rainha perversa tenta servir o príncipe e a princesa em forma de sopa ao rei). A bruxa é colocada na posição de vítima da fome e da guerra, assim como os irmãos e outras centenas de pessoas. Pode-se inferir que a falta de suprimentos necessários para a sobrevivência humana, somada aos horrores dos saques e mortes aos quais o povo fora submetido, tenha afetado psicologicamente a mulher, que de bondosa passa a possuir um extinto animal nunca antes vivenciado, chegando ao ponto de comer pessoas (eis que os próprios soldados, sem forças sobrenaturais, e as classes abastadas da sociedade, cuja sede é de caos e ganância, são os verdadeiros vilões da estória; pois, parafraseando o pensamento incrivelmente lúcido do pensador francês Jean Jacques-Rousseau, "o ser humano nasce bom: a sociedade é quem o corrompe".

Apesar de a gravidade deste fator ser branda na maior parte das adaptações, na versão de Gaiman fica quase impossível não sentir horror pelo ato, devido à posterior construção assombrosa dos fatos que ali se edificam em um clímax.

A história de João e Maria foi publicada pela primeira vez em 1812, na primeira coleção de contos de fadas alemães dos Grimm, Histórias das crianças e do lar. Historiadores acreditam que a origem desse conto pode estar no período medieval, quando a Grande Fome de 1315 levou pessoas comuns a abandonarem os filhos e a se alimentarem de carne humana. (João e Maria, Neil Gaiman, pág. 42)

Outras intertextualidades estão presentes ao final desta magnífica obra de Gaiman. O ato de Maria jogar a bruxa no forno remonta, como no filme de Wirkola, a caça e posterior morte às bruxas durante o período da Inquisição medieval. O material do forno, o ferro, também demonstra a superstição dos povos antigos, por se tratar de um material que, supostamente, afastava os maus espíritos.

Nas últimas páginas do livro, João e Maria finalmente conseguem escapar. Ao reencontrar o irmão, a menina se assusta com o corpo roliço que a criança adquiriu ao passar um mês sendo alimentado pela bruxa. Ela também nota que o garoto não solta o osso que utilizava para enganar a velha, uma metáfora para a força indestrutível que João tirou de dentro de si para vencer a malvada mulher, uma vez que ossos são as partes mais fortes do corpo humano. Neste momento de confraternização, apesar de as crianças estarem momentaneamente catatônicas com todos os abusos sofridos, o sol volta a raiar na narrativa, após um longo período de chuva, mostrando ao leitor o fim de todos os males.

João e Maria vai além de um simples conto infantil com uma ação moralizante: se aprofundado e milimetricamente estudado, encontramos uma crítica velada ao que mais nos assusta no mundo atual: a fome e a violência (sendo ela de diversas formas). Os irmãos são crianças que, como quaisquer outras no mundo, sofreram abusos graves, tanto físicos quanto psicológicos, inclusive dentro da própria família. É importante para as crianças entrar em contato com estórias que, além de um teor fantástico, promovem a visão do mundo real, com todas as suas falhas e injustiças, e, principalmente, saber detectar tais fatores dentro de sua própria realidade. Eis o teor didático da literatura.

João e Maria Editora Intrínseca Ano de publicação: 2015. 50 páginas Onde comprar: Amazon

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laisfernandes — Mon, 19 Dec 2016 00:28:22 +0000

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laisfernandes — Mon, 19 Dec 2016 00:39:47 +0000

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deliriumnerd — Mon, 19 Dec 2016 02:44:13 +0000

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deliriumnerd — Mon, 19 Dec 2016 04:42:30 +0000

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deliriumnerd — Mon, 19 Dec 2016 04:42:55 +0000

[GAMES] "Bioshock": A passagem da utopia para a distopia

spiderisa — Mon, 19 Dec 2016 15:34:57 +0000

Quem nunca sonhou com uma sociedade igualitária? Ou nunca quis um futuro onde a liberdade de se expressar fosse garantida? Ao sonharmos com utopias, podemos acabar vivenciando uma mudança para terríveis futuros distópicos. A sociedade presente em “Admirável mundo novo” ou “1984” já nos mostra como o autoritarismo revestido de uma roupagem diferenciada acaba dando no mesmo fim: uma utopia negativa. E é nessa pegada distópica em que o primeiro jogo da série "Bioshock" é lançado.

A história de Bioshock começa com um cidadão russo que vivenciou a Revolução Socialista, mas não flertava muito com o que era pregado, logo esse cidadão se muda para os Estados Unidos e adota o nome Andrew Ryan. Andrew vai alcançanRapture,do fama e sucesso no país norte americano, e apesar de conseguir sair da Rússia, ainda se decepcionava nos EUA, devido à todo fanatismo religioso presente no país. Com uma utopia de construir uma cidade onde “o artista não temeria censura, o cientista não seria atrapalhado pela moralidade e o grande não seria limitado pelo pequeno”, um lugar onde não haveria a noção de deuses, apenas seres humanos; Andrew usa sua riqueza para construir Rapture, uma cidade submersa.

Os habitantes de Rapture eram selecionados à dedo pelo próprio Andrew, sendo selecionado, em sua grande maioria, cientistas de renome. Estes cientistas rapidamente começaram a se mudar em massa para Rapture, o que ocasionou de diversas pessoas que ajudaram a construir a cidade, ficassem sem moradias. Habitantes com trabalhos ditos “simples”, como limpar e cozinhar, logo foram realojados em uma parte esquecida da cidade, chamada Paupers Drop. Além de ficar afastada de tudo, Paupers Drop não recebia luz solar e rapidamente as pessoas começaram a entrar em depressão. Quando começa a perceber a revolta das pessoas, Andrew contrata uma psicóloga para tratar da “situação” (manobras de um sistema autoritário). Esta psicóloga acaba se tornando uma rival de Andrew e começa a denunciar certas injustiças.

A situação de Rapture começa a mudar quando uma cientista descobre um plasmídeo capaz de dar “superpoderes” às pessoas, manipulando o DNA de seres humanos. Porém, o único organismo que conseguia se adaptar ao plasmídeo ADAM era o de meninas com menos de 10 anos. Os cientistas descobrem que para produzir ADAM em massa precisavam de várias meninas, com isso se aproveitam da pobreza de Paupers Drop e criam um orfanato, alegando que seria para auxiliar as crianças de Paupers Drop. Se aproveitando das crianças, os cientistas finalmente conseguem produzir ADAM para uso comercial, e com isso Rapture passa de um autoritarismo com mesclas de capitalismo, para uma sociedade com traços de anarquismo misturado com um distopia pós-humana.

Rapture é a idealização de um sonho da elite que não dá certo. Observamos como o discurso meritocrático se faz presente no jogo, justificando vidas “que valem mais e outras que valem menos”. Além disso, Bioshock faz uma crítica à busca incansável por riqueza (presente em diversos personagens no jogo) e no velho ditado de “os fins justificam os meios”, onde podemos perceber o nível de depreciação presente em uma sociedade que visa o lucro como força norteadora. A desigualdade social presente no jogo é cuidadosamente desenvolvida e também criticada.

Jogar "Bioshock" é um lembrete para analisarmos como os discursos travestidos de uma falsa igualdade podem representar uma injustiça ainda maior do que as existentes. O objetivismo presente na trama mostra como as corporações são responsáveis por ditar os ramos econômicos e sociais na vida da população. No universo de Rapture temos um dogma: mandam os que tem dinheiro, ou como diria Andrew Ryan “um homem escolhe, um escravo obedece”.

[CINEMA] "Rainha": Sabrina Fidalgo descolore o carnaval através do corpo feminino

samanthabrasil — Tue, 20 Dec 2016 02:28:24 +0000

"Rainha" (2016), sexto curta-metragem escrito e dirigido por Sabrina Fidalgo, é uma epopeia pela jornada de uma mulher cujo maior sonho é se tornar Rainha de Bateria da Escola de Samba de sua comunidade. São raros os filmes brasileiros cujo fio condutor seja o Carnaval visto de uma perspectiva em que a mulher é a produtora de significados e não somente uma portadora de signos, um mero "produto" a ser consumido tanto pelos brasileiros, mas, principalmente, pelos estrangeiros.

Sem qualquer olhar exotizador, em "Rainha" vemos um roteiro que acompanha de perto as agruras e as angústias de uma mulher que malha rigorosamente corpo e mente em busca de um ideal de beleza sempre inatingível e que se vê, ano após ano, sendo derrotada por uma oponente que, dentro dos parâmetros imagéticos impostos pela mídia, estaria "acima do peso ideal". São muitas as questões suscitadas pelo roteiro de "Rainha". Esse embate pela performance corporal e a crítica a um culto ao corpo que aprisiona, demoniza e fetichiza as mulheres seria a chave mais fácil e evidente de apreensão. Mas o cinema de Sabrina Fidalgo nunca fica na superfície, apesar de costumeiramente lidar com temas relacionados ao cotidiano. Não é à toa que para fazer uma crítica social pungente às relações de raça e classe, Sabrina escreveu e dirigiu "Personal Vivator" (2014), uma ficção científica que tinha como principal embate as relações entre patroa e empregada doméstica, dominantes e dominados. Tema este muito espinhoso na sociedade brasileira que vive sob o véu de uma falsa democracia racial e que a diretora aborda através de uma sátira social com muitas camadas e densidade narrativa.

Em seu mais recente trabalho vemos Rita, interpretada magistralmente por Ana Flávia Cavalcanti (atriz-fetiche da diretora), que encarna a mulher negra num processo de empoderamento e que vê na dança a forma de alcançar o seu apogeu. Sabrina Fidalgo levanta neste roteiro um questionamento sobre uma das pautas mais caras aos movimentos feministas que é a questão da sororidade (ou a falta dela) entre as mulheres. O clímax da narrativa ocorre quando há o encontro da protagonista, já consagrada como a Rainha de Bateria de sua Escola, com uma gangue de mulheres que a confronta. Numa mistura de imaginação e realidade, sonho ou delírio, Rita é colocada em perspectiva não apenas por aqueles que a desejam enquanto elemento a ser consumido, como também por aquelas que não suportam vê-la em posição de superioridade. Nesse sentido, o filme causa um certo incômodo desestabilizador, pois nos faz refletir sobre como o racismo e o patriarcalismo estão fortemente marcados e arraigados dentro e fora das quadras de escola de samba, entre homens e mulheres, aportando do micro para o macro, evocando às relações de poder mesmo entre aquelas que estariam aparentemente dentro do mesmo sistema de opressão social.

A acertada opção pelo uso da fotografia em preto e branco que descolore a magia que perpassa o imaginário popular de que o Carnaval é uma grande festa multicolorida, Julia Zakia faz um belo trabalho de luz e sombra que guia a personagem de Rita pelas vielas da cidade, demarcando seus confrontos internos e externos de forma muito eficiente.

A precisão dos enquadramentos jamais objetifica a protagonista, embora a problemática da objetificação do corpo feminino perpasse como tema central de toda a narrativa. E nesse sentido é possível perceber o quanto a diretora foi cuidadosa em suas opções estéticas para retratar os corpos das mulheres em movimento.

A trilha sonora diegética evoca uma exaltação das ancestralidades africanas da personagem como podemos observar na belíssima primeira tomada do filme (que será retomada ao final) em que a mãe da protagonista faz uma reza abençoando e invocando proteção para a filha recém coroada. Some-se a isso ao interessante uso do extracampo para demarcar os sentimentos de Rita através do ótimo trabalho de som realizado por Vitor Kruter, Gabriel Marinho e Beto Mendonça.

Como não podia deixar de ser, a consagração do filme veio em forma de premiação. "Rainha" ganhou o prêmio de Melhor Filme pelo Júri Popular do Panorama Carioca no Festival Internacional Curta Cinema (2016), deixando evidente a marca autoral da diretora e chamando a atenção para o conjunto de sua obra.

É possível ver um diálogo interessante entre a ficção proposta em "Rainha" e o curta-metragem documental "Pele de Pássaro" (2015) onde a diretora Clara Peltier acompanhou, ao longo de um ano, a vida de uma famosa passista de Escola de Samba em suas múltiplas jornadas de trabalho (das quadras aos desfiles e às festas) mostrando e desmistificando como a performance corporal da mulher que é ícone de uma sensualidade marcadamente exuberante pode ser dicotomicamente libertadora e engaiolante ao mesmo tempo. Essa dualidade narrativa, seja na ficção de Sabrina, seja no documentário de Clara, serve como mecanismo de reflexão para apreendermos a complexidade de ser mulher, e principalmente mulher negra, numa sociedade carnavalesca regada a samba, suor e lágrimas.

Ao final da projeção, impossível não correlacionar "Rainha" ao famoso texto em que a feminista Audre Lorde afirma que não existe hierarquia de opressão:

Eu não posso me dar ao luxo de lutar contra uma forma de opressão apenas. Não posso me permitir acreditar que ser livre de intolerância é um direito de um grupo particular. E eu não posso tomar a liberdade de escolher entre as frontes nas quais devo batalhar contra essas forças de discriminação, onde quer que elas apareçam para me destruir. E quando elas aparecem para me destruir, não demorará muito a aparecerem para destruir você.

Aproveite e confira a entrevista na íntegra que realizamos com a cineasta Sabrina Fidalgo, onde falamos sobre a retrospectiva de sua carreira, seus projetos e temas como cinema, racismo e feminismo.

Leia também:

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samanthabrasil — Mon, 19 Dec 2016 17:41:17 +0000

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samanthabrasil — Mon, 19 Dec 2016 17:41:20 +0000

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samanthabrasil — Mon, 19 Dec 2016 17:41:20 +0000

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samanthabrasil — Mon, 19 Dec 2016 17:41:21 +0000

[DESENHO] Gravações de áudio de "Os Incríveis 2" começam

camillelegrand24 — Tue, 20 Dec 2016 15:17:41 +0000

Já havia sido anunciado por Samuel L. Jackson, que deu voz ao super-herói "Gelado" no original, que as gravações das vozes dos personagens da sequência de "Os Incríveis" (2004) haviam começado, mas agora foi divulgada a primeira foto do estúdio.

[caption id="attachment_50530" align="alignnone" width="1080"] "It's about to go down... First recording session for... INCREDIBLES 2!!!!"[/caption]

A foto foi publicada no Instagram do próprio ator há quatro dias e a Pixar ainda não se pronunciou sobre o elenco da sequência, mas é de se imaginar que o elenco original deve retornar em peso. Inclusive Holly Hunter (Mulher-Elástica) também já foi confirmada.

"Os Incríveis 2" tem previsão de estreia para 18 de Junho de 2018.

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camillelegrand24 — Tue, 20 Dec 2016 11:28:05 +0000

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camillelegrand24 — Tue, 20 Dec 2016 11:38:43 +0000

[QUADRINHOS] "Lúcifer": o divino do ponto de vista do profano

karolborges32 — Tue, 20 Dec 2016 15:59:54 +0000

No prefácio da edição número 1 de “Lúcifer”, Neil Gaiman conta como se deram as discussões envolvendo a criação de um possível spin-off da série “Sandman”: sempre que questionado quanto a que personagem ele gostaria de ver em uma série solo, respondia Lúcifer, ao que seu interlocutor nunca se interessava, até que um dia ele foi ouvido, e o antigo rei do inferno ganhou sua própria série - inspiração para a série de TV homônima (Lúcifer - 2015). A série de histórias em quadrinhos foi lançada entre 2000 e 2006, sendo um spin-off da série “Sandman” e acompanha Lúcifer após seu encontro com o Senhor do Sonhar.

[caption id="attachment_50583" align="aligncenter" width="918"] Lúcifer em "Sandman Apresenta: Lúcifer" edição 1, e Lúcifer (Tom Ellis) na série televisiva[/caption]

Escrita por  Mike Carey, a revista teve 75 edições lançadas (precedidas por uma minissérie de quatro edições de 1999, também escrita por Carey, intitulada “Sandman Apresenta: Lúcifer”), sendo publicada pela Vertigo/DC durante a já famosa chefia de Karen Berger como editora. A trama se inicia, como já mencionado, logo após os eventos de “Sandman”, onde (aqui vai um pequeno spoiler) Lúcifer decide fechar o inferno e tirar férias na terra, mais precisamente em Los Angeles.

Contando com muito mais lugares e premissas místicas do que sua contraparte televisiva, “Lúcifer” leva o leitor do céu ao inferno (literalmente), contando com a criação de novos mundos, aparição de diferentes reinos "místicos" (como o Sonhar e o próprio inferno), bem como a participação pequena de alguns personagens que já haviam aparecido em "Sandman".

[caption id="attachment_50608" align="aligncenter" width="657"] Aparição de Lúcifer em Sandman - "Sandman" 23[/caption]

Essa premissa simples (utilizada na série de TV) se desenvolve em uma excelente trama que consegue discutir temas como relações familiares e questões morais relacionadas à ideia de bem e mal (tão cara à lógica cristã). A história ainda serve de palco para personagens muito bem trabalhados que têm em suas recorrências de aparições uma forma de desenvolvê-la e, ao mesmo tempo, de amarrá-la.

O grupo de personagens principais da trama maior conta com Lúcifer Estrela da Manhã, o manipulador anjo caído e ex-senhor do inferno, que agora durante suas férias em Los Angeles dirige um piano-bar com uma clientela diversa, enquanto é mal visto pelo mundo celestial e questionado pelas hordas infernais que deixou abandonadas; Mazikeen ou Maze, a segunda personagem de maior destaque, braço direito de Lúcifer, tem como marca registrada a máscara que cobre metade de seu rosto, é uma incrível guerreira e membro (posteriormente líder) da família do Lilim (demônios filhos de Lilith ‘a primeira mulher de Adão’); Elaine Belloc, uma garota humana que de início acredita ter nascido com o dom de conversar com os mortos, mas que acaba descobrindo que vem de uma ascendência nobre e importante dentro do mundo celestial; Gaudium, um querubim caído que, de início serviu como guarda-costas de Elaine Belloc e posteriormente se torna, junto com sua irmã Spera, amigo da menina e membro do grupo que normalmente presta alguma ajuda a Lúcifer; Jill Presto, ex-assistente de mágico que é possuída (logo nas primeiras edições) por um baralho de cartas ‘vivo’ que lhe concede certos poderes. Jill se vê algumas vezes como inimiga e outras como aliada do grupo liderado por estrela da manhã. Contando ainda com a participação de personagens como os anjos Amenadiel, Miguel e Meleos; o humano morto Christopher Rudd; e a melhor amiga de Elaine Belloc, Mona.

[caption id="attachment_50591" align="aligncenter" width="1062"] No primeiro quadro: Rachel, Spira e Mona sentadas; Elaine Belloc em primeiro plano e Mazikeen com sua máscara. No segundo quadro: Gaudium e sua irmã Spira na forma original. - "Lúcifer" 74[/caption]

Todos esses personagens estão divididos nos diferentes arcos que compõem a história principal (alguns aparecendo antes, outros aparecendo mais), e mantendo certa importância para a trama se desenvolver. Num elenco tão heterogêneo como este, Carey conseguiu estabelecer muito bem o balanço da participação de cada um enquanto trata de grandes temas como a discussão feita nas entrelinhas sobre o lugar de alguém no mundo (ou nesse caso universos), sendo você um anjo caído, um demônio, uma assistente de mágico ou uma garotinha adotada, todos esses personagens ganham um desenvolvimento bem feito, e muitas vezes inesperado, criando laços entre si e se ressignificando o tempo todo.

Carey conseguiu estabelecer nesse universo compartilhado com "Sandman" (e dessa forma com o Universo DC da época) toda uma nova mitologia que colocou, quase que literalmente, todas as 'leis sagradas' de cabeça para baixo, ao dar espaço para que as coisas fossem vistas do ponto de vista do 'filho rejeitado de Deus' e o colocasse como agente de sua própria história.

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karolborges32 — Tue, 20 Dec 2016 13:16:59 +0000

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karolborges32 — Tue, 20 Dec 2016 14:06:18 +0000

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karolborges32 — Tue, 20 Dec 2016 14:12:13 +0000

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karolborges32 — Tue, 20 Dec 2016 14:23:32 +0000

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deliriumnerd — Tue, 20 Dec 2016 23:18:44 +0000

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deliriumnerd — Tue, 20 Dec 2016 23:19:32 +0000

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deliriumnerd — Tue, 20 Dec 2016 23:20:38 +0000

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deliriumnerd — Tue, 20 Dec 2016 23:21:49 +0000

[WEB SÉRIE] Vixen: A “Pantera Negra” da DC

camillelegrand24 — Wed, 21 Dec 2016 03:29:06 +0000

Desde o início da cultura pop, os super-heróis estão presentes. Super-Homem, Batman e Homem-Aranha se tornaram ícones de heroísmo para seus respectivos fãs, marcando não só a infância, mas a própria vida de seu público alvo. Eles tratam de histórias tão interessantes e atemporais que conseguiram permanecer até hoje, trazendo não só desenhos novos, mas filmes e séries de televisão. O interessante, porém, é ver como os produtores – tanto da DC quanto da Marvel – estão se preocupando em trazer personagens “esquecidos” e menos famosos a superfície. A mais recente “vítima” desse ressurgimento é a super-heroína da DC, Vixen.

Sua história se assemelha a de “Pantera Negra” (Marvel Comics) já que ambos vêm de aldeias situadas no continente africano e se ligam a deuses para conseguirem seus poderes. No caso de Vixen, entretanto, seu poder se liga a um totem antigo que carrega uma ligação ao deus Anansi (tal como no livro "Os Filhos de Anansi", de Neil Gaiman), que dá poderes de usar as habilidades de qualquer animal que já habitou a Terra, àquele que o possuir.

Segundo a web série, Mari Jiwe McCabe é uma jovem mulher negra que foi adotada por um casal americano após a morte de seus pais, sendo levada de sua aldeia situada na nação africana fictícia de M'Changa para a cidade de Detroit, Michigan nos Estados Unidos. Antes de ir para os Estados Unidos, porém, ela herda o totem mágico. E é esse o mote de sua história. Ao começar a perambular por aí usando os poderes do totem e combatendo uns criminosos pelo caminho, ela chama a atenção de Arrow e The Flash, que se propõem a ajudá-la em sua jornada.

A diferença dela para heroínas como Supergirl e Batgirl, entretanto, é que Vixen não existe como contraparte de um herói masculino, ela não é como se fosse uma extensão de algum herói do qual veio a variante de seu nome, mas é uma heroína por si só.

Ela traz não apenas o fator mágica ao universo DC, mas também contribui na diversidade do mesmo. Ela foi a primeira negra da DC a ter sua própria série de quadrinhos, e agora será representada não apenas nos quadrinhos e em desenho, mas também em live-action - participando em “DC’s Legends of Tomorrow”.

[caption id="attachment_50093" align="aligncenter" width="548"] Megalyn Echikunwoke interpreta Vixen na versão live-action[/caption]

Essa web série não é a primeira aparição de Vixen nos desenhos televisivos – ela já passou brevemente por “Liga da Justiça” e “Teen Titans” – mas é sua primeira aparição no papel de protagonista, estando a frente de sua própria série.

Além disso, Vixen apresenta uma cultura diferente da branca oriental (que é a regra nos conteúdos culturais). A web série pega emprestado a antiga lenda africana de Anansi, o Deus Aranha (ou Homem Aranha) e adiciona a ela a história de um guerreiro chamado Tantu, que pediu a Anansi o totem que, mais tarde, é dado à Mari.

Talvez isso seja um indício de maior visibilidade, tanto para as heroínas, quanto para os heróis e heroínas não-brancos, quebrando (ou pelo menos tentando) a hegemonia de protagonismo branco e masculino do mundo dos super-heróis.

[ANIMAÇÃO] O moderno comercial de Natal da Sainsbury's

camillelegrand24 — Wed, 21 Dec 2016 14:00:35 +0000

Mais um ano chega ao fim, e com ele são lançados os comerciais natalinos das mais diversas marcas. O comercial em questão é da cadeia de supermercados britânica Sainsbury’s, que fecha 2016 com uma mensagem não só de união (como é típica dessa época do ano), mas de diversidade e aceitação.

O comercial curta-metragem tem como protagonista um homem branco (Dave), que pensa em como aproveitar o máximo do Natal com sua família; família esta, que é apresentada logo no início do curta e é descoberta como inter-racial.

Dave é mostrado como muito atarefado e sufocado em seu trabalho, não tendo tempo para desfrutar da companhia de sua família, já que ele sai cedo para trabalhar e quando volta seus filhos já estão dormindo. Apesar disso, é mostrado que o protagonista ama a sua família e por isso quer dar o melhor presente possível para ela, o que é difícil de achar em meio ao trabalho, as grandes filas de Natal e em voltar para casa. Se apenas houvesse um jeito de ele poder estar em mais de um lugar ao mesmo tempo, certo?

[caption id="attachment_50190" align="aligncenter" width="557"] Dave trabalhando em meio a confusão da fábrica[/caption]

É desse questionamento que Dave tem a ideia de produzir "clones" dele mesmo nos brinquedos da fábrica em que trabalha, pensando que assim teria tempo para procurar o melhor presente possível para sua família.

[caption id="attachment_50192" align="aligncenter" width="557"] Um dos "clones" de Dave no corpo de um cão de brinquedo[/caption]

Chegando a conclusão, porém, que o melhor presente para a sua família é ele mesmo.

[caption id="attachment_50205" align="aligncenter" width="557"] "O melhor presente que eu posso dar sou eu!"[/caption]

A mensagem de união familiar é, com certeza, importante, mas o que chama a atenção é a diversidade de etnias e cores mostrada no desenho. Dave faz parte de uma família inter-racial (sendo sua mulher negra), em seu ambiente de trabalho são mostrados colegas negros, árabes e latinos, e ao longo de todo o curta há a representação de pessoas não brancas nas mais diversas situações e profissões.

Além disso, no fim do curta, aparecem mais famílias além da de Dave: uma família com duas mães, com um pai e uma mãe brancos e com um pai e um avô indianos.

O ano de 2016 foi um de retrocessos, principalmente no Brasil, mas o comercial da Sainsbury's dá a esperança de que nem tudo está perdido ao demostrar diversidade e aceitação ao longo de seus 3 minutos e 35 segundos de duração. Esperemos que ele sirva de modelo, não apenas para resoluções de ano novo, mas para um 2017 mais diverso culturalmente.

https://www.youtube.com/watch?v=bq5SGSCZe4E

[SÉRIE] 3ª temporada de “Black Mirror”: os termos da sociedade de ilusão

athenabastos — Wed, 21 Dec 2016 17:48:34 +0000

No final de outubro deste ano foi liberada na rede Netflix a terceira temporada de “Black Mirror”. Com seis episódios, a temporada novamente foca na relação entre os seres humanos e a tecnologia, que cada vez mais ganha – ou rouba, diante de certa perspectiva – espaço nas vidas contemporâneas. Os episódios variam entre si e entre o que já foi apresentado, de forma a revelar novas problemáticas ou apenas visões do uso constante da tecnologia. Mas o que estes últimos episódios pretendem demonstrar? Mais do que isto, o que eles possuem em comum?

[NÃO CONTÉM SPOILERS]

A terceira temporada de “Black Mirror” foca no medo, um medo que se transforma em variados sentimentos e acarreta em diferentes consequências diante de cenários diversificados. A introdução é feita com o medo ao feio e o julgamento de uma sociedade através do episódio “Queda Livre”. A tecnologia permitiu o julgamento instantâneo da vida. O que antes era restrito ao pensamento torna-se real no mesmo momento através de um aplicativo de votos. O sorriso, a maquiagem perfeita, a simulação de uma vida em troca de votos que oferecerão benefícios na sociedade da hipocrisia. Mulheres contra mulheres por padrões estabelecidos por outros. Não importa o passado ou mesmo os sofrimentos. A realidade é ignorada diante da valorização do supérfluo. Introduz-se a uma vida de ilusões.

A queda é rápida para aqueles que se entregam à ilusão. Qualquer falha é motivo de queda vertiginosa da pontuação, a qual também é utilizada como vingança ou retaliação. Porém, é difícil viver uma vida sem erros. E quando menos se espera, passa-se de uma pontuação 4/5 para uma pontuação 1/5. A ilusão de possuir amigos, influência, casas e amores decai. O que sobra é uma loucura incompreendida por aqueles que permanecem com a lente do julgamento.

A tecnologia ilude, cria uma realidade que, mesmo irreal, torna-se existente, na medida em que é aceita pelas pessoas. Entra, então, a concordância. Se no primeiro episódio a sociedade concorda em colocar as lentes do julgamento para dar notas ao feio e ao belo, no segundo episódio, intitulado “Versão de Testes”, o ser humano concorda em experimentar uma realidade realmente virtual. Agora ele pode enxergar o que deseja enxergar. E se tal tecnologia fosse inserida no episódio anterior, provavelmente as pessoas escolheriam transformar as outras em mais belas – ou não, pois não haveria superioridade e inferioridade. Mas no segundo episódio vê-se justamente o que não se quer ver. O medo é transformado em realidade. A concordância advém da vontade de viver o que não se vive. Mas o medo enlouquece. Viver sob o medo pode ser perigoso.

O medo é também o que move o terceiro episódio, “Manda Quem Pode”. Um jovem possui seu notebook hackeado e se vê exposto a uma rede de chantagens. Como outras pessoas, ele concorda em se submeter às exigências por medo de ter um vídeo revelado. A motivação do medo é suposta desde o início. As exigências são extremas e levam os envolvidos à loucura. Questiona-se, então, se não seria mais fácil desistir e conviver com as consequências de seus atos. O problema é que o ser humano aprendeu a viver escondido sob a máscara da tecnologia, a viver na ilusão da impunidade. Em um dado momento, a tecnologia se vira contra ele, registrando o que não se queria ser descoberto. A privacidade é inexistente. E ainda que seja errado invadir os atos privados de cada um, por que o medo é superior à insanidade das medidas exigidas?

O medo move os seres humanos. Se alguns possuem medo de terem suas vidas reveladas, outros possuem medo de simplesmente perder a vida. “San Junipero”, o mais diverso dos episódios, revela uma possibilidade de criar uma vida aparentemente perfeita e de prolongá-la no tempo. A ilusão pode ser a saída para aqueles que não mais podem viver ou que não viveram suficientemente. É o tempo para libertação e aceitação - como mulher, gay, negro, como ser humano - e para vivência plena. Ao mesmo tempo em que traz ao espectador uma perspectiva positiva da tecnologia através de uma história de amor, o episódio contrapõe viver eternamente e se enganar eternamente, entregando-se a uma vida sem propósitos, e viver limitadamente, mas viver os frutos da incerteza e dos riscos. A vida que todos desejam pode não ser tão real quanto se pode pensar. Ou a realidade é definida pelo que se sente?

A definição do real é colocada em dúvida no quinto episódio, “Engenharia Reversa”. Agora a tecnologia é mostrada como arma militar. Da mesma forma que em todos os episódios, exceto o terceiro, implantes fazem com que o ser humano veja algo que não veria antes. O inimigo é criado. A sensação do medo e do ódio é implantada. E talvez não haja libertação para quem viveu tanto tempo em uma guerra virtualizada. O arrependimento do que se viveu na ilusão pode destruir mais do que continuar nela vivendo.

"Odiados pela nação" finaliza a série. A tecnologia incrementa as armas de julgamento, possibilita trazer o mundo virtual para a realidade, disseca seus medos e seus pecados, oferece uma saída para a sua vida, cria metas, mas cria inimigos, cria vidas e cria mortes. O que muitas vezes se esquece é que a tecnologia não muda por si o pensamento humano, mas é usada como ferramenta da própria loucura humana. E nesta finalização, é usada para trazer a morte. Agora o mundo que começou julgando, julga também quem deve viver ou morrer. A ferramenta criada para auxiliar um mundo em que os seres - não necessariamente os humanos - começam a desaparecer, tem seus objetivos modificados. A internet decide quem será a próxima vítima. Porém, num dia se é o assassino; no outro dia, a vítima odiada.

Como mencionado no último episódio: “há uma visão esquizofrênica do mundo”. A insanidade não advém diretamente do avanço, mas de uma cultura perpetuada pela sociedade, uma cultura que julga, que isola, que cria inimigos entre iguais e que afirma que o irreal é fantástico. O ser humano cria um ideal de vida e se entrega à ilusão, entregando-se também ao domínio de outros - outros que, muitas vezes, constituem um conjunto abstrato de pessoas. A pergunta final é: o que motiva esta sociedade a concordar com os termos da tecnologia e com o controle advindo dela?

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athenabastos — Wed, 21 Dec 2016 11:35:02 +0000

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athenabastos — Wed, 21 Dec 2016 11:36:22 +0000

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laisfernandes — Wed, 21 Dec 2016 14:07:24 +0000

[GAMES] "Undertale": um mix de nostalgia e fofura

spiderisa — Mon, 30 Nov -0001 00:00:00 +0000

Atualmente somos muito acostumadas a encontrar jogos com realidades virtuais em alta definição, gráficos futurísticos e “vidas infinitas” mesmo depois de um “game over”. Quem já jogou algum console antigo, como Atari ou Super Nintendo, deve lembrar de gráficos simples, fases quase impossíveis de completar e aquele sentimento de amor aos games. Mesmo jogando diversos FPS (first person shooter) com cenários de tirar o fôlego, encontramos muita semelhança em um jogo com outro, muitas vezes parece uma série de “mais do mesmo”. Rompendo com todo o estilo de nova era digital, encontramos Undertale, um rpg que todo mundo precisa conhecer!

Undertale é um jogo independente desenvolvido por Toby Fox para Windows e Mac. O jogo foi lançado oficialmente em setembro de 2015 e desde então vem conquistando corações gamers por quem joga. O game se passa em um período onde pessoas e “monstros” travaram uma grande guerra na Terra, deixando a derrota para os monstros e obrigando-os a irem morar no submundo. Logo de início nos deparamos com o protagonista (ou a protagonista ?) de Undertale, Frisk, uma criança andrógena (confirmado pelo próprio Fox em seu Twitter) que acidentalmente vai parar na morada dos monstros.

Frisk encontra seu primeiro desafio ao conhecer Flowey, uma flor que tenta matar a criança, mas é salva por Toriel. Toriel é uma cabra que começa a auxiliar Frisk no decorrer do jogo. Ao longo da história interagimos com personagens incríveis que não serão mencionadas/os aqui por motivos de: spoiler. Diferente de outros games, Undertale oferece possibilidades de não violência contra os adversários do jogo, temos a possibilidade de conversar, fazer piadas e até mesmo flertar com “o inimigo”. A partir das decisões tomadas o final do jogo é afetado/modificado. Então, cuidado! Quando sentir o impulso de kill everybody, lembre-se que cada monstro é importante e tem uma função diferente no jogo.

Undertale é um jogo que consegue fugir dos padrões, te oferece uma jogabilidade de não violência, tem um visual nostálgico estilo Super Nintendo, tem diálogos incríveis com qualquer interação realizada, resumindo, Undertale é cativante. Para quem quer ter uma experiência diferente no mundo dos games, esse é o jogo. Undertale pode ser adquirido na plataforma Steam.

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spiderisa — Wed, 21 Dec 2016 17:36:14 +0000

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spiderisa — Wed, 21 Dec 2016 17:38:33 +0000

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spiderisa — Wed, 21 Dec 2016 17:40:14 +0000

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deliriumnerd — Wed, 21 Dec 2016 19:39:54 +0000

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deliriumnerd — Wed, 21 Dec 2016 21:16:41 +0000

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deliriumnerd — Wed, 21 Dec 2016 21:50:22 +0000

[SÉRIES] 10 Coisas que Fãs de "Game Of Thrones" Entendem

gabsminucelli — Mon, 30 Nov -0001 00:00:00 +0000

A sexta temporada de Game of Thrones foi incrível. A temporada conseguiu amarrar os conflitos anteriores, revelar o passado de personagens, surpreender - e muito - e ainda gerou um grande gancho para a próxima temporada.

Acontece que esse gancho deixou muita gente com comichão. Por isso, o Delirium trouxe uma lista de 10 coisas que os fãs de Game Of Thrones entendem durante esse hiato doloroso.

1 Alguém para esses spoilers pelo amor de R'hllor

[caption id="attachment_46629" align="aligncenter" width="642"] Toda vez que sai um spoiler, é um fio de cabelo a menos.[/caption]

2 Vazou mais alguma coisa. Preciso ver!

[caption id="attachment_46649" align="aligncenter" width="642"] Não tá dando...[/caption]

3 Não vou aguentar um ano. Definitivamente não.

[caption id="attachment_46645" align="aligncenter" width="641"] Que demora é essa? É o inferno na Terra![/caption]

4 Mais uma teoria maluca? Quero!

[caption id="attachment_46656" align="aligncenter" width="643"] Hordor Cavalo, Dragão de Gelo? Quê?[/caption]

5 Cadê esse livro que não sai, em nome d'Os sete?

[caption id="attachment_46630" align="aligncenter" width="642"] Tá demorando muito, quê isso?[/caption]

6 Não fala mal dele (a) de novo!

[caption id="attachment_46638" align="aligncenter" width="641"] Tá louco? Vai falar do meu personagem preferido?[/caption]

7 Spin off da série? Cadê?!

[caption id="attachment_46663" align="aligncenter" width="642"] Será que vai ser d'A Conquista? Dança dos Dragões? Quero.[/caption]

8 Oi, você tem um minuto pra ouvir a palavra de GRRM?

[caption id="attachment_46680" align="aligncenter" width="643"] A noite é escura e cheia de terrores, vem pro lado GRRM[/caption]

9 Falta muito para a 7ª temporada?

[caption id="attachment_46628" align="aligncenter" width="640"] Vem![/caption]

10 Vou maratonar as temporadas anteriores!

[caption id="attachment_46642" align="aligncenter" width="662"] Vou ver até decorar as falas.[/caption]

[GAMES] A representatividade feminina na trilogia "Mass Effect"

letxmotta — Thu, 22 Dec 2016 16:44:13 +0000

"Mass Effect" é certamente uma das trilogias mais aclamadas do mundo dos games, principalmente quando o assunto é sci-fi. O game, que se passa no ano de 2138, coloca o jogador no controle de Shepard, uma soldada de elite que é enviada em missões de exploração pela galáxia em uma nave espacial chamada Normandy. Há a possibilidade de alterar a aparência, gênero, habilidades e até o passado militar da sua ou seu personagem. O título do game, faz referência a uma tecnologia existe no universo do game, que permite as viagens chamadas de Faster than light (mais rápida que a luz).

Com ME, a desenvolvedora Bioware tornou uma forma de entretenimento e passatempo em algo muito maior. Com uma jornada que dura mais de 80 horas, cheias de personagens cativantes, diversidades de planetas e ecossistemas, de raças alienígenas, um sistema de escolhas baseado na moralidade e, principalmente, uma proposta diferente com relação às implicações de gênero, a série apresenta várias personagens femininas fortes, pouco estereotipadas, com origens e personalidades variadas e que, em grande parte, tem bastante relevância para a história principal.

Shepard (''FemShep'')

Não é segredo que a BioWare sempre considerou a ''FemShep'' como uma mera alternativa ao real herói de Mass Effect - versão masculina do Shepard, que era vista em todos os anúncios e em todas as caixas dos jogos. Muito provavelmente, a versão feminina foi criada porque era esperado, uma vez que essa era uma tendência nos RPG's, oferecer ao jogador mais de uma opção de gênero.

Para criar a Shepard feminina, foram utilizados dados de captura de movimentos masculinos, o que fica bastante claro quando analisamos seus movimentos e trejeitos ao longo da trilogia, parecendo que a personagem apenas ganhou uma voz feminina e mais nada. Embora a heroína tenha sido criada como uma versão extra, sendo a opção masculina a genérica, Shepard funciona bem como protagonista, se constituindo como uma das favoritas dos fãs da saga.

Ela é uma mulher, e isso acaba influenciando bastante nas ações em seus relacionamentos e em ocasionais acontecimentos ao longo da jornada, mas são outras características que a tornam especial e admirável - sua força, determinação, sua presença dominante e seu status como o maior campeã da Terra.

Há algo presente nas falas e nas escolhas de Shepard que certamente representam seu poder e que a tornam extremamente bad ass. Seus feitos são reconhecidos como a soma de muitos anos de trabalho duro e talento, e seu gênero nunca foi tratado como um fator limitante. Ela não é simplesmente a mulher certa para o trabalho, mas o ser humano certo.

Liara

Liara T’Soni é uma das personagens mais queridas dentro da série. Ela é tida como uma expert em pesquisa, tendo dedicado grande parte de sua vida estudando sobre a cultura e tecnologia Protheana. Pertencente a uma raça de alienígenas de gênero único, as Asari, nativas do planeta Thessia, são reconhecidas como as mais influentes e respeitadas entre todas as espécies da galáxia. São detentoras de uma fisiologia única, expressadas por um tempo de vida milenar e a capacidade de se reproduzir com um parceiro de qualquer gênero ou espécie.

No primeiro game, por vezes a pesquisadora parece ingênua, indefesa e muito apegada à comandante Shepard, sendo, inclusive, uma das opções de romance para ela. No entanto, é incrivel o desenvolvimento e transformação que a asari ganha ao longo da trilogia, se tornando uma companhia e conselheira quase que indispensável, passando a lidar com conflitos, ameaças, informações sigilosas, ganhando uma postura intimidadora, poderosa e mantendo uma importante rede de contatos.

Infelizmente, muitas asari são vistas como promíscuas dentro do game, justamente por se sentirem livres em expressar sua sexualidade. Uma das grandes críticas feitas à Bioware, nesse sentido, se trata da constante objetificação e sexualização das alienígenas. Parece que o fato de elas terem tanto poder, superioridade intelectual, dominância e influência sobre a galáxia ficam em segundo plano, sobressaindo-se a imagem errônea de uma libertinagem sexual e evidenciando muito mais sua aparência atraente, o que satisfaz as fantasias dos jogadores homens.

Jack

Também conhecida como ‘’Subject Zero’’, é uma notória criminosa conhecida por piratear, sequestrar, atos vândalos e assassinato. Jack é uma humana biótica muito habilidosa, possivelmente a mais poderosa viva. Considerada uma grande ameaça, após sua prisão ela foi mantida numa espécie de sono criogênica. Sua história foi marcada pelo abuso e pelo sofrimento. Quando criança, era frequentemente drogada por cientistas, que a forçavam a lutar com outras crianças a fim de potencializar suas já notáveis habilidades bióticas e, caso ela se recusasse, recebia choques.

Condicionada a matar e tendo sua vida reduzida à um mero projeto, sua história no game é marcada por sede de vingança. A aparência de Jack é incrível e carrega muito de seu passado e sua personalidade explosiva. Cheia de cicatrizes, tatuagens complexas e fascinantes que a cada traço contam sua trajetória, a cabeça raspada e o estilo cyberpunk tornam a biótica uma das personagens mais interessantes e representativas da série.

Embora a maioria dos seus comportamentos sejam agressivos e desconfiados, a criminosa também mostra seu lado mais sensível em vários momentos, principalmente nos diálogos. Ela tem uma série de falas muito interessantes, que demonstram muito de sua força, autonomia e determinação.

A evolução pela qual ela passa ao longo do game é tocante, assim como o apego e amizade que desenvolve por Shepard. Lamentavelmente, Jack é uma opção de romance apenas com a versão masculina de Shepard e isso é uma grande falha.

Além das já mencionadas, a trilogia ainda conta com muitas outras mulheres representativas e importantes para o plot, como Tali'Zorah nar Rayya e Miranda Lawson. É fato que a trilogia Mass Effect não é perfeita, principalmente em razão das diversas falhas apontadas, como a ainda presente objetificação de algumas personagens, que parecem existir para atender as demandas masculinas. No entanto, de um modo geral, a série ainda representa um grande avanço com relação à representatividade do gênero feminino, conseguindo criar e desenvolver personagens fortes - que podem relacionar-se entre si de uma maneira incrível - com peso para a história e que nos cativam com suas falas, ações, seu engajamento e seu empoderamento.

[CINEMA] "Animais Fantásticos e Onde Habitam" - crítica sem spoilers

deliriumnerd — Fri, 23 Dec 2016 05:17:47 +0000

O filme “Animais Fantásticos e Onde Habitam” estreou no Brasil no dia 17 de novembro, e estava sendo ansiosamente aguardado por milhares de fãs no mundo inteiro que sentiam falta do universo bruxo da saga Harry Potter. Dias antes de sua estreia, a notícia de que esse foi o primeiro de uma franquia de cinco filmes mexeu ainda mais com os ânimos de todos.

A história se passa na cidade de Nova York, no ano de 1926, e acompanha a chegada do bruxo britânico Newt Scamander (Eddie Redmayne) aos Estados Unidos. Newt é um magiozoologista e leva em sua maleta diversas espécies de animais raros (de forma secreta, já que é proibido o porte desses animais). Porém uma confusão acontece quando troca a maleta acidentalmente com o não-maj (não mágico, apelido americano para as pessoas comuns conhecidas como “trouxas” no universo Harry Potter) e Jacob Kowalski (Dan Fogler) deixa várias de suas criaturas escaparem pela cidade. Para evitar que isto se torne uma catástrofe, Newt, Jacob, a ex-auror Tina Goldstein (Katherine Waterston) e sua irmã legilimente (termo usado para se referir à bruxos que conseguem ler mentes) Queenie Goldstein (Alison Sudol), saem em busca dos animais. Enquanto isso, o MACUSA – Congresso Mágico dos Estados Unidos da América, lida com um onda de terror, provocada pelo bruxo Gerard Grindelwald (Johnny Depp), que possui um plano para expor o universo da magia a todos os não-majs.

A escritora J.K. Rowling sempre construiu ótimas personagens femininas, o que já foi comentado como um dos motivos para amá-la nesse post. Em Animais Fantásticos, não poderíamos esperar nada diferente disso. Tina é uma figura determinada que almeja sucesso em sua carreira. Tem um cargo importante como auror (profissão bruxa de combate às artes das trevas) porém, foi afastada por falhar em uma missão, e vamos descobrindo o que levou a esses acontecimentos durante o filme. Mesmo assim é ela quem percebe o perigo que os animais soltos de Newt poderiam causar, usando sua coragem para ajudar a capturá-los.

Queenie, a irmã de Tina, é o seu oposto em personalidade. Aparenta ser mais delicada, e logo em suas cenas iniciais, aparece cozinhando e flertando com Jacob. Essas características em nenhum momento desmerecem a personagem, que tem plena segurança de sua sexualidade e também é de grande ajuda para encontrar as criaturas mágicas, sendo tão inteligente e determinada quanto a sua irmã.

[caption id="" align="aligncenter" width="503"] As irmãs Tina e Queenie foram um ponto alto da produção[/caption]

Uma ressalva quanto a personagem Queenie é, porém, o seu relacionamento com Jacob. Essa relação cai na recorrente narrativa de "mulher bonita se apaixona por homem feio" presente em diversos filmes. É claro que para se ter um relacionamento é necessário se olhar além da aparência física do outro, mas a composição da relação entre ambos reforça a concepção de que o homem não tem que fazer o menor esforço para atrair o interesse de uma mulher - por mais bonita, inteligente e, no caso de Quennie, mágica que ela seja - enquanto a mulher permanece tendo que se adequar a padrões de beleza específicos para ser notada. É interessante ver como a repetição dessa "síndrome" é constante, em contraponto as raras vezes em que o contrário ocorre; o mais comum é ver um homem padrão com uma ex fora dos padrões, após esta passar por uma transformação para ficar "adequadamente" bonita.

[caption id="attachment_50976" align="alignnone" width="640"] Queenie e Jacob[/caption]

Outra personagem feminina forte da trama é Seraphina Picquery (Carmen Ejogo), presidente do Macusa. É ótimo podermos ver uma personagem mulher no principal cargo de liderança da comunidade bruxa americana, e sendo Seraphina uma personagem negra, essa representatividade é ainda mais importante. Infelizmente o filme não possui muitos outros personagens negros, e colocar somente uma figura de destaque ainda não é suficiente. Entretanto, nesse pequeno passo vagaroso, Seraphina foi um ponto positivo para a história, não restam dúvidas.

[caption id="" align="aligncenter" width="598"] Seraphina firme e forte como uma boa líder[/caption]

A vilã Mary Lou Barebone (Samantha Morton) consegue ser desprezível com sua perseguição ao mundo bruxo, e mesmo conquistando o ódio do público, desempenha muito bem o seu papel. A personagem é responsável pela violência contra o personagem Credence Barebone (Ezra Muller). O ator Ezra Muller, por outro lado, não cativou muito com seu personagem perturbado, porém, sem conexão com o público.

[caption id="" align="aligncenter" width="529"] Mary Lou e seus filhos tentando convencer que existe bruxaria entre nos no-majs[/caption]

Além da vilã Mary Lou, a representação dos no-majs fica também a cargo de Jacob. É com ele que Newt troca de maletas no começo, dando início a trama do filme. Apesar de ser um personagem claramente carismático, sua representação apresenta sérios problemas. O estereótipo de "gordinho engraçado" se faz presente a todo momento no filme, cabendo a Jacob a maioria das piadas do longa-metragem. Essa caracterização reforça a imagem que diversos personagens gordos em filmes possuem de serem, obrigatoriamente, engraçados, sendo relegados a um simples "fator comédia" nos mesmos.

E agora, chegamos naquele ponto polêmico. Sim, vamos falar da escalação de Johnny Depp.

O ator foi acusado de agressão contra a sua ex-esposa, a atriz Amber Heard, em agosto deste ano. Provavelmente, na época do ocorrido o ator já havia sido contratado ou mesmo realizado as filmagens, e uma quebra de contrato a essa altura custaria um bocado para o estúdio. A indústria cinematográfica Hollywoodiana tem tendência a ser machista e misógina, visto outros casos de atores e diretores famosos que conseguiram se safar de acusações de agressão e abuso (exemplos como Woody Allen, Mel Gibson e Bernardo Bertolucci). J.K. costuma se manifestar em relação a assuntos como homofobia, machismo e racismo, e mesmo que não pudesse mudar a escalação do filme, esperamos que pelo menos mostrasse alguma indignação. Ela, no entanto, declarou estar satisfeita com a escalação de Depp, o que foi um tanto decepcionante para seus admiradores.

É desanimador ver que um caso desse porte não foi suficiente para afastar o ator da trama? Bom, claro que é, mas os protestos em relação ao caso mostram que já não aceitamos nossa causa sendo silenciada. A repercussão negativa tomada pela escolha do ator serve para mostrar aos estúdios que é melhor pensar duas vezes antes de achar que nossa memória é fraca. Agora, aguardaremos para ver se Depp será mantido ou não nos filmes seguintes, apesar de, infelizmente, a probabilidade de ele ser retirado do elenco seja pouca.

Quanto ao veredito, “Animais Fantásticos e Onde Habitam” vale a pena? Vale, muito! O filme é leve e maduro ao mesmo tempo, acompanhando os acontecimentos pós-guerra sem deixar o tom da fantasia de lado. Você pode ser fã incondicional da saga “Harry Potter” e pular de alegria a cada referência, como citações a Alvo Dumbledore, por exemplo, ou nunca ter assistido nenhum dos filmes e ainda assim se encantar com a história e compreendê-la sem maiores problemas.

TEORIA

Logo que saiu a notícia de que “Animais Fantásticos” seria uma série de cinco filmes, e não uma trilogia como se acreditava até então, J.K. foi questionada pelos fãs a respeito. No Twitter, a escritora respondeu com a palavra “cinco” em cinco diferentes idiomas. O primeiro foi inglês, e já temos o primeiro filme que se passa nos Estados Unidos; o segundo foi francês, e sabemos que o segundo filme vai se passar na França (informação já confirmada pelo diretor David Yates); o terceiro idioma foi o alemão; o quarto, português e o quinto, italiano.

[caption id="" align="aligncenter" width="364"] Eis o tweet do alvoroço[/caption]

Sabemos que existe uma escola de magia e bruxaria no Brasil, a “CasteloBruxo”, e informações a seu respeito podem ser encontradas no site “Pottermore”, atualizado pela própria autora. Conhecendo bem essa pessoa, pontos sem nós nunca foram o forte de J.K., que adora relacionar conteúdos e pensa minimamente nos detalhes de sua história. Já foi dito que existem diversas escolas de magia pelo mundo, mas “CasteloBruxo” foi uma das poucas a serem detalhadas no “Pottermore” (por enquanto, é claro). Tudo isso é apenas especulação no momento, mas podemos contar com a teoria de que o quarto filme se passe no Brasil! Só a possibilidade já enlouquece muita gente. Vamos aguardar e torcer!

Texto escrito por Jéssica Confferri e Camille Legrand

[QUADRINHOS] Mulheres nos Quadrinhos: Karen Berger

titanis451 — Thu, 22 Dec 2016 04:19:20 +0000

Mesmo sem nunca ter escrito ou desenhado uma HQ, Karen Berger foi responsável por diversas mudanças no mercado editorial dos quadrinhos. Foi ela a responsável pela criação do selo Vertigo, voltado para leitores maduros da DC Comics, trabalho que lhe rendeu por três vezes o prêmio Eisner de melhor editor de quadrinhos e revolucionou a forma de se fazer HQs.

Nascida em 1958, Karen nunca foi uma grande fã de histórias em quadrinhos quando criança, mas em 1979, logo após conseguir seu diploma em literatura inglesa e história da arte, ela soube de uma oportunidade de trabalho na DC Comics para trabalhar como assistente de Paul Levitz, que editava alguns títulos da casa na época, como "Batman" e "Casa dos Mistérios e dos Segredos" (coletâneas de histórias de terror).

O fato de não ser uma fã de quadrinhos foi fundamental para ela conseguir o emprego, e, para a sorte de Berger, essa foi uma época em que a DC Comics estava apostando em títulos que fugiam um pouco da temática do super herói, assim ela podia se relacionar com as temáticas fantásticas e de mistérios que iam além das hiper-masculinizadas aventuras dos super seres.

Em 1980, a DC começou a apostar em séries de curta e média duração, e Karen Berger ficou responsável pelo título da "Ametista - A Princesa do Mundo de Cristal", uma garota que descobre que as pessoas com quem vive não são seus verdadeiros pais, e que na verdade ela é herdeira do trono de um reino distante e dominado pelo mal.

Karen afirmou que o título da "Ametista" foi o primeiro no qual o fato de ser uma editora mulher fez toda a diferença em seu trabalho, pois ela foi capaz de orientar o roteirista Dan Mishkin sobre a melhor forma de representar uma garota de 13 anos, que descobre o poder de se transformar em uma adulta de 20, ao atravessar um portal mágico para seu reino de cristal. Berger diz ter sido capaz de trazer uma perspectiva feminina para a personagem e assim ajudou a moldar Amy Winston da forma que conhecemos.

Logo depois, Karen começou a trabalhar com dois outros títulos importantes da editora: "A Legião dos Super Heróis", de Paul Levitz e Keith Giffen; e o icônico reboot da "Mulher-Maravilha", escrito e desenhado por George Perez. Aqui, novamente, o fato de ser uma editora mulher fez de Karen a editora certa para o trabalho, pois ela foi capaz de tirar o melhor de Perez e de suas histórias voltadas para o lado mitológico e feminista da princesa amazona.

Vertigo

Durante toda a década de 1980, Berger editou vários títulos da DC Comics, passando por títulos de super-heróis a coletâneas de terror e mistério. Embora diferentes entre si, todos esses títulos tinham em comum o seu lado realista, eram história de pessoas comuns confrontadas com o fantástico, o que para Karen Berger era fundamental para uma boa história.

Foi na última metade da década de 1980 que ela passou a trabalhar com os escritores que formariam a conhecida invasão britânica dos quadrinhos americanos. Alan Moore, Jamie Delano, Grant Morrison, Neil Gaiman, Peter Milligan e Garth Ennis já trabalhavam com Karen nos títulos que viriam a compor o selo Vertigo, criado oficialmente em 1993.

Novamente, o tom realista das histórias era o que chamava a atenção, e os seis títulos escolhidos para fazer parte da primeira fase da Vertigo foram: "Hellblazer", "Monstro do Pântano", "Homem-Animal", "Shade - O Momem Mutável", "Sandman" e "Patrulha do Destino". Com exceção de Delano, todos os outros autores eram praticamente novatos nas histórias em quadrinhos, tendo poucos trabalhos publicados pela editora britânica 2000 A.D. Trabalhar com autores novatos não era desafio para Karen Berger, que por muito tempo foi responsável pelos novos talentos da editora. A escolha por autores estrangeiros permitia trazer aos quadrinhos um novo olhar sobre o mundo, completamente diferente do que havia sido feito até então no mercado americano.

Karen Berger editou o selo Vertigo por 20 anos e foi responsável por vários clássicos da casa como "Fábulas", "100 balas", "Preacher", entre outros. Mas devido a diferenças de pensamento, a relação de trabalho foi se enfraquecendo. Karen sentiu que a DC Comics estava deixando os quadrinhos especulativos de lado, para se focar em produzir cada vez mais material de super-heróis com intuito de suprir a demanda do cinema e de animações, e em 2012 ela deixou seu posto de editora executiva da Vertigo e cortou seus laços com a DC.

Em 2016, Berger retornou à editoria de quadrinhos em um novo endereço, a Image Comics, onde ela pôde voltar a trabalhar com quadrinhos especulativos, que abordam diversos gêneros e temas do jeito que sempre gostou.

Ao longo de sua carreira, Karen Berger abriu portas para escritores e artistas explorarem ao máximo seu potencial criativo em um ambiente sem censuras, e sua influência pode ser sentida em todos os títulos com os quais trabalhou. Como legado, ela nos deixou histórias maravilhosas que transformaram os quadrinhos como um todo.

Quando Karen Berger iniciou sua carreira nos quadrinhos, poucas mulheres estavam envolvidas nos processos de edição, e mesmo hoje - embora o número de mulheres em cargos executivos das editoras tenha aumentado - ainda falta muito para conseguirmos a equidade no mercado, e é por isso que figuras como Karen Berger representam uma grande inspiração para todas as fãs e profissionais de quadrinhos até hoje.

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deliriumnerd — Wed, 21 Dec 2016 23:55:50 +0000

"Animais Fantásticos e Onde Habitam" - crítica sem spoilers

jessicacofferri — Thu, 22 Dec 2016 18:53:20 +0000

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camillelegrand24 — Thu, 22 Dec 2016 20:02:25 +0000

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deliriumnerd — Fri, 23 Dec 2016 05:17:54 +0000

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deliriumnerd — Fri, 23 Dec 2016 05:34:22 +0000

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deliriumnerd — Fri, 23 Dec 2016 05:34:34 +0000

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camillelegrand24 — Fri, 23 Dec 2016 16:34:45 +0000

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camillelegrand24 — Fri, 23 Dec 2016 16:44:10 +0000

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camillelegrand24 — Fri, 23 Dec 2016 16:45:59 +0000

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mahounearrow — Fri, 23 Dec 2016 16:50:48 +0000

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mahounearrow — Fri, 23 Dec 2016 16:52:28 +0000

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mahounearrow — Fri, 23 Dec 2016 16:55:54 +0000

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mahounearrow — Fri, 23 Dec 2016 16:59:05 +0000

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camillelegrand24 — Fri, 23 Dec 2016 17:05:31 +0000

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mahounearrow — Fri, 23 Dec 2016 17:07:59 +0000

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camillelegrand24 — Fri, 23 Dec 2016 17:13:36 +0000

[LIVROS] "Rose Madder": o desabrochar do empoderamento na obra de Stephen King

laisfernandes — Mon, 30 Nov -0001 00:00:00 +0000

Sangrenta

gema de ovo. Um furo queimado

se espalhando no lençol. Uma rosa em

fúria que ameaça florir.

(May Swenson)

Uma ínfima gota de sangue perto de seu travesseiro desperta Rosie Daniels dos 14 anos de um pesadelo muito sólido: os diversos abusos causados a ela pelo insano marido policial, Norman Daniels. A temática da trama de Stephen King lançada em 1995 é atualíssima, brutal e, infelizmente, muito realista: o autor não ameniza as palavras ao esmiuçar para o leitor as violências às quais a protagonista é submetida, fazendo-nos refletir sobre a quantidade infinita de casos parecidos que ocorrem a cada minuto, com diversas mulheres, em nossa sociedade. (Nota: o livro inteiro é um gigantesco trigger warning para quem sofre/sofreu violência doméstica, seja verbal ou física – o prólogo já nos apresenta ao episódio em que Rosie, ao ser espancada, acaba abortando, e dá o tom da angústia e sofrimento que encontraremos ao longo das mais de 600 páginas.)

Rosie sempre foi o arquétipo da dona de casa exemplar. Lavava, passava, cozinhava, mas, mesmo assim, Norman, o típico misógino, homofóbico e racista, encontrava algo que era de seu desagrado para punir a esposa. Vivendo em um ambiente hostil por excelência, a mulher ainda era obrigada a encarar os amigos policiais do marido, que também a constrangiam com toques e olhares maliciosos, tudo isso com a anuência e influência de Norman.

Catorze anos de submissão e agressões diversas fazem com que o conto de fadas do casamento perfeito desmorone gradualmente para Rosie. Perturbada e amedrontada, ela reúne forças que nem mesmo conhecia e abandona o marido ao ver o sangue em sua cama, um prenúncio da morte iminente, levando consigo para um destino incerto apenas as roupas do corpo e o cartão de crédito dele.

Foram quatorze anos de inferno, contando tudo, mas quase não teve noção disso. Na maior parte daqueles anos, ela existiu num nevoeiro tão espesso que era como a morte, e em mais de uma ocasião ela própria teve quase certeza de que sua vida não estava realmente acontecendo, que mais tarde despertaria, bocejando e esticando-se de modo tão gracioso como um desenho animado de Disney. (…) Mergulhara nesse inferno quando tinha dezoito anos, acordando de seu torpor cerca de um mês após seu trigésimo segundo aniversário, quase meia vida depois. O que a despertou foi uma única gota de sangue, não maior do que uma moeda de dez cents. (Rose Madder, Stephen King, páginas 21-22.)

Ao por os pés fora de casa, Rosie encontra um mundo nunca visto antes, perigoso (mas não tanto quanto o próprio lar), no qual há pessoas más, mas também outras capazes de ajudá-la, em sua maioria. Ao ir para o terminal de ônibus de onde mora, compra uma passagem para a cidade mais distante possível e se vê embarcando em uma jornada (felizmente) sem volta. Mesmo atemorizada pela voz de sua consciência avisando que Norman a encontraria (mostrando ao leitor quão manipulador, até indiretamente, o homem conseguia ser), Rosie se vê extremamente feliz por estar livre do horror que vivia e pronta para receber o que o futuro lhe reserva.

É emocionante reparar em como Rosie se torna importante para si mesma e realizada logo que decide ir embora, pois durante anos não teve permissão para tomar qualquer atitude, por menor que fosse, sem o consentimento do marido (sua rotina resumia-se a cuidar da casa e fazer compras – ela só conhecia um pouco mais do mundo pela televisão ou pelos relatos de Norman; não é de se espantar que a protagonista boquiaberta fique e assustada ao se deparar com um mar de pessoas, completamente diferentes entre si, pelos lugares onde passa, já que o conhecimento do próprio mundo que a cercava lhe fora negado). Assim, ela transfere o medo e a dor para um canto parcialmente distante da mente e do coração e inicia um processo de cura emocional proporcionado pela saída de sua zona de pseudoconforto.

Chegando à nova cidade, Rosie encontra Mr. Slowik, responsável pelo balcão de Ajuda aos Viajantes do terminal rodoviário, um senhor muito amável que imediatamente se propõe a ajudá-la, ouvindo toda a sua história e indicando a ela a Filhas & Irmãs, uma fraternidade que acolhe mulheres que sofreram abusos e estão em busca de um recomeço. É a partir deste ponto que a vida da protagonista muda para melhor, de fato. Pela primeira vez em anos, encara ruas desconhecidas (uma passagem marcante do livro é a que ocorre quando, ao sair da rodoviária e passar por um bar, Rosie é assediada verbalmente por um homem às seis da manhã e, apesar do episódio ser revisitado com frequência em seus sonhos seguintes, Rosie não desiste e segue de cabeça erguida em busca do endereço que Slowik forneceu) e deixa sua vida nas mãos de Anna Stevenson, a dona séria e misteriosa da F & I.

– Tenho mais três coisas a lhe dizer – falou Anna. – São importantes, por isso quero que clareie a mente e escute com cuidado. Vai fazer isso?

– Sim – disse Rosie. Estava fascinada pelo olhar azul-claro de Anna Stevenson.

– Primeiro, tirar o cartão de banco não faz de você uma ladra. Aquele dinheiro é seu também. Segundo, não há nada ilegal em retomar seu nome de solteira, ele lhe pertencerá a vida inteira. Terceiro, você pode ser livre se quiser.

Fez uma pausa, olhando para Rosie com seus extraordinários olhos azuis acima das mãos entrelaçadas.

– Está entendendo? Você pode ser livre se quiser. Livre das mãos dele, livre de suas ideias, livre dele. Quer ser isso? Livre?

– Sim – disse Rosie numa voz baixa e oscilante. – É a coisa que mais quero no mundo.

Anna Stevenson debruçou-se sobre a escrivaninha e beijou Rosie suavemente no rosto. Ao mesmo tempo, apertou as mãos dela.

– Então veio para o lugar certo. Bem-vinda ao lar, querida.

(Rose Madder, Stephen King, páginas 84-85)

A fraternidade é o maior ponto-chave no crescimento pessoal e profissional de Rosie. Ao conhecer outras mulheres que passaram por situações parecidas com as de seu passado, a protagonista torna-se exemplo claro do poder transformador que a sororidade pode desempenhar sobre as mulheres, não apenas na ficção como no mundo real. Tendo todo o suporte de mulheres extremamente fortes, como Gert, Cynthia, Pam e a própria Anna, Rosie se dá conta de que há vida além do matrimônio destruído e que ela é autossuficiente e capaz de se reerguer das cinzas (inclusive, volta a usar o sobrenome de solteira, McClendon). Anna lhe arruma um emprego em um hotel e Rosie se vê pela primeira vez dentro do mercado de trabalho, sentindo-se útil não apenas para si, mas também para a sociedade no geral. Ao término de oito semanas na F & I, a protagonista consegue um apartamento simples e passa a viver em paz – até o dia em que Norman encontra seu paradeiro e volta a aterrorizá-la.

A poderosa atração que ele exercia não tinha precedentes na vida dela, mas isso não pareceu fora do comum a Rosie – já vinha levando uma vida sem precedentes há mais de um mês. Tal atração (pelo menos no início) também não lhe pareceu algo anormal. O motivo disso era simples: após quatorze anos de casamento com Norman Daniels, anos em que fora isolada do resto do mundo, não tinha instrumentos para avaliar a diferença entre o normal e o anormal. Sua régua para medir o comportamento do mundo em determinadas situações consistia principalmente de dramas da TV e dos raros filmes a que ele a levava para assistir no cinema. (…) Dentro da moldura fornecida por esses meios de comunicação, a reação de Rosie ao quadro parecia quase normal. Nos cinemas e na TV, as pessoas estavam sempre arrebatadas. (Rose Madder, Stephen King, pág. 116)

O teor sobrenatural muito característico na maior parte das obras de King dá-se por meio de um quadro antigo encontrado por Rosie em uma loja de penhores. Rosie troca seu anel de noivado pela misteriosa pintura Rose Madder, que mostra uma mulher loura, de costas no topo de uma colina, usando um zat vermelho (um vestido curto com manga de um ombro só) e observando um templo incendiar-se logo abaixo. A energia que a peça emana para Rosie é inexplicável, chamando-a e deixando-a sem compreender o poder por trás de tal artigo fascinante (o nome Rose Madder tem duas explicações no livro; a primeira é a de que o nome do tom de vermelho da roupa da mulher retratada, e a segunda é um jogo de palavras: mad, traduzido do inglês, louca, transformaria o nome do quadro em Rose Mais Louca – pela adição da terminação -der ao adjetivo).

Ao passo que coisas estranhas começam a acontecer assim que Rosie leva o quadro para sua nova casa, ela se torna cada vez mais forte e destemida com o passar do tempo, sendo esse objeto outro ponto-chave no despontar de seu empoderamento. Logo, o quadro pode ser lido como um conjunto de simbologias que resumem a força da protagonista, não apenas um toque sobrenatural gratuito.

É também na loja de penhores que a protagonista conhece Bill Steiner, filho do proprietário do local. Os dois se apaixonam e Rosie reaprende a amar e confiar em alguém do sexo oposto, redescobre sua sexualidade há muito fragilizada e ganha um aliado no combate contra Norman. Apesar do romance ser também importante para o florescer sexual e emocional de Rosie, pode-se notar que Bill fica em segundo plano na maior parte do enredo, o que é ótimo, pois King preocupou-se em dar voz ativa e predominante às mulheres da trama – Rosie se entrega de cabeça ao sentimento, recebe proteção, mas não anula a própria personalidade por conta do que sente pelo rapaz, muito menos se torna uma donzela em perigo.

A escrita de King é dinâmica e acessível. O texto tem capítulos curtos que terminam com cliffhangers responsáveis pela leitura fluida, fazendo com que o leitor nunca perca a curiosidade de ler o que virá a seguir. A narrativa é em terceira pessoa, destacando diversas vezes os fluxos de consciência das personagens. Os capítulos de Norman, por exemplo, são extremamente aflitivos e um pouco desordenados para combinar com a mente insana e sádica da personagem, proporcionando ao leitor um mergulho de fato em seu modo assassino de pensar. Há diversas retomadas cronológicas em fatos particulares da vida de Norman e Rosie, a fim de justificar o que ocorre em determinados momentos da trama.

As personagens são bem construídas e cativantes, principalmente as meninas da Filhas & Irmãs – impossível não se apaixonar pelo jeito durão da professora de autodefesa Gert ou pela sensibilidade que contrasta com o visual punk de Cynthia. Todos têm várias camadas de desenvolvimento psicológico elaboradas sabiamente pelo autor.

É fácil odiar Norman já em suas primeiras falas; King não criou um personagem machista e agressor tão complexo gratuitamente ou para enaltecê-lo, mas sim para nos alertar que homens como ele existem aos montes por aí, e pior: mulheres como Rosie também (sobre)vivem e sofrem igualmente, e muitas vezes não têm a mesma sorte de encontrar sua versão de Anna pelo árduo caminho que trilham – ou, na pior das hipóteses, são responsabilizadas pelo sofrimento causado por outrem. Não há culpabilização da vítima neste livro, muito pelo contrário; o autor implicitamente aborda essa temática e demonstra como é desconfortável para a mulher ter tais acusações e questionamentos vindos de quem não faz ideia do que se passa em sua vida, quando Rosie conta, receosa, a Bill todos os abusos que sofreu e espera, aflita, que o rapaz pergunte o porquê de ela ter passado tanto tempo sem fugir. Mas Bill a surpreende fazendo outra pergunta aleatória e o fator não é mencionado sequer uma vez ao longo da obra.

Vale ressaltar mais uma vez que por toda a estória encontramos cenas de extrema crueldade e perturbação psicológica, o que pode chocar o leitor pouco acostumado com o estilo de escrita de King (sim, ele não poupa sangue, violência e sofrimento).

Rose Madder apresenta os opostos de uma insanidade brutal, quase onírica: de um lado, o insano Norman em busca de vingança apenas para apaziguar seu ego ferido; do outro, a insana fúria de Rosie mais forte do que nunca, pronta para apagar de vez os danos do passado – incluindo o próprio causador de todos os males.

Rosie é uma rosa, como o próprio nome sugere. Começa a narrativa despedaçada e destruída, mas desabrocha e vira sua própria heroína ao longo da trama. A afeição causada pela representatividade das personagens femininas, tão machucadas e igualmente poderosas, é imensa. Representatividade importa, sim. Em um mundo onde “Normans” estão sempre à espreita, sejamos todas como Rosie: donas de si, rainhas da cena, lucidamente insanas, buscando dentro de nós mesmas o que nos é mais caro: a força e a coragem de nos reerguermos do caos.

Stephen King é um dos maiores autores do gênero terror/horror contemporâneos ainda vivos. Tem inúmeros livros aclamados (como O Cemitério e O Iluminado), dos quais surgiram adaptações para a TV e o cinema.

Glossário:

Trigger warning: literalmente, “aviso de gatilho”, também conhecido abreviadamente como TW, é o termo que antecede algum assunto que possa ativar e incomodar psicológica e emocionalmente o(a) espectador(a).

Sororidade: ato de colaboração mútua entre mulheres, em busca do apoio ético, social e moral.

Empoderamento: poder e liberdade de atuar plenamente em sociedade.

Misoginia: aversão a todo e qualquer fator relacionado às mulheres.

Rose Madder

Editora Objetiva

Ano de publicação: 2012.

632 páginas

Onde comprar: Amazon

[MANGÁ/ANIME] "Saintia Shô" e a discórdia de Éris em ação

mahounearrow — Fri, 23 Dec 2016 21:35:29 +0000

O final de 2016 para os fãs de Cavaleiros do Zodíaco tem sido bastante agitado ultimamente. Fomos o primeiro país fora do Japão a receber as 12 armaduras de ouro juntas durante a CCXP, tivemos um representante da Toei Animation (a empresa de animação responsável pelo anime clássico e Ômega) dizendo sobre novidades da série.

Ainda em novembro, nos últimos dias, recebemos uma curta notícia que em dezembro a Champion Red, revista da Akita Shoten e atual casa da franquia nos impressos após quatro anos de Shonen Jump e Sueisha, iria divulgar uma grande novidade referente a saga "Saintia Shô".

Se durante os últimos anos você andou afastado do universo cósmico de Cavaleiros, vamos atualizar você!

"Saintia Shô" é um spin-off onde o foco é em uma nova classe de guerreiras, ocorrendo de forma paralela ao clássico (mas atenção, ocorre paralelo ao mangá e não a animação e suas alterações confusas), onde Atena entra em guerra com a deusa maligna Éris, escrita por Chimaki Kuori desde 2013, ao substituir "Episódio G", outro spin off da franquia. Chimaki é conhecida por ter trabalhado em "Gundam Seed".

Mas por que tamanha necessidade de se falar da obra? O anúncio era nada mais nada menos que a adaptação em anime, e com isso vemos o quanto a maioria dos membros do fandom de Cavaleiros do Zodíaco parece ter parado nos tempos de exibição da extinta manchete... Ou na Guerra Santa anterior.

[caption id="attachment_51088" align="alignleft" width="277"] Shoko (ao centro), Kyoko, a irmã de Sho (a esquerda), Mii (a direita) e Saori (ao fundo). Arte extra por Chimaki Kuori.[/caption]

Quando a máscara cai

Como dito acima, Saintia Shô é focado em uma nova classe de guerreiras, as saintias. Consideradas lenda até mesmo entre cavaleiros e amazonas, elas são a guarda pessoal da deusa Atena, cuidando de afazeres de dama de companhia também. Como são um tipo de sacerdotisas, a elas é permitido manter sua feminilidade (diferente das amazonas que precisam abandonar a feminilidade e encarar o uso da máscara para se igualarem aos homens) e devem manter-se virginais como a deusa a quem servem.

A protagonista dessa história é Shoko, uma garota até que comum, que vive com o pai e treina artes marciais com o mesmo. Ela tem uma irmã mais velha, Kyoko, que foi estudar no exterior e nunca mais deu notícias. Um dia ela acorda de um sonho estranho, onde criança, fica presa entre galhos tenebrosos e de uma maçã dourada, uma serpente alada aparece parecendo feliz em achar um corpo para usar. É quando é salva por um homem dourado, que ela não sabe, mas é Milo de Escorpião.

Em sua escola, também “estuda” Saori Kido, a dona da Fundação Graad, que precisa oficialmente terminar seus estudos e cuja empresa foi a que ofereceu a bolsa de estudos a sua irmã, fazendo Shoko buscar pela garota, sem sucesso ao ser barrada por Mii, sua secretária. Sem opção, ela vai para o intervalo, quando misteriosamente os alunos caem em sono profundo e a jovem é atacada por uma falsa aluna, repetindo seu sonho misterioso e assustador. Mas dessa vez quem a salva é... Kyoko! Sua irmã se tornou uma saintia, Kyoko de Cavalo Menor (Equuleus).

E assim, Shoko entra nesse universo fantástico e mitológico, onde mais tarde após um triste fato (a ser lançado no Brasil), irá substituir sua irmã.

Como ficou claro, a obra terá diversos destaques femininos: Shoko de Cavalo Menor, Mii de Golfinho, Xioling de Ursa Menor, Katya de Coroal Boreal e Elda de Cassiopéia, e até mesmo a própria Atena (mais que no clássico) e uma nova amazona, Mayura de Pavão. E isso parece ter irritado muitos fãs que ignoraram o mangá e se revoltaram por essa ser a animação citada de leve durante a CCXP.

Elevando a toxicidade do cosmo

Segundo levantamentos do site CavZodiaco feito esse ano, sabemos que a comunidade de fãs brasileiros é composta por quase 90% de fãs masculinos. E como reflexo da imensa comunidade nerd, não é de se espantar o quanto de machismo rola dentro do fandom de Cavaleiros. A própria obra base não é tão livre disso, apesar de ter tido algum esforço (reza a lenda) do próprio autor ao tentar colocar uma amazona entre a elite do Santuário, o qual foi vetado pela Jump nos idos anos 80. A obra clássica é reflexo da Jump e da sociedade japonesa de seu tempo, que não mudou tanto, mas já não é como hoje.

[caption id="attachment_51095" align="aligncenter" width="590"] Pesquisa realizada pelo site CavZodiaco.[/caption]

O próprio autor quem deu as bases para Santia Shô. Em entrevista para o jornal Le Monde esse ano, durante a Japan Expo na França, Chimaki deu detalhes sobre a participação do autor em seu trabalho, como podemos ver abaixo com tradução de Alan Nicol da Taizen Saint Seiya:

“Ele propôs a ideia de uma nova casta, Saintia, que são meio que vestais da deusa Atena. Como elas se relacionam com ela, não há qualquer justificativa para que elas tenham de usar as máscaras do mundo dos homens. Elas podem, portanto, assumir sua feminilidade.”

Há tempos, Kurumada vinha tentando pegar a fatia de fãs femininas atuais, muito mais seguras de si, que nos tempos onde ele já vinha tentando emplacar uma guerreira poderosa em sua obra, tanto que Yuna em Ômega foi uma personagem pedida para que estivesse entre os protagonistas. Obra, essa, onde tivemos muitas representações femininas dignas e tão odiadas quanto Saintia Shô hoje está sendo, mas isso pode vir para uma pauta futura e com tranquilidade.

[caption id="attachment_51105" align="alignright" width="354"] Anúncio feito na revista . Foto por suwadoru.[/caption]

A fanbase do anime se rachou novamente com a notícia. Muitos destes esperavam uma animação baseada em "Episódio G" (mangá completo que ganhou uma nova temporada em publicação virtual, Assassino) ou "Next Dimension" (continuação oficial do clássico com atualizações capengas e sem lá muita criatividade pois parece uma fase Santuário 2.0). Há também aqueles fãs que aproveitaram para destilar ódio, misoginia e homofobia, relembrando o “odiado” "Ômega", de 2012. E, como sempre, os fãs apelidados por algumas páginas como “manchetossauros”, que se orgulham de terem visto a primeira exibição em 1994 na falecida Manchete e detestam qualquer novidade. É altamente recomendável sequer acompanhar o debate, onde teve casos até de ameaças a integridade física de uma fã da obra (o qual para poupar gatilhos, não será citada).

Parece que mulher não pode ser forte e encabeçar obras shonens que ativam o medo de diversos homens, atacando sua frágil masculinidade e nostalgia.

Há aqueles que consideram a obra feminista, porém o mangá não levanta bandeira alguma, tendo algumas passagens que mostram sim que a obra não é a "coca-cola" toda que muitas militantes insistem em levantar. A própria autora na mesma entrevista deixa claro sua posição quanto a essas afirmações:

“É difícil dizer para mim, porque Saintia Shô não foi criado em resposta a uma demanda específica, mas porque queríamos renovar a série, e que, sendo esta muito masculina, as mulheres eram uma boa maneira de oferecer uma nova leitura. Não houve considerações relacionadas com um engajamento ao feminismo, eu não me considero uma autora engajada, eu não estou tentando colocar as questões políticas no que eu desenho. Foi realmente uma maneira de atualizar a série.”

A obra apenas é protagonizada por meninas fortes, humanas, mas meninas. E tem um arco todo praticamente dedicado aos cavaleiros de ouro (publicado durante a exibição de "Soul of Gold" durante 2015, e foi uma provável forma de ajudar na divulgação do streaming).

Mas se você, leitora, não se sente incomodada, é uma obra digna de leitura. Casa-se perfeitamente com o mangá clássico (que se não conhece, é bom que leia, ou poderá ficar perdido com as informações) e com sua continuação, "Next Dimension". Aqui, os cavaleiros de ouro realmente mostram por que são a elite, e seus trejeitos são os mais fiéis de todas as adaptações e spin-offs existentes. O traço é primoroso, cercado pela linguagem das flores (criado durante a era vitoriana) e há fanservice para ambos os públicos e preferências. Chimaki Kuori está de parabéns ao conduzir sua obra com maestria.

O futuro

Até o momento, apenas há informação de que a Toei Animation estará responsável pelo projeto, e sua provável exibição será para 2017. Não há nada sobre a staff, dublagem ou datas. Por hora, podemos apenas contar com especulações e imaginação, como se irão chamar parte do atual elenco do clássico ou se usarão alguém que tenha participado do Drama CD, como por exemplo, Milo, que tem dois dubladores: Toshihiko Seki (que o assumiu em Hades, jogos e Soul of Gold) ou se chamarão Takahiro Sakurai (que dentro da franquia deu voz a Minos de Griffon em "Lost Canvas" e a Shiryu de Dragão em "Ômega").

Atualmente, Saintia Shô é publicado bimestralmente no Brasil pela editora JBC e agora em dezembro será lançado o volume 2, pelo preço de R$15,90.

Saintia Shô - Volume 1

184 páginas

JBC

Onde comprar: Amazon

Saintia Shô - Volume 2

200 páginas

JBC

Onde comprar: Amazon

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camillelegrand24 — Fri, 23 Dec 2016 17:14:16 +0000

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camillelegrand24 — Fri, 23 Dec 2016 17:15:24 +0000

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camillelegrand24 — Fri, 23 Dec 2016 17:18:52 +0000

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camillelegrand24 — Fri, 23 Dec 2016 17:40:51 +0000

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camillelegrand24 — Fri, 23 Dec 2016 17:50:06 +0000

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camillelegrand24 — Fri, 23 Dec 2016 21:09:34 +0000

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camillelegrand24 — Fri, 23 Dec 2016 21:09:45 +0000

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deliriumnerd — Fri, 23 Dec 2016 21:35:34 +0000

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deliriumnerd — Fri, 23 Dec 2016 21:39:11 +0000

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deliriumnerd — Fri, 23 Dec 2016 21:51:39 +0000

[ESPECIAL NATAL] 2 animações para assistir neste Natal

deliriumnerd — Sat, 24 Dec 2016 19:03:49 +0000

Pensando no espírito natalino e no que representa o Natal, resolvemos trazer duas indicações de animações para assistir com a família (ou sozinha) nessa noite.

A Pequena Vendedora de Fósforos

Essa questão se traduz no curta-metragem "A Pequena Vendedora de Fósforos" (Walt Disney – 2006), baseado no conto de Hans Christian Andersen. Ambientado na noite de Ano Novo, ele trata de uma pobre menina que precisa, sozinha, vender fósforos para sobreviver em meio as frias ruas de uma grande cidade .

A própria questão de uma criança vender fósforos para sobreviver, já introduz a crítica a sociedade capitalista atual, em que é permitido que uns sejam extremamente pobres em favor de outros extremamente ricos. O próprio curta reforça essa questão ao contrastar a imagem da solitária menina com diversas famílias - e principalmente crianças - felizes e bem cuidadas. Ao ver essas pessoas, a pequena vendedora se sente ainda mais sozinha.

Essa solidão, combinada com a fome e o frio intenso, a fazem começar a acender sua mercadoria e a boa sensação trazida das chamas a fazem ter visões da vida que ela deseja ter.

Assistir a uma história como essa na época das festas, não é exatamente o desejado por muitos, mas a questão que ela trata é tao urgente e importante que não devem haver exceções, sendo "A Pequena Vendedora de Fósforos" em clássico natalino que deve ser celebrado, especialmente, pela mensagem que passa a quem o assiste.

Tokyo Godfathers

A segunda animação que apresentamos é "Tokyo Godfathers", animação do estúdio Madhouse, de 2003. O longa tem direção e roteiro de Satoshi Kon e foi distribuído pela Sony Pictures.

O filme é um verdadeiro milagre de Natal, cheio de reviravoltas e situações angustiantes, e é uma ótima opção para se assistir com a família e lembrar o que é realmente importante na noite de Natal.

Sinopse (sem spoiler): A história conta as desventuras de três sem-tetos: um alcoólatra, Gin; uma mulher trans chamada Hana; e uma colegial que fugiu de casa, Myuki, que encontram um bebê recém nascido (uma menina que eles resolvem chamar de Kyoko) na noite da véspera de natal e fazem de tudo para encontrar os pais do bebê.

"Tokyo Godfathers" traz uma ótima reflexão sobre o que realmente importa na vida, e desconstrói ao mesmo tempo diversos estereótipos, mostrando que as pessoas são mais do que as aparências mostram. Durante o longa, conhecemos a história dos três personagens principais, mostrando seus problemas, tristezas e sonhos, enquanto os três buscam encontrar a família da pequena Kyoko.

A animação traz uma belíssima metáfora sobre o nascimento de Jesus, a renovação dos sonhos e a possibilidade de alcançá-los. Não iremos nos aprofundar muito para não estragarmos as surpresas da trama.

https://www.youtube.com/watch?v=vNGiL9UNONU Texto escrito por Jéssica Manhães e Camille Legrand

tihiro2

jazzmanhaes — Sat, 24 Dec 2016 12:59:03 +0000

camillelegrand24 — Sat, 24 Dec 2016 15:36:11 +0000

Existe, na época das festas, um sentimento de leveza, solidariedade e felicidade entre as pessoas, que faz com que esse período seja esperado por muitos. Isso não impede, porém, que assuntos sérios - como a desigualdade social – fugam de críticas mesmo durante essa época. Essa questão se traduz no curta-metragem "A Pequena Vendedora de Fósforos" (Walt Disney – 2006), baseado no conto de Hans Christian Andersen. Ambientado na noite de Ano-Novo, ele trata de uma pobre menina que precisa, sozinha, vender fósforos para sobreviver em meio as frias ruas de uma grande cidade . A própria questão de uma criança vender fósforos para sobreviver, já introduz a crítica a sociedade capitalista atual, em que é permitido que uns sejam extremamente pobres em favor de outros extremamente ricos. O próprio curta reforça essa questão ao contrastar a imagem da solitária menina com diversas famílias - e principalmente crianças - felizes e bem cuidadas. Ao ver essas pessoas, a pequena vendedora se sente ainda mais sozinha. Essa solidão, combinada com a fome e o frio intenso, a fazem começar a acender sua mercadoria e a boa sensação trazida das chamas a fazem ter visões da vida que ela deseja ter. Assistir a uma história como essa na época das festas, não é exatamente o desejado por muitos, mas a questão que ela trata é tao urgente e importante que não devem haver exceções, sendo "A Pequena Vendedora de Fósforos" em clássico natalino que deve ser celebrado, especialmente, pela mensagem que passa a quem o assiste.

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camillelegrand24 — Sat, 24 Dec 2016 15:34:29 +0000

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deliriumnerd — Sat, 24 Dec 2016 18:59:54 +0000

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deliriumnerd — Sat, 24 Dec 2016 19:01:53 +0000

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dragoesencaixotados — Mon, 26 Dec 2016 17:03:24 +0000

becky_cloonan

dragoesencaixotados — Mon, 26 Dec 2016 17:03:25 +0000

lizzydalloway — Mon, 30 Nov -0001 00:00:00 +0000

Esses tempos estava rolando uma enorme nostalgia com o revival de Gilmore Girls, e eu fiquei pensando em algumas séries mais antigas que é simplesmente amor. A netflix contribui muito para sessões de nostalgia colocando em sua grade, títulos como: Freaks and Geeks, Thats 70 Shows, The O.C, Friends e a nossa amada Gilmore Girls. Pensando nisso e sentido essa mágica nostalgia, resolvi fazer uma lista com séries que irão trazer esse sentimento horrível e maravilhoso para o seu final de ano. Friends A série irá retratar a vida de seis amigo tentando lidar com seus sentimentos, enfrentar a vida adulta e os problemas que a cercam, mas além de tudo, irá contar como amigos podem ser sua segunda família. Se você existe no mundo, você já deve ter assistido Friends na TV. Uma das séries mais reprisadas, deve ser essa. A série acabou em 2004, mas vive nos corações dos fãs mundo afora e nas reprises da Warner. Tem serie mais nostálgica? Gilmore Girls A série que retratava a vida e as relações entre si das três gerações das meninas Gilmore, chegou no Brasil, com o título "Tal mãe, Tal filha". O relacionamento utópico das primeiras temporadas de Lorelai e Rory, contrastava com o relacionamento tão verdadeiro de Emily com Lorelai. A série foi encerrada em 2007, mas ganhou um revival em 2016 e só pela animação dos fãs, já podemos ver que até hoje essa série está na lembrança dos fãs. Alias, quer um café? Freaks and Geeks Essa é uma daquelas séries que conta as dificuldades da adolescência, das mudanças que passamos nesse época tão difícil da vida. Lindsay está descobrindo um modo mais livre de se viver e deixar para trás o jeito tão regrado que seus pais usam na vida dela. Já Sam, um geeek de primeira, está tentando se achar nessa selva que é a adolescência. Já falei mais dela aqui. The O.C A serie retratava a vida de quatro jovens, vivendo altas loucuras em Orange County. Se alguém perguntasse para você "você se identifica com a vida deles?", acho que a resposta seria um grande "não". A série não ganha pontos pela identificação com a vida desses personagens, até porque estamos ainda nessa vida de os "sem money", mas um dia chegamos lá. O interessante, era a crianção dos personagens, que acabavam sendo encantadores. Essa série parece a música de Roberto Carlos "Se chorei, se sorri, o importante é que emoções eu vivi" Buffy A Caça Vampiros Nessa série você encontrava muito girl power. A serie fala sobre Buffy e seu grupo de amigos que estão passando por uma das fases mais complicada da vida, aquela que enfrentamos vampiros, demônios, entre outros seres não recomendáveis. Se você quiser uma segunda parte de séries nostálgicas, compartilhe e divida com os amigos. Não deixe também de dizer qual série você sentiu falta nesta lista, para uma próxima, ela estiver incluída.

[QUADRINHOS] 5 escritoras que estão desafiando o cenário machista

dragoesencaixotados — Mon, 30 Nov -0001 00:00:00 +0000

Embora o meio dos quadrinhos ainda seja predominantemente machista, podemos ver a mudança acontecendo aos poucos com a grande repercução de heroínas como Ms. Marvel, que teve seu quadrinho entre os mais vendidos da Marvel e os novos quadrinhos da Thor, que vendeu mais que o antigo personagem. Também teremos finalmente as adaptações de Mulher Maravilha e Capitã Marvel para o cinema, e esse ano tivemos a história da Harpia que falou diretamente sobre sexismo nos quadrinhos (e teve uma grande repercussão por causa disso). Esse post traz uma lista de 5 escritoras de quadrinhos que tiveram uma participação importante nessa mudança de cenário.

G Willow Wilson

gwillowwilson.com

Willow nasceu na Nova Jersey em 1982 e se converteu ao islamismo enquanto cursava faculdade em Boston. Começou a carreira de escritora em um jornal de Boston escrevendo sobre música, passando depois por uma série de outros jornais. Ela viveu algum tempo em Cairo, no Egito, que rendeu o livro "A Leitora do Alcorão", onde conta sobre seus estudos do islamismo na faculdade, sua decisão de morar no Egito e a conversão ao islamismo, assim como os choques culturais e as dificuldades encontradas no trajeto.

No meio dos quadrinhos, ela passou por edições de alguns heróis na DC, como Aquaman e Super Homem e escreveu uma minissérie sobre a Vixen. Mas se popularizou mais pelos trabalhos na Vertigo, "Air" e "Cairo".

"Air" possui 24 volumes e conta a história de Blythe, uma comissária de bordo que tem acrofobia, o medo de locais altos. A história começa quando Blythe é enganada e acaba envolvida em um plano terrorista. Depois de conseguir escapar com a ajuda de Zayn, eles acabam na cidade de Narimar, um local que não aparece nos mapas desde a divisão da Índia em 1947. A história explora viagens dimensionais, ficção científica, tecnologia e religião. Já "Cairo" trata de um grupo de seis pessoas que encontram um narguile roubado e acabam envolvidos com um mundo espiritual e um gênio.

Mas seu maior destaque vai para a criação da Kamala Khan, a nova Ms. Marvel. Ela apresentou uma palestra no TED onde conta sobre a criação da personagem, as expectativas que tinham e sobre a surpresa quando a revista foi (muito) melhor recebida do que imaginavam, chegando a ser a revista digital mais vendida da Marvel. Além de outros quadrinhos da Marvel, ela também participou de "A-Force", que traz um grupo composto apenas por heroínas.

(vídeo em inglês)

[youtube https://www.youtube.com/watch?v=piWo4200G0U?rel=0]

Willow vem ganhando prêmios desde 2012 pelo seu romance "Alif, O Invisível", e em 2015 ganhou o Hugo Awards de Melhor História em Quadrinho pela história "Nada Normal" da Ms. Marvel e em 2016 o prêmio Dwayne McDuffie Award for Diversity também pelos quadrinhos da Ms. Marvel.

Gail Simone

happystains.blogspot.com.br

Gail nasceu nos Estados Unidos em 1974, cursou faculdade de teatro e trabalhou como cabeleireira antes de se tornar escritora. Ela começou a se destacar com o site Women in Refrigerators em 1999, um site que se dedicava a identificar personagens femininas que haviam sido mortas, estupradas ou passavam por demais experiências traumáticas como forma de enriquecer ou dar sentido à história de algum personagem masculino. O nome se dá pela cena na edição #54 do Lanterna Verde, onde Alexandra DeWitt, namorada do herói, é assassinada e colocada dentro da geladeira dele.

[caption id="attachment_51527" align="alignleft" width="275"] Cena de Lanterna Verde #54[/caption]

Depois disso ela trabalhou com a Bongo comics, escrevendo quadrinhos baseado em "Os Simpsons", e com a Marvel, escrevendo histórias para "Deadpool" e "Agent X". Mas o seu destaque foi na DC com o quadrinho "Aves de Rapina", um grupo de super-heroínas formado por Oráculo, Canário Negro, Caçadora e Falcão Negro. Gail assumiu o quadrinho na edição #56, quando a série passava por um momento de incerteza e corria o risco de ser cancelada. Gail introduziu a Caçadora no time, reforçou a amizade entre as personagens e revitalizou o título.

Depois disso trabalhou em uma série de outros títulos, como:

Action Comics
Villains United
Sexteto Secreto
Rose and Thorn
Killer Princesses
Red Sonja

Também participou da criação de Ryan Choi, novo Eléktron e de "Welcome to Tranquility", que traz uma comunidade de aposentadoria para super-heróis. Além disso, foi a mulher a ficar mais tempo responsável pelas histórias da Mulher Maravilha, e em 2011 contribuiu para o projeto "The Power Within", que focava em bullying e adolescência.

Nos Novos 52 ela ficou responsável pela Batgirl, onde Barbara Gordon volta a caminhar depois de uma cirurgia, trazendo um história que explora temas como estresse pós-traumático e síndrome do sobrevivente.

Kelly Sue DeConnick

kellysue.tumblr.com

Kelly Sue nasceu em Ohio em 1970, graduou em teatro na Universidade do Texas e trabalhou por um tempo no site Artbomb catalogando histórias em quadrinhos. Depois, trabalhou como auxiliar na tradução de mangás, onde ela precisava garantir que a tradução dos diálogos mantinha o sentido original das conversas e fazia sentido em inglês.

Seus destaques vão para duas histórias publicadas pela Image Comics, "Pretty Deadly" e "Bitch Planet" e pela transformação de Carol Danvers em Capitã Marvel.

"Pretty Deadly", ainda em publicação, mistura terror com mitologia em uma história passada no século XIX. "Bitch Planet", também em publicação, chamada de distopia feminista, traz uma prisão feminina localizada fora do planeta, para onde são enviadas mulheres "não-complacentes". A história alterna entre o presente na prisão e o passado das detentas, mostrando como cada uma delas acabou lá.

Em 2012, Kelly assumiu a história de Carol Danvers, que tomava o manto de Capitã Marvel. A nova fase da personagem teve uma boa recepção e adquiriu uma grande quantidade de fãs fiéis que se denominaram Carol Corps, e a personagem veio a ganhar um papel importante na Guerra Civil II, último grande evento da Marvel.

A autora também trabalhou em uma série de outros quadrinhos, como:

Osborn
CBGB
Supergirl
Ghost

Alison Bechdel

dykestowatchoutfor.com

Alison nasceu na Pensilvânia em 1960 e graduou em artes de estúdio e história da arte na universidade de Oberlin. Ela começou trabalhando em um jornal feminista chamado WomaNews (que ainda possui seus arquivos disponíveis) publicando tiras, que mais tarde vieram a originar a série "Dykes to Watch Out For", mesma que deu origem ao Teste de Bechdel.

"Dykes to Watch Out For" foi publicado entre 1983 e 2008, se encontrando atualmente em um hiato sem previsão de volta. A história é contada em tiras, e traz um grupo de personagens com personalidades diferentes, sendo a maioria delas lésbica. As tiras focam na questão da sexualidade e teve boa recepção, tendo sido publicada em diversas revistas com temáticas LGBT ou feminista.

Depois, Alison publicou "Fun Home: A Family Tragicomic", onde narra sua infância e fala sobre o suicídio de seu pai, um veterano de guerra, e os efeitos disso em sua família, tratando também de questões como sexualidade e papeis de gênero. "Fun Home" teve uma boa recepção e ficou duas semanas entre os best-sellers de não-ficção do New York Times, ganhando também uma adaptação em formato de musical em 2013 feita por Lisa Kron e Jeanine Tesori, que venceu cinco Tony Awards, incluindo o de Melhor Musical.

Enquanto "Fun Home" foca na relação com seu pai, "Are You My Mother?: A Comic Drama" tem como principal a relação com sua mãe, uma atriz que não demonstrava muito afeto pelos filhos e não parecia feliz no próprio casamento. Ela faz uma série de análises psicológicas que buscam explicar a complexidade de sua infância, analisando seus sonhos e citandoautores como Donald Winnicott, Adrienne Rich, Virginia Woolf e Freud.

"Fun Home" recebeu dois prêmios em 2007, Eisner Award por Best Reality-Based Work e o Stonewall Book Awards - Israel Fishman em não-ficção. "Are You My Mother" venceu o Judy Grahn Award para não-ficção lésbica em 2013. Além dos prêmios recebidos pelas obras em específico, Alison recebeu o Bill Whitehead Award por Lifetime Achievement da Publishing Triangle em 2012, o MacArthur Fellowship em 2014, que premia trabalhadores de qualquer área, buscando pessoas originais e dedicadas em suas buscas criativas, o International Forum for Psychoanalytic Education Distinguished Educator Award em 2013, Lambda Board of Trustees Award for Excellence in Literature em 2014 e o Erikson Institute Prize for Excellence in Mental Health Media em 2015, que premia escritores, jornalistas ou produtores que criam trabalhos sofisticados e acessíveis sobre saúde mental.

Becky Cloonan

www.beckycloonan.net

Becky nasceu em Pisa, na Itália em 1980 e frequentou a Escola de Artes Visuais de Nova Iorque. Além de escrever, ela também fez a arte de alguns de seus trabalhos. Ela começou trabalhando com minicomics, que foram mais tarde publicadas na antologia "Meathaus".

Em 2003, começou a trabalhar com Brian Wood ilustrando "Channel Zero: Jennie One" e "Demo", um quadrinho com 12 volumes que veio a ser o seu trabalho mais popular.

Em 2006 foi publicado pela Tokyopop seu primeiro trabalho solo, "East Coast Rising", um quadrinho em estilo de mangá onde ela trabalhou tanto na escrita como ilustração. A história acompanha um grupo de piratas na costa leste dos Estados Unidos em um universo onde Nova Jersey e Nova Iorque estão submergidas.

Em 2012, entrou para o time de Batman, ficando responsável pela arte e sendo a primeira mulher a desenhar o título principal de Batman. Em 2013, fez a arte pra o quadrinho "The True Lives of the Fabulous Killjoys", escrita por Gerard Way e Shaun Simon.

[caption id="attachment_51521" align="alignnone" width="1273"] Arte de The True Lives of theFabulous Killjoys[/caption]

Entre outros títulos em que ela trabalhou estão:

Nebuli
MINIS
Pixu
Buffy the Vampire Slayer: Tales of the Vampires
American Vampire Anthology
Gotham Academy
Marvel Knights: Strange Tales II
The Punisher v11

Veja também:

[QUADRINHOS] Mulheres nos Quadrinhos: Karen Berger

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dragoesencaixotados — Mon, 26 Dec 2016 17:03:27 +0000

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dragoesencaixotados — Mon, 26 Dec 2016 17:03:34 +0000

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dragoesencaixotados — Mon, 26 Dec 2016 17:03:36 +0000

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dragoesencaixotados — Mon, 26 Dec 2016 17:03:37 +0000

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dragoesencaixotados — Mon, 26 Dec 2016 17:03:38 +0000

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dragoesencaixotados — Mon, 26 Dec 2016 17:06:49 +0000

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dragoesencaixotados — Mon, 26 Dec 2016 17:08:14 +0000

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karolborges32 — Tue, 27 Dec 2016 14:59:27 +0000

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karolborges32 — Tue, 27 Dec 2016 15:39:22 +0000

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karolborges32 — Tue, 27 Dec 2016 15:40:45 +0000

lizzydalloway — Mon, 30 Nov -0001 00:00:00 +0000

[LIVROS] Jane Austen: uma mulher por trás de célebres romances

athenabastos — Mon, 30 Nov -0001 00:00:00 +0000

Há quem julgue os famosos romances de Jane Austen, quase todos envolvidos por uma atmosfera de romance bucólico. Há quem desmereça os livros escritos por esta autora classificando-os como antigos romances sem grande relevância para a sociedade moderna. O que, porém, se esconde por trás destes romances, é uma grande força e relevância da figura feminina.

Não se pode negar que os romances de Austen bem caracterizem a sociedade de seu tempo. Os costumes de uma Inglaterra do início do século XIX estarão certamente em suas páginas, muito embora a autora se atenha à simplicidade de uma vida afastada da capital. Por meio de uma narrativa sem eventos extraordinários, guerras ou experiências controversas de uma vida urbana, Jane Austen retrata, sobretudo, o cotidiano de mulheres da sociedade britânica campestre. E ainda que suas personagens não constituam verdadeiras quebras de paradigma, sutilmente ultrapassam as barreiras das convenções estabelecidas, opondo-se a homens e mulheres conforme suas crenças.

O cenário de suas ficções é uma sociedade rígida quanto ao papel da mulher. Suas vidas são reduzidas aos cuidados familiares e ao desejo de casamento. Porém, mesmo dentro destas condições, Austen conseguiu recriar o papel da mulher através de suas protagonistas.

Na mais famosa de suas obras, “Orgulho e Preconceito”, Austen apresenta a heroína Elizabeth Bennet. É de se concordar que a personagem influenciou e influencia até hoje pessoas que possuam alguma espécie de contato com as histórias da autora, seja através de seus livros ou das inúmeras adaptações e releituras a partir deles originadas. Elizabeth cativa por sua personalidade destoante. Sua família tem na aparência o desejo pelo que é socialmente valorizado, mas apresenta em sua essência pequenas rupturas em relação aos costumes, como é visto na criação das cinco filhas. Elizabeth é amante do conhecimento, o que a destaca quando em comparação aos demais personagens. Um tanto cética, deseja um casamento, mas não deseja qualquer casamento apenas pelo status. É descrita como arrogante e determinada, o que move sua história com o fechado Mr. Darcy. Não esconde em sua trajetória o quanto erra por equivocados julgamentos, mas não se deixa dominar pelo julgamento alheio. Austen deixa claro que Elizabeth é dotada de voz própria.

Talvez as personagens Dashwood, de “Razão e Sensibilidade”, não possuam características tão marcantes quanto a protagonista de “Orgulho e Preconceito”. Ainda assim contribuem de certo modo para a quebra da idealização da mulher. Marianne Dashwood é movida pelos sentimentos, enquanto Elinor é movida pelo raciocínio. No começo da história, Marianne contraria a todos ao seguir apenas suas paixões. Mas no final, uma inversão ocorre, demonstrando que não há quem seja movido apenas pela razão ou apenas pela sensibilidade. Então chega o momento da conservadora Elinor, tão adepta das regras sociais, ignorar julgamentos e viver sua vida independentemente do que racionalmente – moralmente – se dizia correto.

Em um dos últimos romances da autora, “Persuasão”, a protagonista é Anne Elliot, talvez a mais madura de suas personagens. Anne Elliot nunca se casou. Os críticos podem afirmar que este fato se dá em função do mito do amor verdadeiro e da preservação da pureza da mulher para aquele. Ainda assim, Anne Elliot demonstra força e vontade própria ao recusar qualquer casamento que não seja em virtude de seus sentimentos, mesmo que venha a ser julgada posteriormente por sua idade e seu status de solteira. Opõe-se, então, uma sociedade que exige que a mulher, ainda jovem, seja objeto de afeição de um homem e aceite este papel, e uma personagem que se recusa a interpretar este papel senão por sua própria vontade. Estas exigências não estão muito longe das da sociedade contemporânea, revelando que os livros de Austen ainda possuem relevância.

As personagens de Jane Austen contêm parcelas da personalidade e da vida da própria autora. Austen foi uma das poucas mulheres a serem reconhecidas em sua época pelo seu trabalho com a escrita, algo bastante relevante para a trajetória feminina. Se analisadas as listas de clássicos, o número de livros escritos por homens é consideravelmente maior que o de mulheres. Neste sentido, é importante valorizar as obras da autora. Ainda que seus livros não contenham histórias vanguardistas, ela conseguiu algo que muitas mulheres não conseguiram: não passar despercebida. Austen foi eternizada.

Não só isto, contudo. Austen foi uma mulher que nunca se casou, mesmo com todas as convenções. E, conforme biografias, não foi a falta de pretendentes. Ela apenas priorizava outros fatores em sua vida. Um dos possíveis romances do qual se tem conhecimento foi com um homem mais novo, algo escandaloso e inaceitável para algumas pessoas.

A liberdade feminina requer a quebra do romantismo. Isto não significa retirar das vidas femininas a ideia do amor – ou histórias sobre o amor –, mas quebrar a ideia romântica da mulher, uma idealização baseada no conservadorismo. Ainda que os romances de Austen não representem esta verdadeira e completa quebra, apresentam elementos que devem ser considerados e valorizados. Mais do que valorizá-los, porém, é preciso valorizá-la. Austen foi uma mulher independente, que nunca se casou, que sempre prezou o seu trabalho, que conseguiu prestígio em uma sociedade conservadora e machista, apresentando personagens que, dentro do possível, demonstraram uma força inovadora. Emma, Fanny, Susan, Elizabeth, Marianne, Elinor, Anne, mesmo a romântica Catherine de "A Abadia de Northanger", concentram a força feminina que Jane Austen pode transmitir às gerações posteriores.

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[ANIME] “Yuri!!! On Ice”: esporte para conquistar até os não fãs

camillelegrand24 — Mon, 30 Nov -0001 00:00:00 +0000

O gênero yaoi dos animes, hoje em dia, não pode mais ser caracterizado como um tabu, já que existem diversos exemplos que se inserem nesse gênero. Sempre houve, porém, a questão de queerbaiting (quando é sugerido que há um interesse homossexual entre dois personagens, mas que nunca é confirmado) que contribui para a não normalização da relação entre dois personagens do mesmo sexo e a consequente invisibilização de seu status homossexual. “Yuri!!! On ICE”, felizmente, escapa desse loop, ou seja, é claramente gay, o que, em uma sociedade mundial homofóbica, deve ser celebrado, visto o seu importante significado para a comunidade LGTBQ+.

O anime tem como pano de fundo a patinação artística masculina, um esporte não tão popular quanto o futebol (por exemplo) infelizmente; trata de Yuri Katsuki, um patinador japonês em declínio, e de seu técnico, o multicampeão russo, Victor Nikiforov, apresentando a relação entre os dois em meio a tentativa de Yuri de ter um bom desempenho na temporada de patinação. Relação esta que, ao longo do anime, torna-se romântica de uma forma positiva e clara, diferente de outros animes (praticantes de queerbaiting), contemplando o relacionamento entre os dois de maneira a celebrá-lo sem os conhecidos estereótipos que assombram as representações culturais de relações homoafetivas.

[caption id="attachment_51064" align="alignnone" width="1535"] Victor Nikiforov (em cima) e Yuri Katsuki[/caption]

É importante frisar, também, como "Yuri!!! On ICE" passa longe do histórico de retratar "positivamente" relacionamentos abusivos e/ou romantização de estupros como acontece em outros animes de mesmo gênero - como "Junjou Romantica" - apresentando o início de uma relação saudável entre os protagonistas

Diferentemente de muitos animes, "Yuri!!! On ICE" não foi baseado em um mangá, tendo sido co-escrito diretamente para a televisão por Mitsurou Kubo ("Moteki") e co-escrito e dirigido por Sayo Yamamoto ("Lupin III: The Woman Called Fujiko Mine"). Considerando que ambas são mulheres, é válido reforçar como "Yuri!!! On ICE" já veio com a proposta de quebrar barreiras e estereótipos, tanto dentro quanto fora das telas, já que é sabido o quanto as mulheres escritoras, produtoras, diretoras e etc ainda sofrem com o machismo do meio artístico por exercerem profissões de hegemonia masculina.

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As criadoras do anime: Sayo Yamamoto e Mitsurou Kubo, respectivamente.

Entretanto, não é apenas pela (importante) mensagem positiva de relacionamentos homoafetivos – e de representatividade – que "Yuri!!! On ICE" tem sua fama. A excelente composição artística do anime também arrancou suspiros dos telespectadores, sendo cortesia de Tadashi Hiramatsu (“Kill la Kill’’ e “Neon Genesis Evangelion”), pela sua representação fiel de como os movimentos que compõem a patinação artística são feitos. As coreografias das apresentações do anime forem feitas por Kenji Myiamoto, patinador japonês aposentado; o trabalho conjunto de ambos resultou em uma animação deslumbrante, com cada movimento dos personagens do anime sendo como assistir a uma apresentação de um patinador real.

[caption id="attachment_51069" align="aligncenter" width="500"] Yuri, literalmente, no gelo[/caption]

Tão fidedigna é a animação que patinadores profissionais do mundo todo não apenas a elogiaram, como viraram fãs do anime.

[caption id="attachment_51126" align="aligncenter" width="505"] A patinadora Ashley Wagner postou no Twitter: "Fiz minha estréia em anime #yurionice"[/caption] [gallery ids="51125,51129" type="columns"]

A patinadora russa Evgenia Mdvedeva é tão fã que já fez até cosplay, como visto acima.

Ademais, alguns dos próprios personagens do anime são inspirados em patinadores reais; como foi dito por Mitsurou Kubo, Yuri Plisetsky (um patinador russo que rivaliza diretamente com Yuri Katsuki) foi inspirado justamente na jovem patinadora russa Yulia Lipnitskaya.

[caption id="attachment_51118" align="aligncenter" width="501"] Yulia X Yuri[/caption]

O anime consegue capturar a emoção – e a luta – que consiste em ser um patinador artístico. Desde o primeiro episodio é mostrada a montanha russa emocional e física que os atletas atravessam para conseguirem estar em forma para as competições e tentarem fazer o seu melhor.

Ao longo dos 12 episódios que compõem a primeira temporada do anime, parece ao telespectador estar acompanhando a jornada competitiva de um patinador profissional real de perto e, durante os 23 minutos de cada episódio, é.

A história, em suma, consegue equilibrar temas fortes como a homofobia no meio da patinação artística com doses constantes de comédia e romance, sendo possível ao público praticar um pensamento crítico sobre a questão sem nem perceber. Além do mais, a própria proposta do anime de tratar de patinação masculina, e não feminina, faz o público questionar seus preconceitos quanto a presença masculina no esporte, sendo compelido a reavaliar suas concepções sobre as determinações dos papeis de gênero e sobre o que faz uma pessoa – e no caso do anime um homem - ser visto como homossexual.

[caption id="attachment_51141" align="aligncenter" width="520"] "Yuri!!! On ICE" consegue representar os personagens simplesmente como pessoas, livre de estereótipos[/caption]

Apesar disso tudo, porém, a mensagem principal do anime é de superação. O que começa com uma série de derrotas de Yuri Katsuki em campeonatos mundiais, torna-se a história de superação do mesmo ao passar a confiar em si próprio, com a ajuda de Victor. Ao longo dos episódios, vemos a confiança de Yuri sendo forçada a se expandir para atingir ao seu objetivo de orgulhar Victor, sendo que nessa jornada Yuri acaba encontrando a sua própria força.

Todos os personagens do anime, na verdade, trazem suas próprias histórias de superação ao longo da temporada, tendo que melhorar seus respectivos físicos e emocionais - e até enfrentar seus medos - para atingirem suas metas.

Assistir a "Yuri!!! On ICE" é como assistir a uma competição real, transmitindo as mesmas emoções que a verdadeira transmite a seus fãs, com o bônus do anime nos presentear com doses de reflexão e de aprofundamento na vida de personagens que, de tão bem construídos, pensamos serem reais.

Não é coincidência, portanto, que seja um anime favorito do ano de 2016 (sendo até chamado de “Free!” de 2016 por alguns veículos) e um exemplo de recomendação unânime entre o público otaku.

A segunda temporada de "Yuri!!! On ICE" tem previsão de estréia para o segundo semestre de 2017, junto com a temporada de competições de patinação artística, até lá... See You Next Level!

https://www.youtube.com/watch?v=qh-Olq7caGU

[QUADRINHOS] Mulher Maravilha: Edição Especial Celebra os 75 Anos da Heroína

karolborges32 — Mon, 30 Nov -0001 00:00:00 +0000

Este ano a Mulher Maravilha comemorou seus 75 anos, e acabou por receber diversas homenagens (como os diversos painéis em eventos, lançamento de produtos e a infelizmente revogada nomeação para embaixadora da ONU), além de receber muita atenção pela sua primeira aparição na tela grande em Batman vs Superman – A Origem da Justiça, vivida pela carismática Gal Gadot. Em meio a tudo isso a DC Comics lançou em outubro uma edição especial para comemorar esse importante marco, intitulada Wonder Woman 75th Anniversary Special #1. Com a participação de diversos escritores e artistas (incluindo os brasileiros Rafael Albuquerque, Rafael Scavone, Fábio Moon, Marcio Takara e Marcelo Maiolo), o projeto é uma coletânea de histórias da heroína, com cada uma salientando um aspecto marcante da personagem (seu poder como símbolo, sua bondade, sua força, ou mesmo sua busca constante por justiça).

[caption id="attachment_51667" align="aligncenter" width="491"] Ilustração feita por Sebastian Fiumara e Nathan Fairbairn[/caption]

Contando com 79 páginas, a revista recebeu três capas (a principal feita por Jim Lee e Alex Sinclair, e as duas capas variantes feitas pelos atuais ilustradores das revistas quinzenais da heroína, Liam Sharp e Nicola Scott, e coloridas por Laura Martin e Romulo Fajardo Jr., respectivamente); sete ilustrações avulsas (feitas por Jenny Frison, Annie Wu, Yanick Paquette e Nathan Fairbairn, Sebastian Fiumara e Nathan Fairbairn, Claire Roe e Jordie Bellaire, Marcio Takara e Marcelo Maiolo, e Phil Jimenez e Romulo Fajardo Jr.), e dois ‘especiais’ (uma compilação de capas e esboços feitos por Brian Bolland entre 1992 e 1995, período em que ele ilustrou as capas de “Mulher Maravilha”; e uma entrevista especial ‘feita’ por Lois Lane, intitulada Wonder Woman in Conversation, ‘transcrita’ por Greg Rucka, atual escritor de “Mulher Maravilha”, e ‘fotografada por’ Liam Sharp e Romulo Fajardo Jr.).

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Mas a maior parte da revista é tomada por uma coletânea de dez histórias: a primeira Give us Strength, feita por Rafael Albuquerque e Rafael Scavone tem o traço inconfundível de Albuquerque (conhecido por sua parceria com Scott Snyder tanto em “Batman” quanto em “Vampiro Americano”, obra criada pelos dois) e coloca a guerreira amazona em um cenário bem conhecido pela personagem, a Segunda Guerra Mundial, a Mulher Maravilha aqui é retratada como um símbolo que mostra a aproximação de dias melhores; Predators por Brenden Fletcher e Karl Kerschl mostra um outro lado da heroína, colocando-a em contato com a natureza, quase como se ela fosse seu espírito protetor; One Side Alone por Mairghread Scott e Riley Rossmo é uma das histórias com um peso moral mais forte, discutindo a ideia de justiça e como ela é encarada de diferentes maneiras dependendo dos padrões estabelecidos por cada sociedade; Oh, Themyscira por Liam Sharp mostra o lado saudoso de Diana, sempre visto quando ela está afastada de seu lar, a ilha das Amazonas; The Age of Wonder por Fábio Moon é mais uma história retratando o poder simbólico da personagem, dessa vez nos tempos atuais, mostrando como ela consegue inspirar a todas as pessoas, inspiração que não está ligada a aparência ou gênero, mas aos valores representados por ela; Wonder Woman 75 Song por Marguerite Bennett e Marguerite Sauvage é uma ilustração de página dupla que conta a história da personagem em uma forma poética;

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The Legend of Wonder Woman por Renae Liz é uma história inserida no universo já criado por Liz em sua revista digital homônima (muito bem recebida pelos críticos e pelo público e infelizmente cancelada) que mostra Diana também em um cenário de guerra, mas dessa vez tendo como maior preocupação poupar vidas dos dois lados do conflito, agindo o máximo possível através do diálogo, a história conta ainda com a participação de Steve Trevor e Etta Candy; Wonder Woman: The True Amazon por Jill Thompson faz parte de uma revista maior escrita por Thompson (conhecida por trabalhos como “Pequenos Perpétuos”, lançada aqui no Brasil pela Panini) e conta uma história que passa enquanto Diana ainda estava na ilha das Amazonas; Democratic Design por Hope Larson e Ramon Bachse tem um enredo mais leva, mostrando Diana e Etta indo a uma loja de conveniência; a última história Big Things One Day Come por Gail Simone e Collen Doran conta com a participação especial do Superman, e mostra a Mulher Maravilha como confiável e bondosa ao ajudar o homem de aço contra um vilão e ao mesmo tempo dar conselhos a uma garotinha que acabou de receber poderes (Simone, que é veterana nas histórias da heroína, mostra mais uma vez por que ela é uma das heroínas mais importantes da história).

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A revista foi muito bem pensada para servir tanto aos fãs da personagem que já acompanham suas aventuras há algum tempo, quanto para alguém que não a conhece tão bem, tendo a oportunidade de vê-la retratada de diversas formas, ao mesmo tempo em que é um bom mostruário dos próprios autores, possibilitando que alguns deles (que normalmente não estariam trabalhando com personagens como ela) sejam conhecidos por esse público que só acompanha os quadrinhos mais conhecidos de super-heróis (como o caso de Moon, por exemplo). É bem provável que a revista chegue ao Brasil em 2017, provavelmente perto do lançamento do filme solo da heroína, por enquanto ela está disponível para nós em inglês em formato digital pela Amazon e a ComiXology.

[CINEMA] "O Último Capítulo"e a poética do terror subjetivo

laisfernandes — Mon, 30 Nov -0001 00:00:00 +0000

Pode um fantasma, ao invés de assustar o morador de uma casa, provocar nele uma série de reflexões acerca da efemeridade da vida? "O Último Capítulo" (do inglês, "I am the Pretty Thing that Lives in the House"), distribuído pela Netflix mundialmente em 28 de outubro de 2016 e criado/dirigido pelo americano Osgood Perkins, é um daqueles filmes que ficam corroendo o imaginário do espectador muito tempo depois de ter terminado. Mas não se enganem: não é um filme fácil de ser assistido e cheio de jump scares, como os tradicionais e contemporâneos blockbusters de terror. "O Último Capítulo" deve ser saboreado aos poucos e desfrutado minuciosamente para que a trama tenha sentido e satisfaça ao final.

Lily Saylor (Ruth Wilson) é uma enfermeira contratada para cuidar de Iris Blum (Paula Prentiss), uma escritora de livros de terror que mora sozinha em um belo casarão no campo. Iris, por conta da idade avançada, tende a chamar Lily pelo nome de Polly e isso instiga a moça a tentar descobrir quem é a mulher mencionada, uma vez que a escritora não possui herdeiros ou familiares próximos. Ao passo que Lily se entrega à uma investigação profunda para descobrir quem é Polly, começa a notar eventos sobrenaturais ocorrendo na casa, fator que aos poucos vai tomando proporções maiores e retirando a sanidade da protagonista.

A trama central do filme é bem simples e até mesmo clichê. Porém, o diferencial está no texto, repleto de poesia e melancolia que casam perfeitamente com a temática de fantasmas (e de pessoas abandonadas) em uma casa abandonada. O enredo é entregue aos poucos e o filme se arrasta para combinar com o tom triste e a solidão das duas únicas criaturas vivas na mansão (Lily passa 11 meses cuidando da senhora Blum, mas não conseguimos notar uma preocupação direta para com a mulher adoentada; elas apenas coexistem e exercem seus papéis, sem nenhuma ligação, de fato, afetiva).

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A trilha sonora e a fotografia são espetaculares e conseguem captar a atenção do espectador do início ao fim, mesmo o filme tendo como cenário predominante o interior da casa. Os enquadramentos variam entre tomadas ora muito amplas, ora muito fechadas e escuras, quase claustrofóbicas e também desfocadas, ao final do filme. A mansão foge dos padrões decrépitos de casas assombradas de tantos filmes que assistimos ao longo da vida: é iluminada e arejada, na maior parte do tempo.

[caption id="attachment_51809" align="alignnone" width="1366"] A porta de entrada da casa é colocada em cena diversas vezes como metáfora para a fuga da protagonista.[/caption]

Um outro aspecto que chama a atenção na fotografia é a presença constante de elementos na cor amarela. O amarelo, dentro das artes, denota insanidade e depressão, vide as obras literárias "O Papel de Parede Amarelo", de Charlotte Perkins Gilman e "O Rei de Amarelo", de Robert W. Chambers (que inspirou a série "True Detective", na qual elementos amarelos também fornecem pistas para o desenrolar da trama de investigação policial).

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Logo no começo há quebra da quarta parede. Lily olha diretamente para o espectador e narra o desenrolar da história como em uma conversa, nos confidenciando os horrores e desesperos aos quais se submeteu, a fim de cumprir seu papel de cuidadora:

"O Último Capítulo" é o tipo de filme 8 ou 80. Assim como em "The Witch" (2015), aqui existem camadas de terror psicológico que assustam sem precisar de sangue, gritos e efeitos especiais muito elaborados. O texto versa sobre a brevidade da beleza, da juventude e da coragem de enfrentar os medos que nos cercam (Lily não aprecia de forma alguma histórias de terror, mas ao se encontrar em um local hostil, carregado de um peso fúnebre em cada cômodo, enfrenta o que mais teme: as assombrações internas e também externas). Tudo se dá por meio das entrelinhas, da mesma forma que os medos, angústias e saudades que os fantasmas de nosso passado costumam nos proporcionar.

[MÚSICA/CINEMA] Selena: talento, sucesso e a morte precoce

rafaelabn — Mon, 30 Nov -0001 00:00:00 +0000

Selena é um filme de 1997 estrelado por Jennifer Lopez que interpreta a cantora Selena Quintanilla, uma jovem cantora de origem hispânica que foi uma das mais populares cantoras latinas dos Estados Unidos. Ela conseguiu atingir o topo das paradas americanas mesmo cantando em espanhol.

Aos 23 anos, no auge do sucesso e preparando seu primeiro álbum em inglês, foi assassinada pela presidente de seu fã clube que havia se tornado sua amiga pessoal e administradora de um de seus negócios.

Selena Quintanilla-Pérez nasceu em Lake Jackson no Texas (EUA), filha de um casal mexicano-americano.

Selena demonstrava interesse pela música desde pequena, quando completou 8 anos seu pai, Abraham, montou uma banda de seus filhos e nomeou “Selena y Los Dinos”.

“Los Dinos” era o nome da banda que Abraham tinha quando jovem.

Na banda Selena cantava, seu irmão A.B (Abraham Quitanilla II) tocava baixo e sua irmã Suzette era baterista, eles começaram tocando no restaurante da família, depois passaram a tocar em pequenos festivais e festas.

[caption id="attachment_51884" align="aligncenter" width="440"] Suzette, Selena e A.B[/caption]

Após anos com a banda Selena se destacou e saiu em carreira solo.

Ela ficou conhecida por cantar rancheras, gênero musical popular no México, também cantava cúmbia, gênero musical típico da Colômbia, e mesclava esses dois estilos musicais com o pop. Foi muito comparada com Gloria Estefan no começo de sua carreira.

“Selena” foi seu primeiro álbum lançado pelo selo EMI Latin, ela já era uma grande estrela dentro do mercado Tejano, música Tejana tem uma enorme influência mexicana, mas o álbum a fez alçar novos voos.

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O sucesso de Selena alcançou todo o Texas e o México, atingindo principalmente a colônia latino-americana, mas ela queria mais.

Selena começou a investir em vários empreendimentos e estava em um relacionamento feliz com Christopher Pérez, guitarrista de sua banda.

[caption id="attachment_51888" align="aligncenter" width="488"] Christopher Perez e Selena[/caption]

Em 1995 estava em estúdio preparando seu primeiro disco em inglês, mas em março deste mesmo ano morreu em decorrência de um tiro disparado por Yolanda Saldívar, a administradora de seu fã clube, de lojas da cantora e amiga pessoal dela. O tiro aconteceu após uma discussão entre as duas porque Selena decidiu tirá-la do controle de seus negócios após descobrir que Yolanda havia desviado dinheiro.

O álbum “Dreaming of You”, que ela estava gravando, foi lançado postumamente em julho de 1995, com as faixas que ela conseguiu gravar. O disco fez um enorme sucesso nos Estados Unidos.

A música “I Could Fall in Love” foi uma das faixas de maior sucesso.

Selena - I Could Fall In Love

No filme Selena é interpretada por duas atrizes: quando criança por Rebecca Lee Meza e a fase adolescente e adulta por Jennifer Lopez.

[caption id="attachment_51904" align="aligncenter" width="378"] Jennifer Lopez e Rebecca Lee Meza[/caption]

Muitas críticas foram feitas quando o filme começou a ser produzido pelo fato da morte de Selena ainda ser muito recente, ela faleceu em 1995 e o filme saiu em 1997 nos cinemas.

A cantora passou a ser conhecida mundialmente por causa do filme.

Jennifer Lopez era bailarina e já tinha feito participações em programas de TV e filmes, mas foi após protagonizar o filme que alcançou o estrelato e sucesso. Foi indicada ao Globo de Ouro de Melhor Atriz de Filme Musical ou Comédia em 1998 por sua atuação. Em 1999 Jennifer Lopez deu início a sua bem sucedida carreira como cantora.

As semelhanças de Jennifer com Selena deixaram principalmente Abraham, pai de Selena, impressionado. Jennifer se aproximou bastante da família da cantora na época que o filme começou a ser produzido.

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Quando a morte da cantora completou 10 anos, em 2005, foi feito um show em homenagem à ela intitulado “Selena Vive!”, vários cantores participaram.

Selena Vive! Concert 2005 - Como La Flor

Já em 2015, quando a morte dela completou 20 anos, Jennifer Lopez fez uma apresentação em homenagem à ela no Billboard Latin Music Awards.

Jennifer Lopez em tributo à Selena no Billboard Latin Music Awards 2015

Infelizmente a carreira de Selena foi interrompida abruptamente, mas sua música vive.

Selena vive.

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camillelegrand24 — Sat, 31 Dec 2016 23:27:15 +0000

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camillelegrand24 — Sat, 31 Dec 2016 23:32:14 +0000

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camillelegrand24 — Sat, 31 Dec 2016 23:32:38 +0000

[ANIME] A amizade escondida na tristeza de "Scum’s Wish"

camillelegrand24 — Wed, 04 Jan 2017 13:00:55 +0000

O ano de 2017 já começa com uma adaptação de mangá que promete fazer os otakus de plantão não apenas chorar litros, mas, com a ajuda de um bom drama japonês, refletir sobre situações cotidianas; baseado no mangá de 2012 de mesmo nome, o anime Scum’s Wish (“Kuzu No Honkai”) retrata um tema bastante presente na sociedade atual, mas que ainda é considerado um tabu: a solidão. E além disso, uma relação baseada no desejo de amenizar esse sentimento.

Nele, dois adolescentes de 17 anos – Awaya Mugi e Yasuraoka Hanabi – formam um casal que, aos olhos de todos da escola, é perfeito. Ambos são consideravelmente populares e parecem se entender bem. Há, porém, uma questão: ambos estão apaixonados por outras pessoas e, apesar do que possa parecer, os dois sabem disso em relação outro. Mugi está apaixonado por sua ex tutora (Minagawa Akane) e Hanabi está apaixonada por um velho amigo de sua família, Narumi Kanai (chamando-o inclusive de "onii-chan"). Infelizmente, pela diferença de idade entre Mugi e Akane e pela relação de Kanai com a família de Hanabi (além da própria diferença de idade), o futuro dessas relações é impossível.

[caption id="attachment_50079" align="aligncenter" width="738"] O segredo entre Mugi e Hanabi é muito bem guardado[/caption]

Mugi e Hanabi, como pessoas individuais, enfrentam os sentimentos que nutrem por suas respectivas paixões sozinhos. Mesmo quando Mugi e Hanabi se tocam – tanto para se confortarem física e mutualmente quanto para manterem a aparência de namoro frente as outras pessoas – eles imaginam que estão com seus respectivos interesses amorosos. A dor de não poder mudar o status de um amor não correspondido acompanha os personagens a todo o instante, inclusive na escola, já que tanto Akane quanto Kanai trabalham na escola em que os protagonistas estudam.

A história trata justamente da relação entre os dois personagens principais, em como eles se apoiam um no outro para aguentarem a situação de viverem um amor não correspondido. Apesar do sofrimento que os dois passam, eles desenvolvem uma forte relação de companheirismo e propriamente amizade; ninguém melhor do que Mugi para saber pelo o que Hanabi está passando e vice e versa.

A relação que os personagens principais desenvolvem torna-se um amparo para os mesmos suportarem a solidão decorrente de seus sentimentos não correspondidos, usando por vezes até de sexo para amenizarem esse estado. O sexo entre eles, porém, é apenas isso: mais um remédio para amenizar a dor. Na amizade desenvolvida por eles, é possível inclusive sofrer por seus sentimentos ignorados sem nenhum pudor, algo que provavelmente não seria possível com outrem que não estivesse passando pela mesma situação de Mugi e Hanabi.

O companheirismo entre ambos é essencial tanto para eles quanto para a própria história, porém, a permanência nessa mesma situação será o bastante para eles?

A questão, portanto, é se a situação dos protagonistas mudará ou continuará a mesma. Se a solidão vivida por eles encontrará um fim por si só ou se eles mesmos tentarão mudar suas situações.

Sendo uma das estrelas da temporada de inverno de 2017, a adaptação para anime já tem data de estreia: 13 de Janeiro de 2017 na Fuji TV e 12 de Janeiro de 2017 no serviço de streaming “Amazon Prime”.

[MANGÁ] Ryoko Ikeda: Três obras para ler

mahounearrow — Mon, 30 Nov -0001 00:00:00 +0000

Multitalentosa e com capacidade de criar personagens únicos e incríveis, a sagitariana Ryoko Ikeda marcou o mundo dos mangás nos anos 70, transgredindo e renovando, revitalizando muito da própria indústria ao trazer obras como “A Rosa de Versalhes”, “A Janela de Orfeu” e “Para meu irmão...”.

Nascida em 18 de dezembro de 1947, Ryoko é uma mangaká talentosa e super reconhecida, tendo ingressado em estudos musicais nos anos 2000, sendo uma talentosa soprano. Há algum tempo disse ter o desejo de fazer uma opera baseada em sua obra prima, “A Rosa de Versalhes” e já fez participação em singles, como o cover feito pela banda (já separada) “La Reine” da abertura da versão animada de “BeruBara”.

Em 1972, foi corajosa ao desafiar seus editores da revista Margaret (a contraparte feminina da Shonen Jump), Sueisha, ao mostrar que poderia sim fazer um mangá sobre a vida da princesa Maria Antonieta, o qual havia lido uma biografia e ficado impressionada. Seus editores quase vetaram um dos maiores sucessos que a revista teria, pois não viam sentido em colocar uma história onde todos saberiam o fim. Como elementos extras e personagens originais interagindo com os históricos, a obra foi conduzida de forma magistral. Anos mais tarde repetiria o feito com um mangá sobre o período napoleônico. Recomendadíssimo para quem quer compreender de forma didática a revolução francesa, era napoleônica e Rússia czarista com suas obras.

[caption id="attachment_51982" align="alignright" width="263"] Personagens de "A Rosa de Versalhes"[/caption]

A importância de “A Rosa de Versalhes” é tamanha que não somente quebrou tabus, como salvou o teatro Takarazuka que estava em decadência e hoje é palco de diversos espetáculos.

Infelizmente não há nenhuma editora com interesse de trazer seus mangás, mas é possível encontrar boa parte de sua obra em espanhol pelo fansub Water Lilly praticamente completa.

A Rosa de Versalhes

Lançado em 1972 e adaptado em anime em 1979, “Berusayu no Bara” ou “A Rosa de Versalhes” é um shoujo épico contando os eventos que se tornariam o gatilho para a revolução francesa através do elo do destino entre três personagens (dois históricos e um fictício). É considerado a maior obra de Ryoko Ikeda e a mais conhecida tanto no Japão quanto fora, sendo sucesso e clássico por 4 décadas initerruptamente. Em 1979 também ganhou uma versão live action nipo-francesa.

[caption id="attachment_51987" align="alignleft" width="290"] Oscar e Maria Antonieta[/caption]

Uma curiosidade sobre a obra é que a “rosa” do título é a princesa e rainha Maria Antonieta, porém quem acabou por ganhar os holofotes e o protagonismo foi sua guarda, Oscar François du Jarjayes. E ela é um dos fatores o qual é possível colocar como uma obra transgressora. Se nos anos 80 o machismo japonês era forte e intenso (como citado sutilmente na matéria sobre Saintia Shô), imagine isso no início dos anos 70 onde a Margaret era uma revista relativamente nova e acostumada a romances simples e açucarados? Pois bem, Ryoko conseguiu quebrar tabus ao inserir uma personagem crossdresser, não exatamente por querer e sim por obrigação, mas ainda sim Oscar é uma mulher intensa e justa, não abaixndo a cabeça para os homens.

Outra curiosidade é que alguns detalhes da vida pessoal da monarca só foram conhecidos anos depois da publicação, contrastando com o mangá (havia-se a suspeita que ela e Axel Von Fersen eram amantes, mas cartas comprovariam que eles eram apenas amigos, na obra eles se tornam amantes no final da obra, mas ficam volumes e volumes num clima de romance platônico).

A história acompanha a vida de Maria Antonieta desde a Áustria até sua morte na guilhotina, dos dilemas enfrentados por Oscar e sua condição de “fazer-se” homem perante a sociedade e seu coração de mulher e a luta de Axel Von Fersen entre seu coração e a lealdade para com a monarquia francesa. Intrigas, pitadas de comédia e romance servem de conduíte pra a explosão da revolução e queda da Bastilha.

[caption id="attachment_51991" align="aligncenter" width="500"] Arte de Shingo Araki (Cavaleiros do Zodíaco) para a versão animada.[/caption]

O anime chegou a ter alguns episódios dublados no Brasil e o filme (que resume os 40 episódios), lançados em vídeo por conta do sucesso de “Cavaleiros do Zodíaco”, já que seu design foi coordenado por Shingo Araki e Michi Himeno, que anos mais tarde trabalhariam na obra de Kurumada. A adaptação em animação fez Oscar perder muito de sua personalidade, se tornando mais submissa e séria que sua versão real.

Leitura (em espanhol): http://waterlily-fansub.blogspot.com.br/2009/06/la-rosa-de-versalles.html

A janela de Orfeu

[caption id="attachment_51996" align="alignleft" width="302"] Julius e a intrigante janela que dá nome a obra[/caption]

Lançado entre 1976 e 1981, também na Margaret, “Orpheus no Mado” é outra obra que conta com a temática crossdresser, dessa vez ambientada na Rússia czarista e na Alemanha, acompanhando os fatos que culminariam na Revolução Russa e a queda da monarquia com toques de música.

Em uma escola de música chamada Instituto St. Sebastian existe a lenda de que em uma janela, ao ver uma jovem dama através irá se apaixonar por ela, porém, será um amor trágico e cheio de dor, tal qual a lenda de Orfeu e Eurídice, fazendo a janela ser conhecida como “A Janela de Orfeu”. E é aí que entra o triângulo amoroso de tragédia: Isaac, Klaus e Julius, que na verdade é Julia e precisa se disfarçar como homem para poder se tornar herdeira de sua família e poder proteger a mãe, uma simples empregada com quem o pai teve um caso, uma vez que estamos em 1903, numa sociedade bem mais patriarcal do que somos hoje. Isaac, um pianista talentoso e bolsista no Instituto e Klaus, um violinista fabuloso vêem Julius na janela e, bem, como na lenda, se apaixonam pela garota, ainda sem saber que a figura que viram na verdade é uma garota.

Mas o que começa como um shoujo “fofo” acaba por virar uma trama complexa, densa, cheia de mistérios, assassinatos e tragédias, tornando o triângulo em outro polígono amoroso.

Leitura (em espanhol): http://waterlily-fansub.blogspot.com.br/2010/03/orpheus-no-mado.html

Para meu irmão...

[caption id="attachment_52007" align="aligncenter" width="614"] Versão Animada de "Para meu irmão..."[/caption]

Outra obra que ganhou versão animada, “Oniisama e...” foi publicado em 1975 com apenas três volumes e ganhando sua versão animada em 1991 com 39 episódios. Assim como nas obras anteriores, temos outro personagem travestido do gênero oposto. A história protagoniza em Nanako, de 14 anos, que estuda em uma prestigiada academia e tem como distração escrever cartas a um “irmão” (que no caso entra para aquela parte da gramática onde “onii-san/sama” pode referir-se a um rapaz mais velho para quem se guarda uma admiração). Esse “irmão” é apenas o leitor das cartas, não responde as mesmas. Ela se corresponde com seu professor de cursinho, Takehiko Henmi.

Ao iniciar sua vida escolar no novo colégio, ela esbarra num belo rapaz durante o caminho, mas logo Nanako descobre que na verdade se trata de uma moça andrógina, Rei Asaka, conhecida por “Saint-Just”.

Ao longo do enredo, Nanako acaba se envolvendo em situações densas com outras alunas e até mesmo quanto ao seu próprio passado, e além da temática crossdresser, Ikeda colocou assuntos como depressão, uso de drogas, suicídio. É uma obra que fala do amadurecimento e da hipocrisia da sociedade.

Leitura (em espanhol): http://waterlily-fansub.blogspot.com.br/2009/06/oniisama-e.html

Lista de Obras

Bara Yashiki no Shōjo (1954) — conto
Soyo Kaze no Mary — conto
Francesca no Shouzou (1969)
Sokoku ni Ai o (1969)
Freesia no Asa (1970)
Futari Pocchi (1971)
Ikite te Yokatta! (1971)
Jinchouge (1971)
Mariko (1971)
Sakura Kyou (1972)
Berusaiyu no Bara (1972) — A Rosa de Versalhes, Lady Oscar
Shiroi Egmont (1973)
Yureru Soushun (1973)
Shōko no Etude (1974)
Oniisama e (1975) – Para meu irmão...
Orpheus no Mado (1976) – A Janela de Orfeu
Claudine (1978)
Ayako (1980)
Epitaram: A Wedding Song (1981)
Aoi Zakuro (1983)
Jotei Ecatherina (1983)
Berusaiyu no Bara Gaiden (1984) — capítulos extras de A Rosa de Versalhes
Eikou no Napoleon – Eroica (1986) – Eroica – A glória de Napoleão
Glass no Yami (1987)
Mijo Monogatari (1988)
Kasuganotsubon - Kefuzo Kataku o (1989)
Porando Hishi Ten no Hate Made (1991) — Uma história secreta polonesa: Para as fronteiras do céu
Shoutoku Taishi (1991)
Fuyu no Shukusai (1997)
Elizabeth (1999) — apenas texto; arte por Erika Miyamoto
Niberunku no Yubiwa (2000) — Der Ring des Nibelungen, O anel de Nibelungo (baseado em ópera de Richard Wagner)
Ikeda Riyoko the Best: Ai to Tatakau Onnatachi (2001)
Falcon no Meikishu (2004)
Ai wa Waltz ni Nosete (2005)
BeruBara Kids (2006) — A rosa de Versalhes Kids (parody)
Haru no Yuki (2006) — Neve de Primavera
Taiyou Shijinki (2007) – baseado em um conto coreano, serviu de base para um seriado do mesmo país.
Taketori Monogatari (2014)

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mahounearrow — Sun, 01 Jan 2017 15:24:11 +0000

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mahounearrow — Sun, 01 Jan 2017 15:24:23 +0000

[DICAS] Quadrinhos e mangás com até % de desconto na Amazon

deliriumnerd — Mon, 30 Nov -0001 00:00:00 +0000

Selecionamos pra vocês uma lista com dicas de alguns quadrinhos e mangás nacionais e importados que estão com descontos especiais na Amazon. Confira:

Mangás

The Ghost in the Shell

Os Cavaleiros do Zodíaco. Saintia Shô – Volume 2

Nijigahara

Coleção Chobits – Volume 1 a 8

Os Cavaleiros do Zodíaco. Kanzenban

Coleção Sailor Moon – Caixa com Volumes 1 a 12

Coleção Orange – Volume 1 a 5

Resenha aqui.

Fullmetal Alchemist – Volume 1

Fullmetal Alchemist – Volume 2

Fullmetal Alchemist – Volume 3

Fullmetal Alchemist 4

Fullmetal Alchemist – Volume 5

The Wedding Eve

Ajin. Demi-Human - Volume 3

O Jardim das Palavras

Coleção Death Note – Volume 1 a 6

Coleção Guerreiras Magicas – Caixa com Volumes 1 a 6

Já falamos sobre aqui.

O Outro Cão que Guarda as Estrelas

Resenha aqui.

Helter Skelter

Quadrinhos nacionais e importados

Lumberjanes. Cuidado com o Sagrado Gatinho

Elektra Assassina

Gaviã Arqueira. Vingadora da Costa Oeste

Mulher Maravilha. Direito de Nascença

Morte – Edição Definitiva

Edição Definitiva Sandman – Volume 1

Sandman: Prelúdio – Volume 3

Sandman Apresenta - Os Pequenos Perpétuos

Mulher Maravilha. Terra Um

Rat Queens. Os Tentáculos de N'Rygoth - Volume 2

Frida Kahlo. Para que Preciso de Pés Quando Tenho Asas Para Voar?

Astronauta. Assimetria

Odisseia Cósmica

Harry Potter. Das Páginas Para a Tela - Volume 1

O Rei Amarelo em Quadrinhos

O Perfuraneve

Guerras Secretas

O Soldador Subaquático

Batman. Terra Um – Volume 2

Dora

Resenha aqui.

Preacher – A Caminho do Texas – Volume 1

Guardiões da Galáxia. Vingadores Cósmicos

Graphic MSP Mônica. Força

Graphic MSP. Bidu. Juntos

Repeteco

Dossiê Negro. A Liga Extraordinária

Frankenstein. Entre o Céu e o Inferno

Sandman Apresenta – Destino

The Sandman: Overture Deluxe Edition

Ghost World

This One Summer

Nimona

Resenha aqui.

Desconstruindo Una

Liga da Justiça. O Trono da Atlântida

Aquaman. Os Outros

Saga – Volume 1

Já falamos sobre aqui.

Saga – Volume 2

Já falamos sobre aqui.

Saga – Volume 3

The Wicked + The Divine

Uma Noite em L’ Enfer

Doutor Estranho. Shamballa

Doutor Estranho. O Juramento – Volume 1

O Despertar de Cthulhu em Quadrinhos

O Legado de Júpiter

Pogando

A Última Tentação

Batman. A Morte da Família

Lizzie Bordello e as Piratas do Espaço

Lizzie Bordello e as Piratas do Espaço – Volume 2

A Liga Extraordinária. Século-Integral

Os Pequenos Perpétuos a Festa de Delirium

January Jones: Corrida contra a Morte

Paper Girls, Volume 1 (Kindle)

Paper Girls, Volume 1 (impresso)

Resenha aqui.

Carolina

Ms. Marvel – Volume 2

Já falamos sobre aqui.

Y – O Último Homem

Já falamos sobre aqui.

Y. O Último Homem – Volume 2

Já falamos sobre aqui.

As Aventuras de Wonder Woman na Super Hero High

Gavião Arqueiro. Pequenos Acertos

Você É Um Babaca, Bernardo

Xampu – Volume 1

Rat Queens – Volume 1

Já falamos sobre aqui.

Bulldogma

Aya De Yopougon – Volume 1

Resenha aqui.

Aya De Yopougon – Volume 2

Resenha aqui.

Criminosos do Sexo – Vol. 1

Criminosos do Sexo. Dois Mundos, Uma Polícia – Volume 2

X-men. A Saga da Fênix Negra

Soppy

Hora de Aventura – Volume 2

Hora de Aventura – Volume 3

Batman – Ano Um

Batman. Faces da Morte

Habibi

Crise Final

Demolidor – Revelado – Volume 1

Mafalda – 10 Anos com Mafalda

Scott Pilgrim – Contra O Mundo – Box

Frankenstein

Entre Umas e Outras

Resenha aqui.

Uma Morte Horrível

Resenha aqui.

Peter Pan – Volume 1

Peter Pan – Volume 2

Príncipe Valente. Nos Tempos do Rei Arthur

Guerra Civil

O Quinto Beatle

Hora de Aventura – Marceline: 1

Bear – Volume – 1

Resenha aqui.

Bear – Volume – 2

Resenha aqui.

Bear – Volume 3

Resenha aqui.

O Mundo de Aisha

Resenha aqui.

Bordados

Os Supremos – Vol. 1

Os Supremos – Volume 2

Os Supremos. Vol. 3

Nova York

Louco – Fuga

João & Maria

Coraline (graphic novel)

Laços

Batman – A Piada Mortal

Coringa

Gavião Arqueiro – Vol. 1

Do Inferno

Pílulas Azuis

Resenha aqui.

Mate Minha Mãe

Já falamos sobre aqui.

Orgulho e Preconceito

Resenha aqui.

Azul é a Cor Mais Quente

A Princesinha de Vader

Na Vida Real

Resenha aqui.

O Fantasma de Anya

O Escultor

Peanuts Completo. 1950 a 1954

Peanuts Completo 1955 a 1958

Peanuts Completo: 1959 a 1962

Peanuts Completo. 1963-1964 – Volume 7

O Muro

A Gigantesca Barba do Mal

Promethea Edição Definitiva Vol. 1

Já falamos sobre aqui.

Olympe de Gouges

Resenha aqui.

Persépolis Completo

Já falamos sobre aqui.

Lições

A Princesinha de Vader

Darth Vader e Filho

Boa Noite, Darth Vader

Star Wars – Academia Jedi

V de Vingança

Maus

Batman – O Cavaleiro das Trevas

Demolidor

Demolidor. O Rei da Cozinha do Inferno

Demolidor por Frank Miller & Klaus Janson – Volume 3

Quando Tudo Começou

Resenha aqui.

O Mundo de Dentro

Batman – Vitória Sombria

Kiki De Montparnasse

Placas Tectônicas

Resenha aqui.

HQ’s Crônicas de Gelo e Fogo – Caixa

Outras ofertas da Amazon

Links úteis da Amazon

Ofertas do dia – Loja Ebooks – Fantasia, Horror e Ficção Científica – Loja Neil Gaiman

Mulheres Autoras – Loja Darkside – Loja Marvel – Loja Star Wars – Loja Alan Moore

Nova Literatura Brasileira – Literatura Jovem – Loja de Quadrinhos

Loja J. R. R. Tolkien – Loja Neil Gaiman – Loja Stephen King

[QUADRINHOS] Lançamentos 2017: Revistas e Cinema

karolborges32 — Mon, 30 Nov -0001 00:00:00 +0000

O ano de 2016, apesar de ter deixado uma marca bem negativa na memória coletiva, foi um ano bem agitado para os apaixonados pela nona arte, com diversos filmes e revistas de histórias em quadrinhos. Aparentemente 2017 não será diferente (esperemos que somente nas partes boas), e por isso fizemos uma pequena compilação dos próximos lançamentos já anunciados para este ano.

No campo das revistas de histórias em quadrinhos, 2017 já tem algumas confirmações de lançamentos: a Panini garantiu durante a CCXP várias novidades: da DC, ela confirmou que trará a nova fase, já iniciada nos Estados Unidos, Renascimento (ou Rebirth, no original), virá para o Brasil com as séries do "Batman", do "Superman", da "Liga da Justiça", do "Lanterna Verde" e da "Mulher Maravilha" (que contará agora com uma revista regular). Pela Marvel a editora iniciará a fase All-New All-Different Marvel, que até agora tem como confirmadas as revistas "Os Vingadores", "X-Men", "O Espetacular Homem-Aranha", "Homem de Ferro", "Doutor Estranho" e "Guardiões da Galáxia", além de contar com os lançamentos dos encadernados de "Jessica Jones", "Cavaleiro da Lua" e "Viúva Negra".

[caption id="attachment_52128" align="aligncenter" width="2014"] Ilustrações de divulgação das fases Rebirth, da DC, e All-New All Different Marvel, da Marvel, respectivamente[/caption]

Na frente das HQs nacionais da editora teremos ela vai manter sua parceria com a Stout Club, estando programados "Open Bar – Edição definitiva", por Eduardo Medeiros; e "Dodô", por Felipe Nunes. Outra publicação nacional será "Valente – Para onde você foi", o quinto volume da saga do cãozinho criado por Vitor Cafaggi, originalmente publicada de forma independente. Pelo selo Graphic MSP a Panini vai lançar três revistas: "Chico Bento", por Walmir Orlandeli (personagem que já havia ganho uma revista feita por Gustavo Duarte); a terceira Graphic MSP da Turma da Mônica dos irmãos Vitor Cafaggi e Lu Cafaggi; e "Capitão Feio", pelos gêmeos Magno Costa e Marcelo Costa.

[caption id="attachment_52144" align="aligncenter" width="1624"] Previews das Graphics MSP "Chi"[/caption]

Além das revistas publicadas pela editora, teremos também alguns lançamentos feitos por financiamento coletivo, entre eles "Contos de Òrun Àiyé" feito por Hugo Canuto, trabalho que tem como proposta levar para as histórias em quadrinhos narrativas de origem Yorubá, com lançamento previsto para o primeiro semestre deste ano (aberto no Catarse até o dia 13 de janeiro); e “Crenças e Imaginário Nas Terras Ipuarana” feito por José Eudes Ferreira da Silva e João Paulo Ferreira da Silva, projeto de história oral, através do recolhimento de relatos baseados em memórias presentes no interior do brejo paraibano (também disponível no Catarse); já confirmados pois o primeiro já conseguiu alcançar sua meta e o segundo é uma pré-venda.

Os filmes baseados em histórias em quadrinhos preencheram a agenda de lançamentos do ano, com personagens ganhando seu primeiro filme solo, como a Mulher Maravilha, e outros tendo seu arco encerrado, como no caso do Wolverine em Logan.

[caption id="attachment_52137" align="aligncenter" width="856"] Posteres de Logan e Mulher Maravilha[/caption]

No dia 9 de fevereiro temos a estreia do primeiro filme solo do Batman em seu formato Lego, em "Lego Batman: O Filme" (Direção de Chris McKay, com vozes de Will Arnett, Michael Cera e Rosario Dawson); em 2 de março dizemos adeus a Hugh Jackman como encarnação de seu personagem mais conhecido, em "Logan" (Direção de James Mangold, com Hugh Jackman, Patrick Stewart e Dafne Keen); a continuação de Guardiões da Galáxia, intitulada "Guardiões da Galáxia vol. 2" chega ao Brasil em 27 de abril (Direção de James Gunn, com Chris Pratt, Zoe Saldana e Karen Gillan); no dia 1° de junho uma das mais importantes super-heroínas da história ganha seu primeiro filme solo "Mulher Maravilha" (Direção de Patty Jenkins, com Gal Gadot, Chris Pine e Robin Wright);

[caption id="attachment_52140" align="aligncenter" width="1211"] Posteres de Homem-Aranha: De volta ao Lar e Liga da Justiça[/caption]

em julho, ainda sem dia específico, temos a estreia de "Valerian e a Cidade dos Mil Planetas", uma adaptação da história em quadrinhos francesa de ficção científica dos anos 1960 "Valerian: O Agente Espaço-Temporal" (Direção de Luc Besson, com Cara Delevingne, Dane DeHaan e Ethan Hawke); em 6 de julho o amigão da vizinhança retorna para a casa das ideias em "Homem-Aranha: De volta ao lar" (Direção de Jon Watts, com Tom Holland, Marisa Tomei e Michael Keaton); no dia 2 de novembro o deus nórdico do trovão volta às telas em "Thor: Ragnarok" (Direção de Taika Waititi, com Chris Hemsworth, Tom Hiddleston e Tessa Thompson); e fechando o ano das adaptações de HQs teremos "Liga da Justiça", prevista para o dia 16 de novembro (Direção de Zack Snyder, com Ben Affleck, Gal Gadot e Ezra Miller).

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karolborges32 — Mon, 02 Jan 2017 19:11:46 +0000

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